Articles sur le Coaching et l'acting en générale

J'analyse le jeu caméra d' une scène de Empathie

Wed, 29 Apr 2026 05:00:00 GMT

Analyse de Scène : Le Jeu Caméra Subtil de Florence Lompé dans « Piché » (Série Québécoise)

Salut tout le monde ! Dans cette nouvelle vidéo (et cet article), je décortique pour vous une scène de jeu caméra extraite de la série québécoise Piché. Au cœur de cette analyse : Florence Lompé .

Actrice, scénariste et metteuse en scène, Florence est mon véritable coup de cœur 2025 . J’avais vraiment à cœur d’analyser une scène de cette première saison (composée de 6 à 8 épisodes), qui a d’ailleurs remporté le Prix du grand public au festival Séries Mania. Pour info, la saison 2 est déjà en écriture !

Mon analyse se base sur les techniques pures du jeu caméra et sur mon interprétation de la dynamique entre les personnages.

Le Pitch : Rencontre à l’Institut Psychiatrique

Pour ceux qui ne connaissent pas, voici le contexte. La série suit Suzanne , une ancienne criminologue devenue psychiatre, qui atterrit à l’Institut psychiatrique Mont-Royal. Elle y rencontre Mortimè , un agent d’intervention avec qui elle va tisser un lien unique, entourée de patients qui ne laissent personne indifférent.

La scène que nous allons analyser est un moment clé d’intimité. Je vous laisse d’abord visualiser l’extrait mentalement (ou revoir la vidéo), puis on passe à l’écran pour décortiquer ce qui se joue vraiment.

Le contexte de la scène : Une conversation dans une piscine, corps à moitié nus, eau, proximité physique. C’est le lieu idéal pour faire tomber les masques.

1. La Structure : Un Scénario en Triptyque

Pour rappel, un scénario fonctionne souvent comme un triptyque en trois actes :

L’exposition : On présente les personnages et le contexte.
Le déroulement : L’histoire avance avec ses obstacles.
La résolution : Le climax et la fin.

Les scènes individuelles suivent souvent cette même logique. Ici, nous sommes dans une scène d’intimité entre collègues qui apprennent à se connaître.

Le langage des corps

Dès les premières secondes, les corps parlent avant les mots :

Mortimè : Il est franc du collier, mais reste caché.
Suzanne : On sent une gêne sociale de premier niveau. Son corps est en retrait, sur le côté, la jambe repliée. Elle se recroqueville pour se protéger.
L’ambiance : Une fausse décontraction chez lui, une vraie hésitation chez elle.

2. L’Humour comme Bouclier (et comme Lien)

La scène bascule dès la mention du père de Suzanne, l’auteur Anderson Bien-Aimé . « Tu te fous de ma gueule ? » « Non, je l’adore ce type en plus. Super écrivain. Tu sais lire, toi ? »

C’est ici que commence leur jeu . Depuis le début de la série, leur relation se noue autour de l’humour et du second degré. C’est leur point commun, leur attache. Cette dimension légère permet de « faire passer la pilule » et de rendre l’intimité supportable, comme dans la vraie vie.

3. Le Basculement : Quand la Vérité Frappe

Suzanne lance sa vanne récurrente : « Ma mère m’a trouvé dans une poubelle. »

Le défi de l’acteur : Ne pas anticiper

En tant que public, nous savons (grâce à l’épisode précédent) que c’est la vérité . Mais Mortimè, lui, ne le sait pas. Il pense que c’est encore une blague. C’est là tout le talent du jeu : ne pas anticiper . Même si l’acteur a lu tout le scénario et connaît le secret, il doit réagir avec la même sincérité que si c’était une vanne. C’est ça, « faire semblant » tout au long de la comédie. Mortimè rit, puis réalise.

Le silence et le non-verbal

« Mais tu déconnes ou pas là ? » « Ça fait toujours son effet quand je le dis. » « Tu as vraiment été trouvé dans une poubelle ? » « C’est ça l’odeur. »

L’humour laisse place à l’intime. Les visages se ferment, l’ambiance devient sombre. Mortimè insiste. Suzanne ne répond pas par des mots, son silence et son regard suffisent. C’est du jeu non-verbal pur. Dire « oui » serait inutile et lourd.

Après ce moment de vérité brutale, un silence s’installe. Et devinez quoi ? L’humour revient immédiatement. C’est leur socle de communication.

Note de justesse : On a l’impression que c’est facile à jouer. Détrompez-vous. Les acteurs ont tourné cette scène 4 ou 5 fois. Florence Lompé doit rire à la vanne de la « poubelle » avec une sincérité intacte à chaque prise, même si elle sait ce qui arrive. C’est bluffant.

4. Le Retour de Flamme : L’Empathie en Action

Suzanne retourne la question : « Et toi, tu arrives d’où ? » Un regard subtil vers le dos de Mortimè indique le basculement. C’est à lui de se livrer.

« Ah moi, c’est pas une histoire légère. » « Essaie quand même. » « Je suis partie de gens endommagés, qui ont été endommagés par des personnes endommagées. Surtout ma mère. »

La caméra sur la réaction

Remarquez la réalisation : la caméra n’est pas toujours sur celui qui parle. Elle reste longtemps sur Suzanne qui écoute . On voit ses micro-réactions, sa compréhension, son empathie qui grandit. Elle valide silencieusement : « Ah d’accord, c’est ce que j’avais pigé. »

C’est un jeu sobre, suffisant. Et c’est là que l’ empathie opère. Je le répète souvent : l’empathie est la base du métier de comédien.

Vous devez être en empathie avec votre personnage.
Si vous l’êtes, vous l’êtes automatiquement avec votre partenaire de jeu.
Le métier consiste d’abord à regarder l’autre pour mieux comprendre son propre personnage.

5. Le Climax Émotionnel : « Tu m’as moi, maintenant »

La scène repart dans l’ironie. Mortimè exagère : « Oh, j’ai tellement de copains ! Une armée de copains ! » C’est une démonstration, presque un sketch. (Attention, petite parenthèse coach : n’utilisez l’ironie ou le second degré que si c’est indiqué dans le scénario ou demandé par le réalisateur. La base du jeu reste le premier degré).

Puis vient la chute, le vrai climax émotionnel . Ce n’est pas une explosion, ni une bagarre. C’est une déclaration d’amitié, voire d’amour. « Moi, j’ai pas d’amis vraiment. Non plus. En fait, j’en ai pas du tout. » « Bah, tu m’as moi, maintenant. » « Ouais. »

Ce « Ouais » sussurré, répété, vaut tous les discours. Notez aussi la musique qui change et la durée du plan sur le regard de Mortimè. C’est un plan long, non verbal. En tant qu’acteur, vous devez entretenir ce regard par la pensée, comme un feu de cheminée, pour ne pas qu’il s’éteigne.

Le Mot de la Fin : La Complicité avant le Tournage

Tourner une scène aussi intime n’est pas facile, surtout quand les acteurs ne se connaissent pas au début du tournage. Tout se joue au casting . Il faut que ça « matche ». Des essais, des rencontres, des cafés, des restaurants… La complicité de base doit être créée avant le jour J. Pourquoi ? Parce que sur un plateau, c’est le bordel technique : techniciens partout, rythme à 100 000 à l’heure. Si les évidences du jeu ne sont pas déjà là, vous perdez un temps précieux.

J’espère que cette analyse vous a plu et vous donne des pistes pour votre propre travail de jeu caméra. On se retrouve dans quelques semaines pour une nouvelle décryptage.

En bref : Les clés de la scène

Humour vs Intimité : Le second degré sert de bouclier pour aborder des sujets lourds. C'est le socle de la relation qui permet la vérité.
Ne jamais anticiper : Même si l'acteur connaît la fin du scénario, il doit réagir avec la surprise du premier degré à chaque prise.
Le pouvoir du silence : La caméra doit filmer celui qui écoute. Les micro-réactions et le non-verbal en disent plus long que les dialogues.
L'empathie avant tout : Comprendre son partenaire de jeu est la clé pour justifier son propre personnage. Le métier se tourne vers l'autre.
Le climax discret : L'émotion forte n'est pas une explosion, mais une déclaration simple (« Tu m'as moi ») soutenue par un regard long et habité.
Préparation indispensable : La complicité nécessaire à l'écran doit être construite avant le tournage (cafés, rencontres) pour résister à la pression technique du plateau.

La clé du coach : Un jeu caméra réussi, c'est savoir entretenir sa pensée et son regard dans les silences, comme un feu de cheminée.

Inscriptions Ouvertes Saison 2026-2027 : Maîtrisez le Jeu Caméra avec Porte Acting Sud

Tue, 14 Apr 2026 19:06:52 GMT

Inscriptions Ouvertes Saison 2026-2027 : Maîtrisez le Jeu Caméra avec Acting Sud

Les inscriptions pour la saison 2026-2027 sont officiellement ouvertes chez Porte Acting Sud. Que vous visiez le grand écran, les séries télévisées ou le format court, notre formation propose un cursus complet pour l'acteur audiovisuel. Cette année encore, nous déclinons notre offre en ateliers du soir et en classe en journée , adaptés aux emplois du temps de chacun.

Contrairement aux cours de théâtre traditionnel, notre pédagogie se concentre exclusivement sur la technique de jeu face caméra . Fort de plus de 20 ans d'expérience en tant que réalisateur audiovisuel et coach spécialisé depuis 2015, j'ai développé une méthode synthétique qui intègre les meilleures approches du acting mondial et français, spécifiquement adaptées aux exigences techniques du plateau de tournage.

Une sélection sur audition par Visio

L'entrée en formation ne se fait pas sur simple inscription administrative, mais sur la base d'une audition par Visioconférence de 30 minutes . Cette étape est cruciale pour évaluer votre potentiel, votre compréhension des enjeux de la caméra et votre adéquation avec le groupe.

Pour cette audition, vous devrez préparer un texte de votre choix . Il est impératif que ce texte soit personnel et significatif pour vous, car c'est à travers votre connexion émotionnelle au matériau que nous évaluerons votre capacité à jouer "vrai" devant l'objectif. Lors de cet échange, nous analyserons non seulement votre jeu, mais aussi votre compréhension de l'espace cadre et de la continuité, des notions fondamentales que nous approfondirons durant la saison.

Pourquoi se former spécifiquement à la technique caméra ?

Jouer pour la caméra exige une précision chirurgicale que le plateau de théâtre ne demande pas. Chez Porte Acting Sud, l'apprentissage repose sur des réalités techniques concrètes :

La justesse du cadre : Apprendre à se déplacer et à placer son énergie dans un champ défini, souvent très restreint (le gros plan).
La continuité et le raccords : Savoir rejouer une émotion à l'identique pour permettre le montage, une compétence indispensable pour les séries et longs métrages.
L'économie du jeu : La caméra capte la micro-expression. Comme le soulignent les directeurs de casting et les chefs opérateurs, la sobriété et la vérité intérieure priment sur la projection vocale.
La technique du regard : Comprendre l'axe de la caméra et la ligne de regard, des éléments techniques qui, s'ils sont maîtrisés, libèrent l'acteur de la peur de "faire faux".

Notre approche ne se contente pas de théories abstraites. Elle s'ancre dans la pratique du tournage, simulant les conditions réelles d'un plateau professionnel (lumière, son, marques au sol). L'objectif est de rendre l'acteur autonome et opérationnel immédiatement pour des auditions ou des tournages professionnels.

Rejoignez la saison 2026-2027

Les places étant limitées pour garantir un suivi personnalisé et un temps de passage caméra optimal pour chaque élève, nous vous invitons à réserver votre créneau d'audition dès maintenant.

Pour postuler :

Préparez un texte court (monologue ou scène) qui vous touche particulièrement.
Contactez-nous pour planifier votre audition Visio de 30 minutes.
Échangeons sur vos objectifs et votre parcours lors de cet entretien.

Ne laissez pas la technique être un frein à votre créativité. Venez apprendre à faire de la caméra votre alliée.

Acting Sud – Formation d'acteur audiovisuel. Inscriptions ouvertes pour les ateliers du soir et la classe journée.

Les inscriptions sont ouvertes pour la saison 2026-2027 chez Acting Sud, spécialisé dans la technique de jeu face caméra pour le cinéma et les séries. Nous proposons des ateliers du soir et une classe en journée, adaptés à tous les emplois du temps. L’admission se fait exclusivement sur audition par Visio de 30 minutes, nécessitant la préparation d’un texte personnel de votre choix. Fort de 20 ans d’expérience de réalisateur et de coaching depuis 2015, le cursus intègre une méthode unique synthétisant les approches mondiales du acting. L’objectif est de maîtriser les contraintes techniques du plateau : justesse du cadre, continuité, et sobriété du jeu. Les places sont limitées pour garantir un temps de passage optimal devant la caméra. Réservez dès maintenant votre créneau d’audition pour intégrer une formation professionnalisante et concrète. Rejoignez Acting Sud et faites de la caméra votre alliée.

Maîtriser l’Acting Caméra à Distance : La Méthode Progressive d’Eddy Creuzet

Tue, 14 Apr 2026 13:04:36 GMT

Maîtriser l’Acting Caméra à Distance : La Méthode Progressive d’Eddy Creuzet

Le cinéma impose des codes distincts du théâtre. Pour réussir devant l’objectif, l’acteur doit développer une technicité précise, allant de la gestion des micro-expressions à la sincérité émotionnelle instantanée. Conçu par Eddy Creuzet, réalisateur et coach depuis 2013, ce programme de formation à distance offre un accompagnement sur-mesure pour acquérir ces compétences clés, où que vous soyez en France.

Une pédagogie hybride alliant théorie et pratique immédiate

Contrairement aux cours magistraux, ce cursus privilégie l’action. Étalé sur trois mois maximum, le parcours associe des supports pédagogiques (vidéos ou textes) à un suivi individuel rigoureux. Chaque module débouche sur une séance de coaching en visioconférence d’une heure.

Durant ces sessions en direct (via Zoom, kMeet, WhatsApp ou autre), vous mettez en application les concepts appris. L’exercice est filmé, puis immédiatement décortiqué avec le coach . Cette méthode permet d’analyser en temps réel votre langage corporel, votre justesse de ton, votre rythme et la puissance de votre regard.

L’objectif ? Transformer la caméra en un partenaire de jeu bienveillant plutôt qu’en un juge intimidant.

Un programme structuré en 8 modules techniques

Ce cycle de formation ne laisse rien au hasard. Il guide l’artiste, du débutant à l’acteur confirmé, à travers huit étapes fondamentales du métier :

La disponibilité totale (PAT) : Apprendre à incarner une présence silencieuse et tendue, essentielle avant même de prononcer un mot.
L’analyse de scénario : Décrypter les enjeux, les objectifs et la dynamique des dialogues pour ne jamais jouer "à côté".
La construction du personnage et le sous-texte : Développer la vie intérieure du rôle et faire passer des intentions non-dites à travers le texte.
L’écoute active et la réactivité corporelle : Prioriser l’impulsion physique et la réception de l’autre pour éviter l’anticipation mécanique.
La croyance et le premier degré : S’engager totalement dans la situation, même la plus improbable, sans ironie ni distance.
La maîtrise des émotions : Accéder à l’intensité requise de manière contrôlée et reproductible, sans s’épuiser.
Naturalisme et composition : Savoir alterner entre un jeu proche de sa propre personnalité et une composition plus marquée selon les besoins du projet.
Préparation au casting et Selftape : Répondre aux exigences actuelles de l’industrie, réaliser des bandes d’essai professionnelles et éviter les erreurs classiques.

Le distanciel : un complément stratégique à votre parcours

Il est important de noter que ce dispositif en ligne ne prétend pas remplacer l’expérience du plateau, l’énergie du collectif ou le jeu avec de vrais partenaires physiques. Il se positionne comme un outil complémentaire puissant .

Idéal pour ceux qui souhaitent débuter sans pression , maintenir une activité entre deux stages, ou combler un manque d’offre locale, ce format permet de travailler en profondeur sa technique individuelle. C’est un laboratoire sécurisé pour tester ses limites, acquérir une méthode de travail autonome et gagner en confiance avant de retourner sur un tournage ou en studio.

Comme le souligne Eddy Creuzet : « L’acteur est tel un athlète de haut niveau ; l’entraînement régulier est indispensable. » Ce programme de huit heures de coaching personnalisé vous donne les clés pour transformer cet entraînement en performances concrètes devant la caméra.

En bref : Coaching Jeu Caméra avec Eddy Creuzet

Ce programme de formation à distance, conçu par le réalisateur et coach Eddy Creuzet, permet aux acteurs de tous niveaux de maîtriser les spécificités du jeu cinéma depuis chez eux. Structuré sur trois mois, il combine apports théoriques et huit heures de coaching individuel en visioconférence pour un suivi personnalisé. Le cursus progresse logiquement à travers huit modules essentiels : de la présence silencieuse et l’analyse de scénario à la gestion des émotions et la préparation aux castings (selftape). Chaque séance pratique est filmée et débriefée instantanément pour corriger le regard, le corps et la justesse du phrasé. Idéal en complément d’une formation en présentiel, ce dispositif offre un espace sécurisé pour acquérir une méthode de travail rigoureuse et gagner en confiance face à l’objectif. Une approche professionnelle pour transformer l’essai et optimiser vos performances d’acteur.

LA CULTURE G n'est pas une option !

Wed, 01 Apr 2026 05:00:00 GMT

Acteurs : Honte à vous si vous ignorez le cinéma français ! (Coup de gueule d’un coach)

Bienvenue dans ce nouveau volet de mon journal intime de coach d’acteur.

Aujourd’hui, pas de gants, pas de filtre. J’ai envie de pousser un petit coup de gueule pour exprimer mon désarroi face à un constat alarmant : il y a beaucoup trop d’acteurs et d’actrices qui n’ont **aucune culture du cinéma français**.

Ma question est toujours la même : *« Veux-tu travailler ailleurs, dans d’autres pays ? »*

La réponse fuse : *« Non, non, je veux travailler en France. »*

C’est là que le bas blesse. Ça m’énerve de l’entendre. Je ne comprends pas. Si vous n’avez pas de culture française, si vous mettez le cinéma français de côté avec des grimaces de dégoût, **qu’est-ce que vous faites dans ce métier ?**

Arrêtons les idées reçues sur le « film d’auteur »

Je crois savoir ce qui vous bloque. À cause de certaines connaissances partielles, vous pensez que le cinéma français se résume à des films bavards, chiants, réservés à une élite. C’est faux.

Commençons par une définition simple. **Un film d’auteur, c’est quoi ?**

C’est simplement un film où la personne qui écrit le scénario est aussi celle qui le réalise. C’est tout. L’histoire originale est portée par une seule vision, mise en scène par cette même personne.

Arrêtez d’utiliser ce terme à tort et à travers pour qualifier tout ce qui n’est pas un blockbuster américain. La preuve ? Regardez ces films français, écrits et réalisés (ou fortement portés) par un auteur, qui ont été des **blockbusters** multi-diffusés à la télé :

* *Les Bronzés*

* *La Boum*

* *3 Hommes et un couffin*

* *Les Visiteurs*

* *Le Dîner de cons*

* *Le Cinquième Élément*

* *Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain*

* *Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre* (où Alain Chabat a mis toute sa patte)

* *Intouchables*

Ce sont des succès box-office immenses. Ce sont des films d’auteurs . Alors, s’il vous plaît, ne confondez plus « film d’auteur » et « film ennuyeux ».

Ce qu’on attend de vous : de la culture, pas forcément du goût

Je peux comprendre que vous n’aimiez pas les films plans, les dialogues interminables ou le manque d’action. Les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas. C’est votre droit le plus strict.

Mais il faut différencier **vos goûts personnels** de votre **travail professionnel**.

Vous êtes étudiants en cinéma, en acting ? Vous devez faire ce travail d’enquêteur, de journaliste.

* Qu’est-ce que le cinéma français ?

* Quelle est son histoire, son passé, son présent et son futur ?

* Qu’est-ce qu’on produisait avant ? Que produit-on aujourd’hui à la télé, sur les plateformes de streaming et au cinéma ?

On ne vous demande pas d’aimer. **On vous demande de connaître.**

Pour moi, c’est obligatoire. Cela fait partie de vos compétences d’acteur en France. Ignorer la production nationale, c’est comme un musicien qui ignorerait le solfège ou l’histoire de la musique de son pays.

Le piège du casting : quand le réalisateur a plus de références que vous

Cette culture va vous servir concrètement, demain. Vous allez rencontrer des cinéastes, souvent sortis de grandes écoles de cinéma. Eux ont une formation solide, gorgée de références internationales **et françaises**. Ils ont étudié des dizaines de films.

Imaginez la situation : vous arrivez en casting pour un court-métrage d’étudiant ou un premier long-métrage. Le réalisateur, passionné, vous pose des questions sur vos références.

* Lui : Il a une culture cinématographique riche.

* Vous : Vous n’avez que des références américaines des années 80.

Aïe, aïe, aïe. Ça va clocher.

Le casting pourrait bien ne pas passer. Le cinéaste cherchera naturellement à travailler avec des gens qui partagent un minimum de culture commune. Ne vous mettez pas dans l’embarras et ne vous disqualifiez pas vous-même par manque de références.

Ma colère : l’obsession exclusive des États-Unis

Mon agacement atteint son paroxysme quand je vois cette focalisation exclusive sur les États-Unis. Récemment, je suis tombé sur la vidéo d’un jeune comédien de 20 ans, très talentueux dans l’analyse, qui décortique le jeu d’acteur. Le problème ? Il ne parle **que** de films US.

Toujours les mêmes : Pacino, De Niro, les vieux classiques. Rien d’aujourd’hui, rien de récent, et très peu de femmes.

À 20 ans, parler uniquement de vieux films américains, c’est incompréhensible.

Les États-Unis ont un excellent cinéma, c’est indéniable. Mais ce n’est pas le Graal unique. Ce n’est pas « le meilleur cinéma du monde » par défaut. L’histoire et les festivals comme **Cannes**, **Venise** ou **Berlin** prouvent le contraire chaque année avec leurs Palmares.

Renseignez-vous ! Oui, les cérémonies, c’est parfois chiant, ces trucs de vieux. Mais regardez les résultats :

* Qui a eu la Palme d’Or ?

* Qui a remporté le Lion d’Or ?

* D’où viennent ces films ? De quelles productions ?

Ouvrez les yeux sur le marché coréen qui explose sur les plateformes, sur les productions européennes, sud-américaines. Sortez de ce focus US obsédant.

Ma méthodologie : 3 étapes pour booster votre culture ciné française

Je sais que dans les formations d’acting (y compris la mienne), on est focalisé sur la technique, le training, le corps. On n’a pas toujours le temps de regarder des films en cours car cela coûte cher en heures de formation.

Mais ne comptez pas uniquement sur vos profs pour vous donner des listes. C’est à **vous** de construire votre culture.

Voici ma méthode simple en trois points pour vous ouvrir l’esprit :

1. Partez de ce que vous aimez (La technique de la filmographie)

Prenez un film français qui vous a plu, récent ou ancien, peu importe.

* Allez sur un site comme **AlloCiné**.

* Regardez qui l’a réalisé.

* Explorez la filmographie de ce réalisateur. Découvrez ses autres œuvres.

* Faites la même chose avec les acteurs et actrices que vous aimez.

En suivant ces fils conducteurs, vous ouvrirez votre champ de vision naturellement. Vous tomberez sur des films auxquels vous n’auriez jamais pensé, mais qui partagent l’ADN de ceux que vous aimez déjà.

2. Devenez critique de votre propre vision

Agissez comme un journaliste ou un critique. Tenez un journal, même simple.

* Notez les films que vous voyez.

* Donnez-leur une note.

* Écrivez votre avis.

Cela vous permet d’emmagasiner votre propre culture cinéma française et de structurer votre mémoire. C’est aussi excellent pour développer votre personnalité, ce qui est crucial pour un acteur.

3. Écoutez les autres (Le pouvoir du pitch)

La troisième clé, c’est votre entourage. Amis, famille, collègues.

Ce qui m’énerve, c’est de voir des grimaces dès qu’on suggère un film français. **Écoutez !** L’ouverture d’esprit est le B.A.-BA de ce métier.

* Demandez le pitch du film.

* Ne rejetez pas a priori.

* Si l’histoire vous intrigue, foncez.

Même si le film ne vous plaît pas au final, vous l’aurez vu, vous en aurez parlé, vous aurez nourri votre culture.

Conclusion : C’est votre salut professionnel

Je vous le dis clairement : prendre le temps de regarder tous ces films, c’est long. Mais c’est votre salut qui en dépend. Je n’exagère qu’à moitié.

C’est ce qui fera de vous de **vrais professionnels du cinéma**, et pas simplement des gens qui « savent jouer ». Car savoir jouer, tout le monde peut apprendre à le faire. C’est votre culture, vos références et votre personnalité qui feront la différence.

Allez, salut à tout le monde. Ouvrez-vous, renseignez-vous, et à la prochaine pour un nouveau sujet !

En bref

Culture ≠ Goût : On ne vous demande pas d’aimer tous les films français, mais de les connaître. C’est une compétence professionnelle obligatoire, pas un loisir.
Stop aux clichés : Un « film d’auteur » n’est pas synonyme de film ennuyeux. Les Visiteurs, Amélie Poulain ou Intouchables sont des films d’auteurs et des blockbusters.
L’avantage concurrentiel : En casting, un réalisateur préfèrera toujours un acteur cultivé capable de partager des références communes qu’un acteur ne jurant que par Hollywood.
Sortez du cocon US : Limiter sa culture à Pacino et De Niro à 20 ans est une erreur. Intéressez-vous aux palmarès (Cannes, Venise) et aux cinémas contemporains (Corée, Europe).
La méthode simple : Partez de vos films/acteurs français préférés, explorez leurs filmographies sur AlloCiné et tenez un mini-journal de vos visions.
Le conseil du coach : L’ouverture d’esprit est le B.A.-BA du métier. Écoutez les pitches, ne faites pas la grimace, et construisez votre personnalité d’artiste.

La clé : Savoir jouer ne suffit plus. C’est votre culture générale qui fera de vous un véritable professionnel.

Stage Journée jeu caméra : Samedi 9 mai

Tue, 10 Mar 2026 11:51:50 GMT

Stage Journée Jeu caméra

Samedi 9 mai

Stage acting + entraînement de l'Acteur formation aux techniques spécifiques du jeu face caméra

"L'Entraînement et techniques jeu Cinéma de l'Acteur" dans le Sud :

échauffement émotionnel, impro guidée, techniques cinéma et coaching tournage d'une séquence de film ou de série et Entraînement Casting

10h-17h à Aix en Provence LE SAMEDI

Entraînement au jeu face caméra en journée découverte et entrainement !

Au Programme :

A chaque stage, chaque Samedi, le programme sera différent ! Nous aborderons la construction du personnage en travaillant sur des séquence de film de cinéma, ou de série TV : Construction et Évolution seront au coeur de ces ateliers, avec les contraintes de la technique de la caméra.

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Lieu : Centre Ressource - Pôle d’activités d’Aix-en-Provence de 10h -17h00

Places de 6 minimum juqsqu'à 10 participants

"Rien ne remplace une véritable expérience de "Plateau de Tournage" ( long métrage, court-métrage , série TV ou série Web. Je ne donne pas de "Cours" Jeu Caméra mais je propose un "Entrainement", une formation aux techniques du jeu cinéma, un atelier d'expérimentation, pour prendre confiance, se découvrir en tant qu'acteur(trice) et faire pont avec le "Jeu Théâtre "

Pour qui ?

Pour l es comédiens de théâtre qui souhaitent faire la passerelle entre le jeu scénique et le jeu caméra.

Pour les acteurs pros qui souhaitent s’entraîner, garder ou acquérir une efficacité de jeu dans l’instant.

Pour les apprentis comédiens qui souhaitent découvrir le jeu d’acteur.

Avec un minimum d’expérience requise (quelques cours de théâtre ou autres expériences)

Age : de 16 à ...

Nombre de places limité à 10 participants

à bientôt

Eddy Creuzet

Je suis coach d'acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site vidéo corporate : https://www.actefilm.fr

Site film fiction : www.eddycreuzet.fr

Instagram : https://www.instagram.com/actingsud/

https://www.instagram.com/eddycreuzet/

Stage cinéma pour Ado : Samedi 11 avril

Tue, 10 Mar 2026 11:46:13 GMT

Stage Ado Jeu caméra 11-14ans

11 avril 2026

Découverte de l'acting pour les Adolescents aux techniques spécifiques du jeu face caméra

Stage découverte au jeu face caméra le samedi 11 avril

10h - 16h

11 - 14 ans

Au Programme :

Nous aborderons la construction du personnage en travaillant sur des séquence de film de cinéma, ou de série TV : Construction et Évolution seront au coeur de ces ateliers, + ENTRAINEMENT AU CASTING avec les contraintes de la technique de la caméra adaptées aux enfants et ados selon leur tranche d'âge.

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série
Visionnage et analyse des essais filmés

Tarifs et Inscription pour le stage Jeu Caméra du samedi pour enfant ou Ado

Lieu : Aix-en-Provence AIX LES MILLES

Places limitées à 6 à 8 participants

Pour qui ?

Pour les enfants/adolescents passionnés de cinéma comédiens de
Pour les enfants/adolescents avec déjà de l' expérience du théâtre et qui souhaitent faire la passerelle entre le jeu scénique et le jeu caméra qui souhaitent s’entraîner, garder ou acquérir une efficacité de jeu dans l’instant.
Pour les enfants/adolescents apprentis comédiens qui souhaitent découvrir le métier d’acteur.
Avec un seul pré requis apprendre un texte par coeur
Age : de 10-15 ans
Nombre de places limité à 6 à 8 participants par stage

Conditions générales de Vente pour toutes les activités d’Acting Sud -Micro entreprise Eddy Creuzet :
Aucun remboursement des cours (Ateliers, coaching individuel ou stage) n’est possible.
Les règlements mensuels sont remis à l’encaissement en début de chaque mois.
Deux absences consécutives ou un retard de paiement entraînent l’exclusion du cours.
Pour le réintégrer, les frais d’inscription doivent être à nouveau acquittés. Le formateur se donne le droit de congédier toute personne selon des motifs de non intégration au groupe et de non respect de la vie en communauté. Le solde du règlement de l'année sera remboursé sauf le mois en cours.
La participation à l’un des cours implique l’acceptation tacite de ces conditions.

à bientôt

Eddy Creuzet

Je suis coach d'acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site vidéo corporate : https://www.actefilm.fr

Site film fiction : www.eddycreuzet.fr

Instagram : https://www.instagram.com/actingsud/

https://www.instagram.com/eddycreuzet/

Stage Acting Jeu caméra Workshop Plan Séquence 5 jours

Thu, 11 Dec 2025 12:00:00 GMT

INT JOUR STUDIO ACTING

En bref

Stage jeu caméra : cinq jours intensifs pour travailler l’intériorité, la subtilité et la continuité d’un plan-séquence. Le programme inclut plusieurs textes, plusieurs rôles et des exercices techniques sur la chorégraphie caméra. Aucun niveau avancé n’est requis, une base d’acting suffit. Le stage se déroule À AIX-EN-PROVENCE. L’inscription se fait via formulaire, et la formation peut être financée par l’Afdas pour les artistes interprètes.

J'ANALYSE LE JEU CAMÉRA D'UNE SCENE DU FILM - CE QUI NOUS LIE de Cédric Klapisch

Thu, 04 Dec 2025 11:00:00 GMT

Pourquoi analyser des scènes professionnelles avant de travailler les tiennes ?

L’idée de ce format est simple : observer des scènes de films et de séries jouées par des interprètes confirmés pour comprendre comment ils construisent leur jeu caméra. La question centrale est : qu’est-ce que l’acteur ou l’actrice a dû préparer pour arriver à ce résultat ?
Dans un second temps, le même regard peut servir pour analyser des courts-métrages amateurs : qu’est-ce qui fonctionne, qu’est-ce qui reste perfectible et comment progresser ?

Comment distinguer ce qui est objectif dans la scène de ce qui est interprétation ?

L’analyse repose striktement sur des éléments concrets : le corps, le cadre, le rythme, les respirations, les silences, la distance entre les partenaires, les ruptures émotionnelles.
Et il est posé clairement que l’on ne peut pas entrer dans la tête des acteurs : l’analyse reconstruit une logique de travail possible , mais ne prétend jamais connaître leurs choix réels.

Comment situer la scène dans l’histoire du film pour mieux la comprendre ?

La scène choisie se déroule dans Ce qui nous lie de Cédric Klapisch. L’aîné revient dans le domaine viticole familial. On retrouve la sœur et le petit frère. Le contexte pose immédiatement un enjeu : retrouvailles, non-dits, rancœur, tendresse enfouie, et un passé chargé .
Avant même de jouer, un acteur doit demander : qu’est-ce que mon personnage sait, ressent, espère ou craint au moment où il entre dans la scène ?

Pourquoi observer l’entrée d’un personnage avant même sa première réplique ?

L’arrivée du petit frère (François Civil) est parlante.
Il entre déjà chargé, mentalement et physiquement, parce qu’il sait depuis quelques minutes que l’aîné est revenu.
La question d’acteur est : qu’est-ce que j’ai fabriqué dans la pièce d’à côté avant d’être dans le cadre ?
Son regard, son maintien, son hésitation à s’approcher donnent l’information : il est content, mais pas à l’aise. Il y a un conflit latent.

Comment lire les corps pour repérer la distance émotionnelle ?

Le grand frère prend dans ses bras, mais le petit garde les bras ballants.
On peut se demander : quelle distance mon personnage veut garder et pourquoi ?
Le corps dit la tension avant les mots.
Et l’acteur doit s’en servir : se place-t-il trop près ? Trop loin ? Reculer est-ce un réflexe de protection ?

Comment travailler un sous-texte simple sans le surjouer ?

Quand l’aîné découvre que son petit frère a un enfant, il exprime une vraie surprise : il l’a quitté enfant, il le retrouve adulte, père, responsable .
Ce sous-texte suffit.
La question utile : qu’est-ce qui m’étonne vraiment ici ? Qu’est-ce que je découvre sur l’autre ?

Comment identifier la première rupture émotionnelle dans la scène ?

La rupture arrive dès que le petit frère balance sa première pique :
« Si tu avais appelé, tu le saurais. »
Son souffle saccadé juste avant montre qu’il retient depuis le début une charge émotionnelle.
L’acteur doit se demander : quelle réplique déclenche la bascule dans le conflit ?
Et : qu’est-ce qui explose enfin après plusieurs tentatives de retenue ?

Comment utiliser l’ironie comme stratégie pour contenir une colère ?

Quand il parle de la mort de la mère en balançant « monsieur était occupé », l’ironie sert de barrage.
La question d’acteur : qu’est-ce que mon personnage utilise pour ne pas craquer ?
Souvent, l’ironie est un moyen de rester debout face à la colère ou à la déception.

Quel est le rôle de la sœur dans la dynamique du trio ?

La sœur sert constamment d’amortisseur.
Elle observe, calme, se place entre les deux.
Son corps trahit son malaise.
L’acteur doit se demander : quel rôle relationnel mon personnage joue malgré lui ? Médiateur ? Observateur ? Déclencheur ?

Comment lire la montée progressive du conflit ?

Dès que l’aîné se lève, on comprend que la dispute passe du verbal au physique.
Les deux frères se retrouvent symboliquement « sur un ring ».
Question pour l’acteur : quelle est la ligne rouge qui fait que mon corps se soulève ?
La tension se voit avant qu’elle ne s’entende.

Comment jouer une vérité difficile quand le personnage n’a plus d’argument ?

Lorsque l’aîné ne trouve plus de réponse face au reproche de l’enterrement, son silence suffit.
La question utile : comment je montre qu’un argument est vrai, même s’il me détruit ?
Ce n’est pas à jouer fort. C’est à laisser tomber.

Comment utiliser la notion de “charge” émotionnelle dans tout le parcours du personnage ?

Le petit frère avait déjà en tête un mantra avant d’entrer : « je vais pas m’énerver ».
Mais il était chargé depuis la marche vers la maison.
Pour un acteur : qu’est-ce qui me précède, mentalement et physiquement, et qui me déborde malgré moi ?

Pourquoi une scène forte peut se conclure sur une respiration légère ?

L’arrivée du voisin casse la tension.
On retourne vers la vie quotidienne, les vendanges, le travail.
Cette rupture finale pose une question de jeu : comment relâcher sans effacer ce qui vient d’être vécu ?
La vie continue. Les personnages aussi.

VOIR L'ANALYSE JEU CAMERA EN VIDEO CI DESSOUS :

En bref

Le texte analyse une scène du film Ce qui nous lie en se basant uniquement sur des éléments visibles : corps, silences, ruptures, distance entre les personnages et logique émotionnelle. Il montre comment chaque acteur arrive chargé avant même d’entrer dans le cadre, comment l’histoire du film influence la scène, et comment les sous-textes émergent sans être surjoués. Les réactions du petit frère, sa retenue, l’ironie comme protection et la montée progressive du conflit sont observées comme des faits concrets. La sœur joue le rôle de médiatrice silencieuse, essentielle à l’équilibre du trio. Le texte explique aussi comment un conflit physique se prépare, comment un silence peut suffire à dire une vérité difficile et comment la scène se relâche naturellement quand un élément extérieur interrompt la tension. L’ensemble sert d’exemple pour comprendre la construction d’une dynamique émotionnelle réaliste dans une scène dialoguée.

Devenir acteur, c’est difficile ou pas ?

Fri, 28 Nov 2025 11:00:00 GMT

Devenir acteur, c’est difficile ou pas ?

Quel rôle joue la sensibilité dans le métier d’acteur ?

La sensibilité reste l’un des fondements du jeu. Beaucoup considèrent qu’un artiste doit ressentir intensément pour transmettre. Les nouvelles générations arrivent souvent avec une hypersensibilité déjà présente : émotions fortes, réactivité constante, expressivité sans filtre.
Mais cette hypersensibilité brute ne suffit pas. Le travail d’acteur nécessite des nuances , des curseurs , un contrôle capable de jouer aussi bien la retenue que l’explosion. L’émotion doit exister en profondeur, pas forcément en surface, car la caméra amplifie déjà tout.

Pourquoi les blocages émotionnels compliquent-ils le travail ?

Comme dans tout parcours humain, l’adulte accumule de la pudeur, des inhibitions, des tensions. Ces blocages empêchent parfois l’accès à certaines émotions. Or aucun interprète ne peut se permettre de retirer des “cordes” à son instrument.
Le métier demande de savoir jouer toutes les émotions, même celles qui semblent inconfortables ou contradictoires. Les refus catégoriques (“cette émotion-là, pas question”) limitent l’employabilité, surtout dans un paysage audiovisuel qui aborde désormais tous les sujets sans tabou.

En quoi l’identité singulière est-elle indispensable ?

De nombreux directeurs de casting expliquent que la majorité des candidats proposent les mêmes intentions, les mêmes gestes, les mêmes lectures littérales du texte.
L’identité se révèle dans le sous-texte , dans la façon personnelle de percevoir une situation, un personnage, une valeur humaine. Cette singularité peut venir du vécu, du stress, du calme absolu, de convictions politiques, d’un rapport particulier au monde. C’est ce qui distingue un interprète d’un autre.

Combien de temps faut-il pour devenir acteur ?

Aucune réponse universelle n’existe. Les écoles durent généralement trois ans, non pas parce qu’on “fait le tour”, mais parce qu’au-delà, le coût deviendrait inaccessible pour la plupart.
Le véritable parcours commence après la formation :
– stages réguliers
– entraînement constant
– rencontres professionnelles
– recherche d’agents
– confrontations aux castings
La durée dépend avant tout du travail continu et du maintien du niveau.

La figuration aide-t-elle vraiment à décrocher des rôles ?

Beaucoup pensent que multiplier les figurations accélère l’accès aux rôles, mais c’est souvent l’inverse : les profils identifiés comme figurants restent rarement considérés pour des rôles parlants. Certaines exceptions existent, mais elles ne représentent pas une tendance fiable.

Pourquoi le métier annexe n’est-il pas un problème ?

La majorité des interprètes jonglent avec un emploi parallèle. Cela n’enlève rien à leur légitimité artistique. Comme dans toute activité indépendante, les premières années ne garantissent pas une stabilité financière. L’important est de considérer ce travail comme annexe et non comme une identité première.
L’exemple est fréquent : un serveur qui se définit comme acteur, même lorsqu’il enchaîne les petits rôles, reste un acteur en construction.

Quel impact ont le syndrome de l’imposteur et le regard des autres ?

Deux freins reviennent souvent :
– la sensation de ne pas être à sa place
– l’environnement social qui ne perçoit pas ce métier comme un “réel métier”
Le regard extérieur assimile parfois l’acteur à un privilégié ou à un rêveur, ignorant l’investissement, l’entraînement et la technique. Ces perceptions peuvent ralentir psychologiquement le parcours.

En quoi la pression financière influence-t-elle la carrière ?

La transition vers l’acting comporte une zone d’incertitude. Fin des aides familiales, absence de CDI, rythme irrégulier des missions : l’instabilité financière devient l’un des obstacles majeurs. Chaque interprète doit composer avec ce paramètre en construisant une stratégie durable.

Existe-t-il un équilibre entre difficulté et facilité à devenir acteur ?

Aucune conclusion tranchée ne s’impose. Le métier est exigeant mais accessible à celles et ceux qui acceptent la régularité, le travail sur soi, la confrontation au marché et l’investissement humain.

Quels réflexes facilitent concrètement l’entrée dans le métier ?

Plusieurs pratiques renforcent la progression :
– s’entraîner constamment comme un sportif de haut niveau
– suivre des stages pour garder l’instrument actif
– collaborer avec un coach pour lever les blocages
– développer une présence proactive : festivals, rencontres, discussions
– s’intéresser aux autres métiers du cinéma pour mieux comprendre un plateau
– nourrir sa curiosité en continu
– adopter une attitude humaniste, ouverte et attentive

Quelle conclusion retenir ?

Le parcours artistique repose sur une combinaison d’exigence, de singularité, de courage et de continuité. L’interprète qui s’entraîne, qui s’intéresse aux autres et qui cultive son identité intérieure augmente ses chances d’accéder à ce métier complexe mais profondément vivant.

En bref

Le parcours pour devenir acteur ou actrice combine hypersensibilité, travail émotionnel et construction d’une identité artistique singulière. Le métier demande de lever les blocages, d’accepter toutes les émotions, de s’entraîner régulièrement et de comprendre les réalités professionnelles : castings, instabilité financière, syndrome de l’imposteur, emploi annexe. Les directeurs de casting recherchent des personnalités capables d’exprimer un sous-texte unique plutôt que des intentions standardisées. La figuration reste une voie limitée, tandis que la formation continue, les stages et les rencontres nourrissent l’évolution. Devenir acteur se construit dans la durée, entre exigence, curiosité et persévérance.

Les Dialogues, Ce N’est Pas Juste Parler — C’est Tout Un Jeu

Thu, 20 Nov 2025 16:30:00 GMT

Les Dialogues, Ce N’est Pas Juste Parler — C’est Tout Un Jeu

Pourquoi je fais ce format court ?

Je fais ces leçons d’acting en une minute pour Instagram, histoire de donner des bases solides et concrètes. Si tu veux voir la leçon complète (5 à 8 minutes selon le sujet), il faut être abonné·e à ma newsletter — le lien est dans ma bio.

Moi c’est Eddy Creuzet , coach d’acteur depuis 2015 , et aujourd’hui on continue à bosser sur ce qui est la base du jeu caméra : le scénario . Dans la première leçon, on a vu comment repérer les trois actes , les climax et tracer son chemin émotionnel .

Là, on va plonger dans trois éléments essentiels : les actions , les didascalies (les indications scéniques), et enfin les dialogues .

C’est quoi les actions dans une scène ?

Une action , c’est tout ce qu’un personnage fait ou dit . Elle peut être physique (le corps) ou verbale (le texte).

Les actions doivent être claires pour qu’on comprenne :

les motivations du personnage,
son caractère , ses émotions ,
et bien sûr pour aider à la mise en scène .

En anglais, on appelle ça le blocking . C’est tout ce qui concerne le corps , le regard , la caméra , le déplacement dans l’espace.

Et les didascalies, c’est quoi la différence ?

Les didascalies (ou indications scéniques) sont des infos qu’on trouve surtout dans les scénarios et au théâtre.
Elles décrivent la mise en scène , les décors , les costumes , les accessoires , les sons , les lumières … bref tout le contexte visuel et sonore d’une scène.

Les actions et les didascalies sont liées, mais :

les actions sont ce que le personnage fait ,
les didascalies sont le cadre dans lequel il évolue.

Comment repérer le personnage moteur d’une scène ?

Dans une scène, il y a souvent un personnage moteur . Ce n’est pas toujours celui ou celle qui parle en premier .

Pour le repérer, pose-toi ces questions :

Qui amène l’intrigue ou le conflit ?
Qui apporte une information nouvelle ?
Qui fait avancer la scène ?

C’est important de savoir si ton personnage est moteur ou non , parce que ça change ton positionnement de jeu .

Pourquoi je parle des dialogues en dernier ?

Beaucoup d’acteurs — surtout les débutants — se jettent directement sur leurs dialogues . Erreur classique.
Ils apprennent le texte trop vite, sans comprendre la scène dans son ensemble.

�� Avant d’apprendre ton texte, tu dois avoir compris :

les actions ,
le contexte (didascalies),
qui est moteur .

Le dialogue n’est pas le point de départ, c’est l’arrivée après tout ce travail.

Comment les scénaristes écrivent un dialogue ?

Quand on écrit un scénario, les dialogues arrivent en dernier . Avant ça, les scénaristes bossent sur :

les actions ,
les indications scéniques ,
les émotions , les mouvements , la mise en scène .

Pourquoi ? Parce qu’on est dans une œuvre audiovisuelle : on montre avant de dire .
Si on explique à voix haute ce qui se voit déjà à l’image, c’est redondant et inutile.

À quoi sert vraiment un dialogue ?

Un bon dialogue ne sert pas juste à parler . Il doit :

Révéler les pensées des personnages,
Porter les émotions , les intentions , les motivations ,
Caractériser les personnages,
Faire avancer l’intrigue .

En fiction, contrairement au roman, on n’est pas dans la tête des personnages. Le dialogue remplace donc ce qui n’est pas dit. Parfois, on utilise une voix off , mais ce n’est pas une solution magique à tout.

Pourquoi un dialogue doit sonner naturel… mais pas réel ?

Un bon dialogue est naturel , pas réel .

Dans la vraie vie, nos conversations sont pleines de répétitions , de “euh” , de blancs , de parasites . Si on transcrivait une discussion de café mot à mot, ce serait insupportable à écouter dans une fiction.

Donc les dialogues sont écrits , mais doivent sonner à l’oreille comme si c’était de la vraie vie.

�� Pour ça, les scénaristes lisent leurs textes à voix haute pour vérifier le rythme, la musicalité, la fluidité.

Quel lien entre le langage et le personnage ?

Le langage du personnage doit coller à son monde :

Populaire → langage populaire.
Bourgeois → langage soutenu.
Accent, région, vécu → ça colore son oralité.

Le dialogue porte aussi une tension émotionnelle : il ne dit pas tout, il suggère . C’est là qu’intervient le sous-texte .

C’est quoi le sous-texte ?

Le sous-texte , c’est ce que le personnage veut vraiment dire , en dessous des mots.

Exemple :“Passe-moi le sel.”

Si le perso est en colère → “Passe-moi le sel, dépêche-toi, tu m’énerves.”
S’il est amoureux → “Passe-moi le sel, je t’adore.”

Autre exemple : “J’aimerais bien que tu me reconnaisses.” (Jean-Pierre Bacri dans Photo de Famille)
Sous-texte : “J’aimerais que tu me dises je t’aime une dernière fois avant de partir.”

Le sous-texte, c’est ce qui donne de la profondeur et rend ton jeu vivant .

Comment éviter les mauvais dialogues ?

Un mauvais dialogue est souvent :

Répétitif → on dit ce qu’on a déjà montré.
Hors-sujet → aucun lien avec ce qui précède.
Explicatif → on explique ce qu’on devrait montrer .
Trop littéraire → pas assez oral.

Ton but, en tant qu’acteur ou actrice, c’est de ne jamais isoler ton texte du reste de la scène. Tout est lié : actions , didascalies , dialogues → c’est une boucle vertueuse .

Pour conclure

Un bon dialogue est informatif , émotionnel , subtil et ancré dans les actions .
Il révèle les personnages, soutient la mise en scène et laisse de la place au jeu.

Ne commence jamais par apprendre ton texte. Commence par comprendre la scène .
Cherche le sous-texte .
Travaille dans le corps et pas que dans la tête.

Et comme toujours : le dialogue ne remplace pas le jeu , il le sert.

À la prochaine pour une nouvelle leçon

En bref

Le dialogue n’est pas une fin en soi : c’est le résultat d’un vrai travail en amont sur les actions, les didascalies et le sous-texte. Il doit sonner naturel sans être réel, révéler les émotions et faire avancer l’intrigue . Un acteur ou une actrice ne doit jamais apprendre son texte isolé du reste de la scène. Tout est lié : action, contexte et parole . C’est ça qui rend un jeu vivant et crédible.

J'analyse une scène de Bacri du point de vue du jeu caméra

Thu, 13 Nov 2025 12:45:00 GMT

Plongée dans le jeu caméra : décortiquons une scène comme un pro

Pourquoi j’ai lancé ce nouveau format ?

Salut à tous, je suis Eddy Creuzet, coach d’acteur depuis 2015
Ce nouveau format m’a été soufflé par mon pote Martin. L’idée est simple : analyser des scènes de jeu caméra — d’abord issues de films et séries professionnelles, puis, dans un second temps, pourquoi pas de court-métrages d’acteurs et actrices amateurs.

Pourquoi ? Parce que observer, décortiquer et analyser une scène permet de mieux comprendre comment un acteur travaille en profondeur — et comment vous pouvez vous en inspirer pour votre propre jeu.

Comment je vais analyser les scènes ?

Je vais d’abord me concentrer sur des acteurs professionnels pour repérer les choix de jeu , les dynamiques de scène , la présence caméra et l’évolution émotionnelle .
Ensuite, je m’intéresserai aux acteurs amateurs pour voir ce qui fonctionne déjà et ce qui peut être amélioré .

Bien sûr, tout ça est subjectif : je ne suis pas dans la tête des acteurs, et je ne prétends pas détenir une vérité absolue. Mais mes analyses s’appuieront sur des bases techniques solides que j’utilise dans mon travail de coach depuis des années.

Mon objectif n’est pas de juger, mais d’ ouvrir des pistes de réflexion concrètes sur comment travailler une scène , comment aborder un rôle , et comment rendre le jeu plus vivant à l’écran .

Quel film ai-je choisi pour cette première analyse ?

Pour cette première, j’ai décidé d’analyser une scène du film Photos de famille de Cécilia Rau , avec Jean-Pierre Bacri et Claudette Walker .
Évidemment, je ne suis pas dans la tête de Bacri , donc je ne vais pas imaginer à sa place comment il a préparé la scène.

En revanche, je vais proposer plusieurs pistes de travail que vous pourriez utiliser si vous aviez à reproduire ce type de jeu .
Comment aborder ce genre de scène ? Quels outils concrets utiliser ? Quelles intentions de jeu explorer ? C’est exactement ce que je vais décortiquer pas à pas dans ce format.

Ce que vous allez retrouver dans ces analyses

Des observations concrètes sur le jeu caméra
Des pistes de travail pour nourrir votre propre jeu
Des réflexions subjectives , mais toujours ancrées dans la technique
Des allers-retours entre pros et amateurs pour montrer que tout le monde peut progresser

Ce format, c’est un espace libre pour parler d’acting sans filtre , analyser et apprendre ensemble. Vous pourrez être d’accord ou pas, et c’est très bien comme ça — l’important, c’est de faire évoluer notre regard d’acteur .

VOIR L'ANALYSE JUE CAMERA EN VIDEO CI DESSOUS :

En bref

Un nouveau format pour analyser des scènes de jeu caméra : d’abord chez les pros, puis chez les amateurs.
L’objectif : observer, comprendre et progresser.
Je propose des pistes concrètes de travail à partir de scènes réelles, pour que chacun puisse renforcer sa présence et sa justesse devant la caméra.
Ce n’est pas une leçon, c’est une invitation à réfléchir comme un acteur.

Journal intime d’un coach d’acteur : quand le jeu devient imitation

Thu, 06 Nov 2025 10:00:00 GMT

Journal intime d’un coach d’acteur : quand le jeu devient imitation

C’est parti !

Je lance une nouvelle formule . Une nouvelle vidéo . Un nouveau contenu . Une nouvelle idée .
Bienvenue dans mon journal intime de coach .
Ici, je parle sans filtre , sans préparer de plan. Juste mes pensées , mes réflexions , mes anecdotes autour du métier d’acteur et d’actrice .
Pas de grandes théories. Pas de posture de gourou. Juste moi, coach d’acteur depuis 2015, réalisateur depuis plus de vingt ans, et mes observations sur ce que je vois tous les jours dans les ateliers et sur les tournages.

Pourquoi je parle de “danger” quand je parle de représentation ?

Le sujet d’aujourd’hui, c’est le danger de la représentation dans le jeu caméra .
Quand je dis représentation, je parle aussi d’imitation .
Imiter une émotion. Imiter une posture. Imiter “un personnage”.
Pour moi, c’est un vrai piège . Et le pire, c’est qu’il se referme sur l’acteur ou l’actrice sans qu’iel s’en rende compte .

Un acteur en représentation n’est pas dans l’instant présent . Il reproduit une image mentale de ce que “devrait” être une émotion ou une scène. Le jeu devient mécanique . Et surtout : il perd toute sincérité .

Quelles phrases trahissent un jeu d’imitation ?

Il y a des phrases que j’entends souvent et qui me font bondir.
Par exemple :

“Je vais faire le psychopathe.”
“Je le fais comment ?”

Là, je sais que la personne est déjà en train de jouer une idée , pas de vivre une situation .

Dès qu’un comédien ou une comédienne me dit “je vais le faire”, ça me hérisse les oreilles.
Ma réponse est toujours la même :
�� “ Vis-le , mais ne le fais pas.”

Pourquoi ? Parce que penser “faire” , c’est déjà s’éloigner de la vérité du moment .
C’est se mettre en mode représentation au lieu de s’abandonner au rôle.

Et quand l’acteur se réfugie dans l’intellect ?

Autre chose que je vois souvent : l’intellectualisation .
Au lieu de ressentir , l’acteur explique .
Il m’analyse la scène, il me raconte l’histoire… alors que je sais lire un scénario, merci ��

Ce que je veux entendre, ce n’est pas : “Le personnage fait ci, fait ça…”

Ce que je veux entendre, c’est :
“ Ce qu’il ressent . Ce qu’il pense. Ce qui se passe à l’intérieur .”

En France, on a une culture scolaire très littéraire .
On apprend à réciter des textes , rarement à les interpréter .
J’ai une fille de 15 ans. Et je vois encore des profs qui demandent d’apprendre une poésie par cœur , sans incarner les mots. Résultat ? Beaucoup d’acteurs arrivent en formation avec cette habitude d’intellectualiser au lieu de vivre le texte .

Pourquoi certaines émotions sont bloquées ?

Il y a aussi l’acteur ou l’actrice qui ne s’implique pas émotionnellement .
Pas parce qu’iel ne veut pas bien faire. Mais parce qu’iel a des verrous personnels .

Des exemples, j’en ai des tonnes :

“Moi, je ne peux pas pleurer.”
“Je ne me mets jamais en colère.”
“J’ai soigné ma colère.”

C’est bien d’avoir appris à se maîtriser dans la vie. Mais en jeu caméra, ça devient une barrière .
Si tout est verrouillé, rien ne passe à l’image .
Et si rien ne passe, vous tombez dans… la représentation .

�� Peu importe la méthode : psy, travail personnel, ou coaching, il faut affronter ses blocages .
Sinon, vous jouez “autour” de l’émotion. Jamais dedans .

La pudeur est-elle l’ennemie de l’acteur ?

Oui et non.
La pudeur dans la vie , c’est sain.
Mais devant la caméra , c’est un frein .

Un acteur ou une actrice doit être impudique dans le jeu .
Pas dans la vie, pas dans la rue — sur le plateau.
C’est le seul espace où on vous demande d’ exprimer fort et clairement vos émotions.

La bonne nouvelle : cette pudeur se dépasse assez vite , surtout chez les débutants.
Parce que quand vous savez que vous êtes en sécurité , que le cadre est clair et que vous êtes accompagné·e, le corps s’ouvre. Et le jeu devient plus authentique .

Pourquoi le doute est une force (et pas une faiblesse) ?

Un autre piège, c’est le manque de doute .
Moi, je considère qu’un acteur ou une actrice, c’est un·e scientifique .
Et un scientifique doute toujours . C’est ce qui le pousse à expérimenter, à chercher, à se tromper, à recommencer.

Pas de doute = pas de recherche = jeu figé.

Mais attention, il y a un équilibre.
Trop de doute, c’est la paralysie.
Pas assez de doute, c’est l’arrogance.
Le bon curseur, c’est celui qui vous fait questionner , pas celui qui vous bloque .

Même un acteur expérimenté repart à zéro à chaque rôle .
Jean-Pierre Bacri le disait : même après des années de carrière, il faisait encore des essais pour voir s’il était capable de jouer un rôle. Parce que le personnage est toujours nouveau .

Comment éviter de tomber dans la représentation ?

�� Travailler en amont.
Apprenez votre texte, explorez les émotions, analysez la structure du scénario, comprenez le cheminement de votre personnage.

�� Préparez-vous émotionnellement.
Pas pour “faire bien”, mais pour pouvoir lâcher prise le jour J .

�� Faites confiance.
À votre préparation, à vos partenaires, à votre coach, à votre instinct.

Le mot “Action” ne veut pas dire “réfléchis”.
Il veut dire “ vis ”.

Et surtout : n’ayez pas peur .
J’entends trop souvent “J’ai peur d’en faire trop.” “J’ai peur de surjouer.”

La peur est un frein. Le risque , lui, est une force.

Et si on résumait ?

Représentation = piège.
Faire = imitation. Vivre = vérité.
Intellectualiser = bloquer. Ressentir = libérer.
Pudeur et blocages = obstacles à dépasser.
Doute = moteur de recherche.
Préparation = clé pour être libre sur le plateau.

�� Le jeu d’acteur demande une sincérité radicale et une spontanéité totale .
Regardez des films qui vous inspirent.
Faites des stages, des ateliers.
Jouez. Improvisez. Explorez. Tombez. Relevez-vous. Et recommencez.

C’est ça, le métier.

Merci à celles et ceux qui sont restés jusqu’au bout.
Si vous avez lu tout ça, c’est que vous avez un peu de temps devant vous — ou que vous êtes passionné·e ��
Dans les deux cas, bravo.

À très vite pour le prochain épisode de mon journal intime de coach .

En bref

La représentation dans le jeu caméra est un vrai piège : dès qu’on “fait” au lieu de vivre, on perd la sincérité . Beaucoup d’acteurs tombent dedans en intellectualisant trop, en gardant leurs blocages émotionnels ou en manquant de doute. Pour éviter ça : préparez-vous en amont, dépassez votre pudeur , faites confiance à votre instinct et osez prendre des risques. Le mot d’ordre : ressentir plutôt que faire.

Jouer avec l’énergie : ce que ton corps raconte à la caméra

Fri, 31 Oct 2025 10:00:00 GMT

Jouer avec l’énergie : ce que ton corps raconte à la caméra

Qu’est-ce qu’on travaille vraiment en début d’année ?

C’est reparti ! ��
C’est la rentrée à Acting Sud et on replonge ensemble dans les ateliers de formation professionnelle spécialisée en jeu devant la caméra .
Chaque mois, je partage ici des extraits concrets de cours , comme si vous y étiez, pour vous faire entrer dans l’envers du décor de notre travail d’acteur.

Aujourd’hui, on parle d’un truc essentiel et souvent sous-estimé : la façon dont votre corps occupe l’espace et transmet l’énergie à la caméra .

Pourquoi le marquage au sol est une base indispensable ?

Avant même de jouer, il y a une étape technique qui change tout : le marquage au sol .
C’est le moment où on vous dit « voilà, c’est ici que tu vas te placer ».

Quand vous faites une entrée de champ , le moindre déplacement modifie l’image .
Si vous vous placez un peu trop à gauche, par exemple, vous pouvez vous retrouver coupé en deux ou carrément hors champ .
Si vous reculez, vous gagnez en profondeur , mais ça change aussi votre présence dans le cadre .

L’idée ici, ce n’est pas de se juger , mais de sentir . Sentir où vous êtes dans l’image et comment votre corps occupe l’espace .

Comment trouver la bonne densité de jeu ?

Ce que je cherche avec vous, c’est ce que j’appelle la densité de jeu — cette sensation d’ intériorité , de présence vivante à l’écran.
Peu importe que ce soit une scène théâtre ou cinéma , cette densité, on peut la sentir dès le premier shot quand c’est juste.

Quand je vous dis « c’était comme ça que je le sentais », c’est exactement ça : le moment où le jeu et la caméra se rencontrent naturellement .

D’où vient l’énergie quand on joue ?

Beaucoup cherchent l’énergie en baissant les yeux ou en se refermant sur eux-mêmes.
Mais l’ énergie scénique ne vient pas d’en bas.
À moins d’être très ancré, l’énergie qui touche vraiment le public ou la caméra passe par l’autre .

�� Tu t’appuies sur ton ou ta partenaire de jeu pour dire ta phrase .
Ton intention part vers l’autre, pas vers le sol.
Si tu dis à quelqu’un que tu le quittes, c’est l’autre que tu quittes , pas le sol.
Donc l’énergie, tu la prends là — dans la connexion avec la personne en face de toi.

Pourquoi le regard change tout ?

Un bon point de départ, c’est de commencer dans les yeux de l’autre .
Le regard, c’est un point d’ancrage hyper fort.
Il donne la direction de ton énergie et installe tout de suite la vérité de ta présence .

En résumé :

Marque ton sol pour occuper ton cadre .
Sens ta densité de jeu .
Appuie-toi sur l’autre pour faire circuler ton énergie.
Laisse ton regard porter ton intention .

C’est là que le jeu caméra commence à respirer.

En bref

Le marquage au sol est essentiel pour bien occuper le cadre caméra.
La densité de jeu vient de la présence intérieure , pas du geste forcé.
L’énergie ne vient pas du sol mais de la connexion avec l’autre.
Le regard est un point d’ancrage puissant pour faire circuler cette énergie.
C’est là que le jeu caméra devient vivant et capte vraiment l’attention.

Est-ce que la bande démo est vraiment indispensable ?

Thu, 23 Oct 2025 09:00:00 GMT

Pourquoi ta bande démo, c’est ta carte d’identité de comédien·ne

Est-ce que la bande démo est vraiment indispensable ?

Alors on me pose encore la question : « Est-ce qu’une bande démo est vraiment importante quand on est comédien ou comédienne ? »
La réponse est simple : oui , c’est obligatoire .

Salut, moi c’est Edie Creuset , je suis réalisateur et coach d’acteur depuis 2015, et je propose de réaliser ta bande démo avec toi.

Je ne vais pas t’expliquer pourquoi c’est devenu indispensable aujourd’hui — tout le monde le sait.
Ce que je vais faire, c’est te montrer comment je peux t’aider concrètement à la créer ou à la monter.

Comment faire si tu as déjà des images à monter ?

Première option : tu as déjà tourné dans des courts métrages , des films , des projets étudiants… mais tu ne sais pas monter ta bande démo ou organiser les extraits .
Pas de panique. Je peux :

faire le montage technique ,
t’aider à placer les extraits dans le bon ordre ,
gérer la durée idéale ,
et créer un rythme fluide pour capter l’attention dès le début.

Sur la durée idéale , il y a toujours débat.
Certains directeurs de casting parlent de 3 minutes , d’autres de 1 minute 30 .
Moi, en tant que réalisateur , je le vois clairement : au bout de 2 minutes , j’ai déjà vu l’essentiel.
Donc on va travailler le cœur de ta bande démo au début , et on dépasse rarement les 2 minutes max .

Et si tu n’as encore jamais tourné ?

Deuxième option : tu n’as pas encore d’images , parce que tu débutes ou que tu n’as pas encore eu l’occasion de tourner.
Quand je dis « jeune acteur ou actrice », je parle d’ expérience , pas d’âge.

Dans ce cas, je t’aide à créer ta bande démo de A à Z :

On choisit ensemble des extraits de scénario (films, séries…) ou je t’en propose.
Je peux même écrire des scènes sur mesure , adaptées à ton jeu et à ta personnalité.
Ces scripts doivent te représenter à l’instant T, montrer ce que tu sais vraiment jouer maintenant .

Une bande démo , ça se renouvelle chaque année , parce que tu progresses.
Pas besoin de tout jeter à chaque fois : on peut simplement ajouter de nouveaux extraits pour montrer ton évolution.

Comment se déroule le tournage ?

Concrètement, je propose 3 heures de tournage , 1 heure par scène .
On choisit trois scènes , trois rôles différents pour montrer toute ta palette.

Pendant le tournage, je fais beaucoup de direction d’acteur .
Mon job, c’est de te mettre à l’aise devant la caméra , te permettre de jouer pleinement le rôle sans pression.
On bosse dans une ambiance pro mais détendue.

Le rendu final :

Vidéo professionnelle 4K ,
image bien cadrée,
bonne lumière ,
bon son , évidemment.

Faut-il faire une bande démo rapide ou plus posée ?

Il y a deux écoles :

ceux qui veulent un rythme très clip , avec des répliques fortes montées les unes à la suite des autres,
et ceux (comme moi) qui préfèrent laisser respirer une scène .

Pour moi, c’est essentiel de montrer une évolution de jeu sur 30 à 45 secondes :

des ruptures ,
des émotions qui bougent ,
des réactions à l’autre .

Parce que si on ne montre que les 5 meilleures répliques avec une musique épique derrière, on peut faire croire qu’on est incroyable.
Mais le jour du casting, on devra jouer la scène entière , et là… si le niveau retombe, le directeur de casting verra tout de suite la différence .

Et si tu veux mixer images existantes et nouvelles scènes ?

Troisième option : tu as déjà des images , mais pas assez .
Dans ce cas, on mélange les extraits existants avec de nouvelles scènes tournées ensemble .
Un mix des deux premières formules .

Envie de passer à l’action ?

Si tu veux qu’on bosse ensemble sur ta bande démo professionnelle, contacte-moi en MP.

À très vite pour créer ta carte de visite d’acteur ou d’actrice.

En bref

Ta bande démo est ta carte d’identité de comédien·ne : impossible de s’en passer aujourd’hui.
Je propose trois formules : montage de tes images existantes , création de scènes sur mesure , ou mix des deux .
On tourne en conditions pros , avec une vraie direction d’acteur et une qualité 4K .
L’objectif : montrer ton jeu réel , pas juste tes 5 meilleures répliques.

Pourquoi les comédiens bossent avec un coach d’acteur ?

Thu, 16 Oct 2025 08:27:27 GMT

Devenir comédien, ça ne se fait pas seul : pourquoi travailler avec un coach d’acteur

Pourquoi les comédiens bossent avec un coach d’acteur ?

Salut, je suis coach d’acteur depuis 2015 et je propose un accompagnement individuel régulier , concret et sans prise de tête.

Depuis quelques temps, on entend de plus en plus de comédiens et comédiennes , confirmés ou pas, parler de leur collaboration avec un coach. Pourquoi ?
Pour préparer leurs rôles , bien sûr, mais aussi pour faire un training régulier tout au long de l’année.

Si vous voulez devenir acteur ou actrice professionnel·le , vous avez besoin d’un partenaire régulier . Quelqu’un qui vous aide à progresser, à prendre du recul sur vous, à vous donner la réplique , à regarder ce qui fonctionne et ce qui coince .

Je suis là aussi pour ça : vous secouer un peu, vous pousser plus loin, vous rappeler de ralentir, de charger la scène, de mettre du concret dans votre jeu. Parce qu’un bon jeu caméra, c’est pas juste “jouer”, c’est incarner .

Comment se passe l’accompagnement individuel ?

Je propose un forfait mensuel avec des séances de minimum 3h .
Ensuite, vous pouvez ajouter des heures à la carte selon votre planning, vos besoins de coaching , de préparation de casting ou de travail de rôle .

L’idée, c’est de construire une routine solide , réaliste, qui s’adapte à votre vie , votre rythme et vos projets .

Qu’est-ce que je vous apporte concrètement ?

Travailler avec moi, ce n’est pas juste répéter un texte.
C’est aussi :

Préparer les castings : comprendre les enjeux , qui est la production , ce que représente le rôle , pourquoi vous êtes là.
Préparer le rôle en profondeur : créer la back story de votre personnage, réfléchir à son univers, à sa façon de bouger, de parler.
Apprendre votre rôle par cœur (et pas seulement le texte) pour arriver sur le plateau chargé de votre personnage .
Travailler votre image professionnelle : CV , photos , bande démo , tout ce qui sert à vous vendre comme artiste .

Et la bande démo, on en parle ?

En plus d’être coach, je suis aussi réalisateur .
Donc je peux vous aider à créer ou monter votre bande démo .
Soit à partir de vos images existantes, soit en créant une scène originale sur mesure — avec une vraie mise en scène , une vraie direction d’acteur .

Pourquoi investir dans un coach d’acteur ?

Oui, c’est un investissement .
Mais en tant que comédien ou comédienne, vous êtes votre propre entreprise .
Votre outil de travail, c’est vous : votre corps, votre voix, votre énergie.

Moi aussi, en tant qu’indépendant, je dois investir : je paye ma com , mes publicités , mes formations . Ça fait partie du métier.
C’est pareil pour vous.

Et soyons clairs : se payer un coach , ce n’est pas plus cher qu’un abonnement streaming, une appli de rencontre ou une carte ciné.
Sauf que là, vous investissez dans votre carrière .

Prêt·e à passer à l’action ?

Si quelque chose n’est pas clair ou si vous avez des questions, contactez-moi en MP .

À très vite pour construire votre programme d’acteur ou d’actrice professionnel·le .

En bref

Travailler avec un coach d’acteur, c’est poser des bases solides pour progresser régulièrement.
Je vous accompagne dans la préparation de rôles, castings et dans la création de votre bande démo.
On construit ensemble une routine de travail adaptée à vos objectifs.
C’est un investissement stratégique dans votre carrière, comme pour tout indépendant.

Acting Sud c'est quoi ?

Tue, 07 Oct 2025 10:38:42 GMT

Découvrir Acting Sud : école de jeu face caméra autour de Marseille

Tu rêves de devenir acteur ou actrice pour le cinéma, la télévision, les séries ou la publicité ? Tu veux travailler le jeu face caméra, comprendre les contraintes du plateau, recevoir un retour concret et progresser réellement ? Bienvenue chez **Acting Sud**.

### Ce qui fait la différence à Acting Sud

Voici ce que nous faisons autrement et mieux :

* **Eddy Creuzet, Coach et réalisateur de fiction** : je suis à la fois coach d’acteur et réalisateur. Cela veut dire que je ne forme pas seulement des acteurs, mais que je transmets aussi la logique de mise en scène, de cadre, de rythme et de montage. Mon regard de réalisateur permet d’ancrer le travail dans la réalité du plateau, avec les contraintes du champ, du hors-champ, du raccord et du cadre.

* **Retour, visionnage et analyse des scènes** : chaque séance se conclut par un visionnage des exercices filmés. Ensemble, on analyse le jeu, la sincérité, la concentration, la dynamique, la lisibilité à l’image. Ce moment de retour est au cœur de la progression. C’est le regard caméra qui devient ton miroir de travail.

* **Diversité des formats** : selon ton rythme et ton objectif, Acting Sud propose plusieurs formules :

* cours en journée (formation continue ou stage intensif),

* cours du soir (pour les personnes en activité),

* stages thématiques (plan-séquence, jeu émotionnel, travail du regard, improvisation, préparation casting),

* coaching individuel (accompagnement régulier et personnalisé pour un suivi sur mesure).

### Ce que propose Acting Sud

* Formation annuelle ou modulaire pour débutants, semi-professionnels et professionnels souhaitant perfectionner leur jeu à l’image.

* Stage intensif “Jeu caméra” : 5 jours de tournage, d’analyse et de répétition avec direction d’acteur et retour image.

* Stage thématique “Plan-séquence” : apprendre à jouer en continuité, gérer la durée, la tension, le rythme et le mouvement dans un seul plan.

* Coaching individuel régulier : préparation de rôle, bande démo, travail émotionnel, justesse à l’image, auditions, suivi continu.

### Localisation et accessibilité

**Acting Sud** est située à **Aix-en-Provence**, à trente minutes de **Marseille**.

Les cours sont accessibles depuis Gardanne, Aubagne, Vitrolles, Salon-de-Provence et l’ensemble de la région PACA.

Les séances se déroulent dans des espaces équipés pour le tournage et le travail caméra, avec retour image et analyse technique.

### Pourquoi choisir Acting Sud pour sa formation d’acteur ?

1. Tu apprends le **jeu vrai à l’image**, concret, sans surjeu ni théâtralité excessive.

2. Tu bénéficies d’un enseignement assuré par un **réalisateur et coach d’acteur**, qui connaît la réalité du plateau et la direction d’acteurs en situation professionnelle.

3. Tu travailles avec des **outils concrets** : tournage, visionnage, analyse, répétitions, retours individualisés.

4. Tu choisis une **formation flexible**, adaptée à ton emploi du temps, avec des cours du soir, des stages ou un accompagnement régulier sur mesure.

### En résumé

**Acting Sud** est une école d’acteur spécialisée dans le **jeu face caméra**, à Aix-en-Provence, proche de Marseille.

Elle propose des cours, stages et coachings basés sur la réalité du tournage, avec un suivi personnalisé et un regard professionnel issu du cinéma et de la télévision.

Ici, on apprend à jouer vrai, à comprendre l’image, à devenir acteur·rice de plateau.

N'hésite pas à me contacter pour toutes question : ici

L’ACTEUR PAT : PRÊT À TOURNER – Le Manuel Ultime du Jeu Caméra

Fri, 21 Feb 2025 11:45:00 GMT

L’ACTEUR PAT : PRÊT À TOURNER – Le Manuel Ultime du Jeu Caméra

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Bientôt disponible !
Vous êtes acteur·trice, débutant·e ou déjà sur les plateaux, et vous souhaitez passer au niveau supérieur en jeu caméra ? Mon nouveau livre, L’ACTEUR PAT : PRÊT À TOURNER , est conçu pour vous. Il vous guide pas à pas dans la chronologie du travail de l'acteur, de la formation à la lecture d’un scénario , en passant par les démarches et castings et, bien sûr, le tournage .

Une Chronologie Inspirée du Parcours de l'Acteur

J'ai structuré cet ouvrage comme le reflet d’un parcours réel :

Formation et lecture de scénario : Vous découvrez comment aborder et analyser un texte, en intégrant des techniques issues de multiples méthodes.
Démarches et castings : Des conseils concrets pour préparer vos auditions et vous présenter sous votre meilleur jour.
Tournage : Des astuces pour vous sentir à l’aise devant la caméra et transformer chaque prise en une performance authentique.

Le Cœur du Livre : Le Coaching et Ma Méthode

La pièce maîtresse de L’ACTEUR PAT est le chapitre dédié au coaching et à ma méthode .
Ma méthode n'est pas une méthode canonique, mais une recette personnelle :

Subjective et Inspirée : Je puise dans les techniques de Stanislavski, Meisner, Stella Adler… pour en extraire le meilleur selon mon expérience.
Exercices Concrets : Lire le manuel est déjà un bon début, mais rien ne vaut la pratique. Vous y trouverez des exercices à réaliser seul·e ou accompagné·e pour tester ces techniques chez vous.
QR Codes : Tout au long du livre, des QR codes vous renverront vers mes vidéos de conseils techniques, pour illustrer chaque étape de votre apprentissage.

Le Coaching Jeu Caméra – Un Accompagnement Sans Fard

Qui suis-je ?

Je suis coach d'acteur spécialisé en jeu caméra depuis plus de 20 ans d’expérience sur le terrain. Mon approche est directe, sans fioritures, et résolument ancrée dans le concret. Mon objectif ? Vous aider à révéler votre potentiel en vous proposant des techniques éprouvées et des exercices pratiques, pour que chaque prise devienne un moment de vérité.

Préparez-vous à Tourner

L’ACTEUR PAT : PRÊT À TOURNER arrive bientôt. Ce livre est fait pour vous, acteur·trice qui cherchez à sortir du moule et à expérimenter une approche nouvelle et personnalisée du jeu caméra. N’attendez plus : mettez en pratique, testez, et transformez votre jeu en une performance qui capte l’attention des directeurs de casting et des réalisateurs.

Restez à l'écoute pour la sortie et préparez-vous à vivre une expérience de coaching unique qui vous ouvrira de nouvelles perspectives devant la caméra.

Acting Sud School : L'école de jeu caméra qui transforme en acteur PAT

Tue, 18 Feb 2025 10:56:50 GMT

Acting Sud School : L'école de jeu caméra qui transforme en acteur PAT*

* Prêt A Tourner #conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Acting Sud School, c’est bien plus qu’une simple formation en jeu caméra. C’est une aventure humaine et artistique qui vous pousse à explorer vos limites, à affiner votre présence devant la caméra et à révéler votre potentiel unique. Ici, l’approche est concrète, ancrée dans des méthodes d’acting reconnues et adaptée aux réalités du cinéma et de la télévision.

Une Formation Intensive et Progressive

Que vous débutiez, que vous soyez semi-professionnel ou déjà sur le terrain, Acting Sud School offre une formation structurée sur plusieurs niveaux :

Initiation et Fondations
Dès la première année, vous êtes immergé·e dans l’univers du jeu caméra. Les exercices filmés intensifs vous aideront à travailler l’écoute, la présence et l'expression émotionnelle. Par exemple, vous pratiquerez des scènes d’improvisation et l’analyse de textes pour développer votre authenticité.
Approfondissement et Construction
La deuxième année vise à renforcer vos acquis avec des exercices avancés et des mises en situation réelles. Vous travaillez sur des scènes extraites de scénarios cinématographiques ou de séries, vous préparant ainsi aux exigences d’un plateau de tournage. Les ateliers sont conçus pour stimuler votre créativité et affiner votre interprétation.
Perfectionnement et Professionnalisation
En troisième année, l’objectif est de vous rendre autonome en vous confrontant à des projets sur mesure. Chaque acteur·trice réalise des tournages qui alimenteront sa bande démo, outil indispensable pour se présenter sur le marché du cinéma et de la télévision.

Une Approche Basée sur des Méthodes Renommées

Acting Sud School s’appuie sur des techniques éprouvées inspirées des grands noms de l’acting comme Stanislavski, Meisner, Stella Adler et même Louis Jouvet. Ce mélange de méthodes vous permet de :

Explorer l’imaginaire et la pensée du personnage
À travers des exercices ciblés, vous apprendrez à construire un univers intérieur riche et à transmettre des émotions vraies et nuancées face à la caméra.
Maîtriser les techniques de blocking et la mise en scène
Ces compétences sont essentielles pour réussir vos scènes filmées. Vous apprendrez à occuper l’espace, à jouer avec la lumière et à utiliser la caméra comme un partenaire de jeu.
Développer une présence scénique authentique
En pratiquant régulièrement des exercices d’improvisation et d’analyse de scénario, vous gagnez en confiance et en spontanéité, des qualités indispensables pour se démarquer dans le milieu.

Coaching Personnalisé et Bande Démo : Vos Atouts pour Réussir

Au-delà des cours collectifs, Acting Sud School propose un coaching d’acteur individuel qui permet d’aborder vos points faibles et de peaufiner votre technique. Chaque session vise à :

Analyser votre jeu
Grâce à des retours précis et personnalisés, vous identifiez les axes d’amélioration et développez un jeu authentique.
Constituer votre bande démo
Les tournages réguliers sont l’occasion de créer du contenu vidéo de qualité. Cette bande démo, montée par des professionnels, constitue une véritable vitrine de votre talent pour les directeurs de casting.

Des Exercices Concrets pour Progresser Rapidement

Pour mettre en pratique les enseignements, voici quelques exercices concrets que vous pourriez retrouver lors de vos ateliers :

Exercice d’improvisation : Choisissez un objet du quotidien et improvisez une scène en vous basant uniquement sur vos sensations et votre imagination. Cet exercice vous aide à libérer votre spontanéité.
Lecture à cœur d’un texte : Sélectionnez un passage littéraire ou scénaristique et répétez-le jusqu’à ce qu’il devienne une seconde nature. L’objectif est de ressentir pleinement les émotions du personnage.
Jeu en duo : En binôme, travaillez sur des situations de conflit ou de dialogue intense. Cela permet d’améliorer l’écoute et la réactivité face à l’autre acteur·trice.

Pourquoi Choisir Acting Sud School ?

Située à Aix-en-Provence, Acting Sud School propose un cadre professionnel et convivial, idéal pour se concentrer sur l’essentiel : le développement de votre art. L’école offre un équilibre parfait entre théorie et pratique, permettant à chaque acteur·trice de trouver sa voie dans l’univers exigeant du jeu caméra. La pédagogie, résolument non genrée et inclusive, met l’accent sur le concret, l’expérimentation et l’échange.

Si vous souhaitez franchir le cap et donner un nouvel élan à votre carrière, l’audition Jeu Caméra est votre porte d’entrée vers une formation de qualité. Plongez dans cette aventure, repoussez vos limites et faites vibrer votre talent sur grand écran.

Prêt·e à transformer votre passion en profession ? Rendez-vous sur Acting Sud School pour découvrir tous les détails et rejoindre la promotion 2025.

Se faire ses premières expériences en tant qu'acteur débutant

Wed, 29 May 2024 09:45:00 GMT

Se faire ses premières expériences en tant qu'acteur débutant: conseils pratiques

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L'autoproduction : avantages et inconvénients

Pour un acteur débutant, l'autoproduction est un excellent moyen de se faire la main et d'acquérir de l'expérience. Voici quelques points à prendre en compte :

Avantages:

Expérience sur le terrain: Vous apprendrez les rouages du tournage et découvrirez le fonctionnement d'un plateau de cinéma.
Images pour votre bande démo: Constituez un portfolio de vos meilleurs rôles pour vous présenter à des castings.
Réseautage: Rencontrez d'autres acteurs, réalisateurs et professionnels du cinéma.

Inconvénients:

Qualité variable: Le résultat final peut ne pas être professionnel, nuisant à votre image . Soyez sélectif dans vos projets.
Temps perdu: Fuyez les projets mal ficelés qui risquent de vous faire perdre du temps.
Manque de moyens: Les productions à petit budget peuvent impliquer des conditions de tournage difficiles.

Conseils pour choisir un projet d'autoproduction:

Visionnez les précédents films du réalisateur: Évaluez son talent et son style.
Lisez attentivement le scénario: Posez des questions sur la mise en scène et la production.
Renseignez-vous sur le budget et le planning: Un tournage trop court ou trop long peut être un signe de problème.
Mesurez l'ambition du réalisateur: Un projet trop ambitieux pour un débutant peut se révéler risqué.

Alternatives à l'autoproduction:

Courts-métrages d'étudiants: Contactez les écoles de cinéma de votre région.
Concours et festivals de courts-métrages: Participez à des événements pour vous faire connaître.

N'oubliez pas:

Soyez patient et persévérant: Le succès ne se construit pas du jour au lendemain.
Apprenez de vos expériences: Chaque tournage est une occasion de progresser.
Restez professionnel: Adoptez une attitude positive et constructive.

En suivant ces conseils, vous maximiserez vos chances de vivre des expériences enrichissantes et de construire une carrière d'acteur solide et durable.

J'espère que cet article vous aura plu ? n'hésitez pas à partager avec vos amis comédien comédienne, de vous abonner au blog pour être au courant des prochains articles d’acting que je mettrais en ligne

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

Je propose du coaching d'acteurs-trices en individuel et en groupe sous forme d'ateliers et stages jeu-caméra à Marseille et Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

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Site perso : https://www.eddycreuzet.fr/

Comprendre la mise en scène pour mieux jouer devant la caméra

Wed, 22 May 2024 09:30:00 GMT

Comprendre la mise en scène pour mieux jouer devant la caméra

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Maîtriser les rudiments de la mise en scène est un atout essentiel pour tout acteur désirant exceller devant la caméra. En effet, comprendre le travail du réalisateur et ses choix artistiques permet d'aborder son rôle avec une profondeur et une précision accrues.

Le réalisateur, chef d'orchestre de l'image:

Donne vie au scénario en le transposant en images et en émotions.
Détermine l'esthétique du film à travers le choix des costumes, des décors, de la lumière et des couleurs.
Dirige les acteurs et leur donne les indications nécessaires pour incarner leurs personnages.

Comprendre les choix du réalisateur:

S'approprier l'univers du film et la vision du réalisateur.
Cerner les intentions du réalisateur pour chaque scène et chaque plan.
Adapter son jeu en fonction des choix de mise en scène.

L'importance du découpage et des mouvements de caméra:

Le découpage rythme le film et influence la perception du spectateur.
Les mouvements de caméra créent une dynamique et participent à la narration.
L'acteur doit adapter son jeu au découpage et aux mouvements de caméra.

Exemples concrets:

Plan large : symbolise l'isolement du personnage.
Plan séquence : favorise l'immersion du spectateur.

Un enrichissement pour l'acteur:

Comprendre la mise en scène permet d'être plus proche du réalisateur et de son oeuvre.
Favorise une préparation plus riche et plus précise du rôle.
Développe le sens de l'observation et la créativité de l'acteur.

Conclusion:

Avoir des notions de mise en scène n'est pas obligatoire pour devenir acteur, mais cela représente un atout considérable pour ceux qui aspirent à exceller dans leur métier. En comprenant les rouages de la réalisation, l'acteur peut enrichir son jeu et offrir une performance plus aboutie et plus juste.

N'oubliez pas, il existe toujours des exceptions. Certains acteurs talentueux n'ont aucune connaissance technique de la mise en scène et réussissent néanmoins à briller sur grand écran. La passion, le travail et le talent restent les ingrédients clés du succès dans le monde du cinéma.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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LES 10 ERREURS QU’UN COMÉDIEN DEVRAIT ÉVITER

Wed, 08 May 2024 09:00:00 GMT

LES 10 ERREURS QU’UN COMÉDIEN DEVRAIT ÉVITER

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Le métier d'acteur est un parcours semé d'embûches. Entre la pression des auditions, la compétition acharnée et les exigences du métier, il est facile de tomber dans certains pièges.

Voici 10 erreurs à éviter pour maximiser vos chances de succès et vous épanouir dans cette carrière passionnante.

1. Négliger la préparation:

Arrivez toujours préparé à un casting, une répétition ou un spectacle. Maîtrisez vos répliques, cernez votre personnage et familiarisez-vous avec le script pour offrir une performance optimale.

2. Ignorer la direction:

Le réalisateur est le chef d'orchestre de la production. Soyez ouvert à ses commentaires, adaptez votre jeu et contribuez à sa vision pour garantir un succès collectif.

3. Se laisser cataloguer:

Ne vous enfermez pas dans un seul type de rôle. Explorez votre diversité, acceptez des défis et démontrez votre polyvalence pour vous démarquer et élargir vos opportunités.

4. Négliger son bien-être:

Le métier d'acteur est exigeant. Prenez soin de votre santé physique et mentale, dormez suffisamment, adoptez un mode de vie sain et n'hésitez pas à demander de l'aide si nécessaire.

5. Sous-estimer l'aspect commercial:

Agir est un métier, pas seulement un art. Comprenez les rouages de l'industrie, les contrats et les aspects financiers pour gérer votre carrière de manière professionnelle.

6. Médire:

Laisser des commentaires négatifs sur vos collègues peut nuire à votre réputation. Restez professionnel, entretenez des relations positives et cultivez un esprit d'équipe.

7. Se laisser distraire sur le plateau:

Restez concentré sur votre rôle et ignorez les distractions. Votre implication est essentielle pour garantir la qualité de la production et le respect du planning.

8. Négliger le réseautage:

Tissez des liens avec d'autres acteurs, réalisateurs et professionnels. Participez à des événements, entretenez vos contacts et explorez les opportunités offertes par votre réseau.

9. Arrêter d'apprendre:

Le métier d'acteur est un apprentissage continu. Assistez à des ateliers, suivez des formations et explorez différentes techniques pour enrichir votre jeu et rester pertinent dans un secteur en constante évolution.

10. Se méprendre sur les amitiés:

Soyez amical et courtois avec vos collègues, mais gardez à l'esprit que les relations dans le milieu du cinéma peuvent être éphémères. Ne vous investissez pas trop rapidement pour éviter les déceptions.

En évitant ces pièges et en cultivant une attitude professionnelle, positive et persévérante, vous maximisez vos chances de réussite dans le monde exigeant et fascinant de la comédie.

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Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

Je propose du coaching d'acteurs-trices en individuel et en groupe sous forme d'ateliers et stages jeu-caméra à Marseille et Aix-en-Provence :

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Les Coulisses des Baisers à l'Écran : Entre Réalité et Illusion

Wed, 24 Apr 2024 08:30:00 GMT

Les Coulisses des Baisers à l'Écran : Entre Réalité et Illusion

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Dans l'univers du cinéma, les scènes de baisers suscitent souvent la curiosité et l'intérêt du public. Mais que se passe-t-il réellement lorsqu'un baiser est capturé à l'écran ? Plongeons dans les coulisses de cette pratique souvent mystérieuse.

Authenticité et Consentement :

Certains baisers à l'écran sont authentiques, partagés dans un souci d'authenticité ou en raison d'une connexion émotionnelle forte entre les acteurs. Cependant, cette pratique demeure relativement rare. Avant de tourner des scènes intimes, les acteurs discutent de leur confort et de leurs limites avec leurs partenaires et réalisateurs, garantissant ainsi un environnement de travail respectueux et sécurisé.

Techniques de Tournage :

Pour créer l'illusion d'un baiser passionné, les cinéastes utilisent souvent des angles de caméra, des gros plans et un montage astucieux. Ainsi, même lorsque les acteurs semblent s'embrasser, leurs lèvres pourraient ne pas nécessairement se toucher.

Préparation et Hygiène :

Les acteurs prennent en compte l'hygiène et l'apparence lors des scènes de baisers. Le rouge à lèvres est soigneusement appliqué, et des mesures sont prises pour assurer une haleine fraîche, comme l'utilisation de menthes ou de chewing-gums.

Répétition et Chorégraphie :

Comme pour toute autre scène, les moments intimes sont répétés et chorégraphiés . Les mouvements sont bloqués, les angles de caméra sont déterminés, et le timing du baiser est pratiqué.

Concentration sur l'Émotion :

Les acteurs se concentrent souvent sur la transmission du lien émotionnel entre leurs personnages, plutôt que sur l'acte physique du baiser. Cela permet de rendre la scène authentique, même lorsque le baiser n'est pas réel.

Confidentialité et Intimité sur le Plateau :

Filmer des scènes intimes peut être délicat, c'est pourquoi les acteurs bénéficient généralement d'un certain degré d'intimité sur le plateau. Les membres de l'équipe non directement impliqués peuvent être priés de quitter les lieux pour assurer le confort des acteurs.

Alternatives et Effets Spéciaux :

Dans certains cas, des remplaçants ou des doublures corporelles peuvent être utilisés pour les scènes de baisers, notamment si les acteurs ont des raisons personnelles ou professionnelles d'éviter de s'embrasser à l'écran. De plus, les cinéastes peuvent recourir à des effets spéciaux ou à la CGI pour créer l'illusion d'un baiser.

Respect Mutuel et Professionnalisme :

Les acteurs accordent une grande importance au respect mutuel et au professionnalisme dans toutes les scènes, y compris celles impliquant des baisers. Ils comprennent que ces moments font partie intégrante de leur travail et les abordent avec sérieux et sensibilité.

En conclusion, les baisers à l'écran peuvent être à la fois délicats et passionnants à tourner. Grâce à une communication ouverte, à des techniques de tournage sophistiquées et à un respect mutuel entre les acteurs et l'équipe, ces scènes peuvent être capturées de manière authentique et émotionnellement engageante pour le public.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

Je coache des acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

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instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet

Site perso : https://www.eddycreuzet.fr/

L'Impact de la Musique sur le Jeu d'Acteur

Wed, 10 Apr 2024 14:45:00 GMT

L'Impact de la Musique sur le Jeu d'Acteur : Une Analogie Fructueuse

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La musique, avec ses notes et ses partitions, offre une intéressante analogie pour comprendre et améliorer le jeu d'acteur, en particulier devant la caméra.

Tout comme une partition musicale, un script de film est composé de différentes "notes" sous forme de dialogues , de scènes et d'émotions à interpréter. Chaque élément du texte représente une note distincte qu'il faut jouer avec précision et intention.

Ces "notes" se traduisent dans le jeu d'acteur par une variété d'éléments , tels que les émotions, le ton de la voix, les pauses, la respiration, les mouvements corporels et les actions du personnage. Tout comme les notes de musique ont une tonalité, les intentions des personnages donnent une couleur et une profondeur à chaque scène.

L'interprétation d'un personnage et d'une situation peut être comparée à la manière dont un musicien interprète une partition. Les bons acteurs ne se contentent pas de réciter leurs lignes, ils les interprètent en y apportant leur propre compréhension, émotion et intention.

De plus, tout comme un musicien peut jouer une même partition de différentes manières , il existe de nombreuses façons d'interpréter un scénario. Cependant, l'essence du personnage et de la situation est déterminée par l'auteur et la caractérisation du personnage, tandis que la direction du réalisateur peut ajouter des nuances subtiles, semblables à des dièses ou des bémols, pour enrichir l'interprétation.

En résumé, l'analogie entre la musique et le jeu d'acteur offre une perspective enrichissante pour les acteurs désireux d'améliorer leur performance. Comprendre les nuances de cette analogie peut aider les acteurs à approfondir leur compréhension du personnage et à enrichir leur interprétation, pour un jeu plus authentique et captivant devant la caméra.

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Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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L'Importance des Notions de Cinématographie pour un Jeu Convaincant devant la Caméra

Wed, 03 Apr 2024 14:30:00 GMT

L'Importance des Notions de Cinématographie pour un Jeu Convaincant devant la Caméra

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Dans le monde du cinéma, la maîtrise de la technique est souvent considérée comme essentielle pour les acteurs, et ce, pour de bonnes raisons. Alors que certains pourraient affirmer que la caméra est invisible pour eux, ou que le réalisateur est responsable de la technique, la vérité est que jouer devant la caméra exige une double conscience de la part de l’acteur.

D'une part, l'acteur incarne consciemment le personnage qu'il interprète. D'autre part, son subconscient est imprégné des techniques de jeu, y compris celles liées à la cinématographie . Cette double conscience est cruciale pour une performance réussie.

Comprendre les aspects techniques de la cinématographie, tels que le cadrage, l'éclairage, le montage, etc., peut avoir un impact significatif sur le jeu de l'acteur. Par exemple, la connaissance du cadrage et de la composition peut influencer la direction du regard et la posture de l'acteur. De même, l'éclairage peut nécessiter que l'acteur ajuste sa position ou ses mouvements pour optimiser l'effet visuel.

De plus, la collaboration avec l'équipe technique est une composante essentielle du processus de tournage. L 'acteur doit être conscient de la chorégraphie avec la caméra, des exigences de l'éclairage, et même des contraintes du montage, notamment si le tournage n'est pas réalisé dans l'ordre chronologique de l’histoire.

En intégrant ces notions de cinématographie dans sa technique de jeu, l'acteur peut non seulement améliorer sa performance, mais aussi contribuer à une meilleure cohérence visuelle et narrative dans le film. Ainsi, il devient un partenaire plus efficace pour l'équipe technique et contribue à la réalisation d'une œuvre cinématographique de qualité.

En somme, avoir des notions de cinématographie est un atout indispensable pour tout acteur désireux de briller devant la caméra. C'est une façon d'approfondir sa compréhension du processus cinématographiqu e et d'améliorer la qualité de ses performances.

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Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 10

Thu, 28 Mar 2024 15:30:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 10

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

La méthode d'acting : Les écoles et studios d'art dramatique en France qui forment les comédiens aujourd'hui :

Conservatoire national supérieur d'art dramatique (CNSAD) - Paris :

L'une des écoles les plus prestigieuses de France, offrant une formation complète en art dramatique.

École nationale supérieure des arts et techniques du théâtre (ENSATT) - Lyon :

Formation approfondie en jeu d'acteur, mais aussi en d'autres aspects techniques du théâtre.

Cours Florent - Paris :

Une école réputée proposant des formations complètes en art dramatique, cinéma et comédie musicale.

École internationale de théâtre Jacques Lecoq - Paris :

Axée sur le mouvement et le mime, cette école offre une approche unique de la formation théâtrale.

École nationale supérieure d'art dramatique et d'animation culturelle (ENSAD) - Montpellier :

Une école axée sur la formation des acteurs et des professionnels de l'animation culturelle.

CNSMD (Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris) - Département théâtre :

Bien qu'il soit principalement dédié à la musique et à la danse, le département théâtre offre une formation complète en art dramatique.

École de la Comédie de Saint-Étienne - Saint-Étienne :

Une école réputée pour son programme de formation professionnelle en art dramatique.

Studio d'Asnières - Asnières-sur-Seine :

Un studio de formation en art dramatique proposant des cours et des ateliers pour les acteurs en herbe.

École Claude Mathieu - Paris :

Une école offrant des cours de théâtre et de cinéma, axée sur une approche pratique de l'art dramatique.

Cours Simon - Paris :

Une école proposant une formation complète en art dramatique, de la comédie au drame.

Ces institutions offrent une variété de programmes et d'approches pour les anciens comédiens, couvrant divers aspects de l'art dramatique.

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Eddy Creuzet

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AUDITIONS LE 04 MAI

Mon, 25 Mar 2024 14:22:28 GMT

AUDITION LE 04 MAI

Ateliers jeu caméra Acting sud

Rentrée 2024-2025

Formations et Coaching aux techniques spécifiques du jeu face caméra

Salut les Comédiennes, comédiens et les passionnés de cinéma,

OUVERTURE DES AUDITIONS LE SAMEDI 4 MAI pour intégrer nos ateliers acting jeu caméra

L'audition servira à orienter votre inscription à l'atelier correspondant à votre nivea
uL'audition se fera sur un monologue. Un monologue cinéma de votre choix

inscription ici : https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSeU4JNowX4wXPRcEMJtQJHuhvF5RAZziNHIyu56PrpsIlrmqg/viewform

Si vous n'êtes pas disponibles le 04 mai envoyez-moi un mail, on le fera par Visio : actingstagesud@gmail.com

Niveau débutant : 1 samedi par mois de septembre à juin 700€/année 10 pax max
Niveau intermédiaire Mercredi 18h30 -21h30 -de septembre à juin - 900€/an 8 pax + Tournage d'un CM original en juin
Niveau Avancé Mardi 18h30 -21h30 + 1 samedi par mois 10h-17h -1250€ 8 pax + Tournage d'un CM original en juin

#auditions #casting #formationdelacteur #coachacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #jeucamera #acting #techniqueacteur #coachcomedien

à bientôt

Eddy Creuzet

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comment réussir son casting la suite

Thu, 21 Mar 2024 15:15:00 GMT

Trois Nouveaux Conseils Incontournables pour Réussir Votre Casting

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Dans le monde exigeant de l'industrie du divertissement, réussir un casting peut sembler être un défi insurmontable . Pourtant, avec les bons conseils et une approche stratégique, vous pouvez maximiser vos chances de décrocher le rôle de vos rêves. Après avoir partagé plusieurs conseils dans des vidéos précédentes, je continue aujourd'hui avec trois autres astuces cruciales.

1- Tout Ne Dépend Pas de Vous : Un Équilibre à 50/50

Lorsque vous vous présentez à un casting, rappelez-vous que vous ne contrôlez pas tout. En réalité, c'est un processus à deux voies, où vous avez 50 % du travail à faire, tandis que les 50 % restants sont entre les mains des décideurs du casting . Ces derniers effectuent un premier tri, et ensuite, c'est au réalisateur de décider si vous incarnez ou non le personnage de son histoire.

2- Restez Authentique : Soyez Vous-même

Lors de votre rencontre avec le directeur de casting, que ce soit en personne ou par le biais d'une vidéo, n e cherchez pas à être quelqu'un d'autre que vous-même. Il est essentiel de maintenir une cohérence entre votre personnalité dans la vie quotidienne et votre présence en tant qu'acteur. Un premier contact souriant et détendu avec le directeur de casting est crucial. Si vous paraissez trop stressé dès le début, cela pourrait soulever des questions sur votre capacité à gérer la pression sur un plateau de tournage.

3- Ne Répondez que si Vous Correspondre au Rôle

Il est crucial de ne postuler que si vous correspondez réellement au rôle pour lequel vous auditionnez. Les directeurs de casting insistent sur le fait que même si vous êtes un excellent acteur, vous ne pouvez pas tout jouer . Cependant, il est recommandé de participer à autant de castings que possible, quel que soit le genre, même si cela ne correspond pas exactement à vos préférences. Chaque expérience de casting contribue à renforcer vos compétences et votre confiance. De plus, décrocher un rôle, même s'il semble être en dehors de votre zone de confort, peut ouvrir de nouvelles opportunités et élargir vos horizons.

Dans l'ensemble, réussir un casting nécessite de la préparation, de la confiance en soi et de l'authenticité . Partagez dans les commentaires vos propres astuces pour briller lors de vos auditions.

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Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 9

Wed, 13 Mar 2024 15:15:30 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 9

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

La méthode d'acting : Et la France ? Suite

La France est un produit de nombreux grands professeurs d'art dramatique qui ont influencé des générations d'acteurs. Voici quelques-uns d'entre eux :

Antoine Vitez (1930-1990) :

Directeur du Théâtre National de Chaillot.

Pédagogue réputé, il a enseigné à l'École supérieure d'art dramatique de Paris.

Jacques Lecoq (1921-1999) :

Fondateur de l'École internationale de théâtre Jacques Lecoq à Paris.

Spécialisé dans le mime et le mouvement, il a formé de nombreux acteurs renommés.

Michel Saint-Denis (1897-1971) :

A cofondé le célèbre Théâtre de l'Atelier à Paris.

Enseignant à la Royal Academy of Dramatic Art (RADA) de Londres, il a introduit des idées du théâtre russe en France.

Ariane Mnouchkine (née en 1939) :

Fondatrice du Théâtre du Soleil.

Pionnière du théâtre contemporain, elle a marqué l'art dramatique avec ses productions innovantes.

Patrice Chéreau (1944-2013) :

Metteur en scène et directeur d'opéra.

Connu pour ses productions au Théâtre Nanterre-Amandiers et pour avoir dirigé des œuvres à la Comédie-Française.

Philippe Gaulier (né en 1943) :

Enseignant renommé, formateur de nombreux acteurs internationaux.

Spécialisé dans le clown et le bouffon, il a une influence sur des artistes tels que Sacha Baron Cohen.

Étienne Decroux (1898-1991) :

Pionnier du mime corporel dramatique.

A formé de nombreux acteurs et est considéré comme l'un des fondateurs du mime moderne.

Jean-Louis Barrault (1910-1994) :

Acteur et directeur de théâtre.

Il a dirigé l'Odéon-Théâtre de France et a joué un rôle clé dans la promotion du théâtre classique et contemporain.

Ces figures ont contribué de manière significative à l'enseignement et à la pratique de l'art dramatique en France, laissant un impact durable sur le paysage théâtral.

A suivre : Écoles et studios d'art dramatique en France qui forment les comédiens

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Eddy Creuzet

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Pourquoi vous n'apprenez rien dans les cours d'arts dramatiques ?

Thu, 07 Mar 2024 14:15:00 GMT

Pourquoi vous n'apprenez rien dans les cours d'arts dramatiques ?

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

L'apprentissage du métier d'acteur : un travail personnel et intime

"L'apprentissage du métier d'acteur en cours dramatique, en stage, c'est 20 au mieux 30 % de ce que vous pourrez apprendre sur le métier d'acteur."

C'est une affirmation forte, mais elle est vraie. Le métier d'acteur est un métier d'art et de sensibilité. Il exige que l'acteur soit capable de se connecter à ses émotions, à ses pensées, et à son corps. C'est un travail personnel et intime, qui ne peut pas être entièrement enseigné dans un cours ou un stage.

Découvrir ses limites

L'un des aspects les plus importants de l'apprentissage du métier d'acteur est de découvrir ses limites. Il s'agit de savoir ce que l'on est capable de faire, et ce que l'on ne peut pas faire.

Cela peut inclure des choses comme :

Sa pudeur : est-il prêt à jouer des scènes intimes ?
Ses valeurs : est-il prêt à jouer des rôles qui vont à l'encontre de ses convictions ?
Ses fragilités : est-il prêt à se confronter à ses peurs et à ses faiblesses ?

Se poser les bonnes questions

Pour découvrir ses limites, il est important de se poser les bonnes questions. Voici quelques exemples :

Qu'est-ce qui me met mal à l'aise ?
Qu'est-ce qui me fait peur ?
Quelles sont mes forces et mes faiblesses ?
Qu'est-ce que je veux vraiment accomplir dans ma carrière d'acteur ?

La pratique

La pratique est également essentielle à l'apprentissage du métier d'acteur. Plus on joue, plus on se familiarise avec ses limites, et plus on devient capable de les dépasser.

Il est donc important de jouer autant que possible, dans différents contextes et avec différents partenaires.

La thérapie

Dans certains cas, il peut être utile de consulter un thérapeute pour travailler sur ses blocages personnels. Un thérapeute peut aider l'acteur à comprendre ses émotions, à se libérer de ses peurs, et à développer sa confiance en soi.

Comment régler certains blocages

Voici quelques conseils pour régler certains blocages personnels qui peuvent entraver l'apprentissage du métier d'acteur :

La pudeur : il est important de se rappeler que le théâtre est un art de la représentation. Les acteurs jouent des rôles, et ils ne sont pas obligés de révéler leur vie privée.
Les valeurs : il est important de trouver un équilibre entre ses valeurs personnelles et sa carrière d'acteur. Si un rôle va à l'encontre de ses convictions, il est préférable de le refuser.
Les fragilités : il est important de se confronter à ses peurs et à ses faiblesses. C'est la seule façon de les surmonter.

Si vous rencontrez des blocages dans votre apprentissage du métier d'acteur , n'hésitez pas à demander de l'aide à un professionnel. Un coach, un thérapeute, ou un autre acteur expérimenté peut vous aider à surmonter vos obstacles et à progresser dans votre carrière.

Dans les commentaires, partagez votre technique pour aider à progresser en tant acteur actrice.

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Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 8

Thu, 29 Feb 2024 14:15:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 8

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

La méthode d'acting : Et la France ?

Plongeons-nous dans l'histoire du jeu dramatique en France depuis ses origines.

Le jeu dramatique en France remonte à l'Antiquité, influence par les traditions théâtrales grecques et romaines. Au Moyen Âge, le théâtre médiéval, souvent religieux, était joué dans les églises et les places publiques. Les mystères, les miracles et les moralités étaient des formes populaires de spectacles dramatiques.

La Renaissance française a vu l'émergence de troupes professionnelles et la popularité croissante du théâtre. Pierre Corneille et Jean Racine, au XVIIe siècle, ont introduit le classicisme dans le théâtre français, avec des règles strictes de la tragédie classique. Molière, un contemporain, était connu pour ses comédies satiriques et farces qui se moquaient des mœurs de la société de l’époque.

Le XVIIIe siècle a vu l'essor du théâtre bourgeois et la Révolution française a apporté des changements significatifs au paysage dramatique. Les œuvres de Beaumarchais, auteur des comédies célèbres "Le Barbier de Séville" et "Le Mariage de Figaro", ont reflété les tensions sociales de l’époque.

Au XIXe siècle, le romantisme a influencé le théâtre avec des auteurs comme Victor Hugo , qui a révolutionné le drame romantique avec des œuvres telles que "Hernani". Plus tard, le réalisme a émergé avec des dramaturges comme Eugène Scribe et Alexandre Dumas fils, mettant l'accent sur la représentation fidèle de la vie quotidienne.

Le XXe siècle a été marqué par divers mouvements, du symbolisme à l'existentialisme. Antonin Artaud a introduit le théâtre de la cruaut é, tandis que Jean-Paul Sartre et Albert Camus ont exploré des thèmes existentialistes à travers leurs œuvres théâtrales.

Dans les années 1950, le théâtre de l'absurde , représenté par des auteurs tels que Samuel Beckett et Eugène Ionesco, a remis en question les conventions dramatiques traditionnelles. Plus récemment, des dramaturges contemporains comme Yasmina Reza et Florian Zeller ont apporté de nouvelles perspectives au théâtre français.

Ainsi, le jeu dramatique en France a traversé diverses époques, mouvements et styles, reflétant l'évolution de la société et des idées à travers les siècles.

les examens commentent les méthodes de jeu dramatique ont évolué en France au fil des époques, avec un accent sur les principales influences et les praticiens associés à chaque période.

Classicisme (XVIIe siècle) :

Méthode de jeu : Les acteurs suivaient les règles strictes du classicisme, avec une diction claire, des gestes mesurés et une expression maîtrisée des émotions.

Principaux praticiens : Molière (comédien et dramaturge), Pierre Corneille, Jean Racine.

Romantisme (XIXe siècle) :

Méthode de jeu : Les acteurs se sont tournés vers des expressions plus émotionnelles et passionnées , se détachant des contraintes classiques.

Principaux praticiens : Victor Hugo (dramaturge), François-Joseph Talma (comédien).

Réalisme (fin XIXe siècle - début XXe siècle) :

Méthode de jeu : Les acteurs ont cherché à représenter la vie quotidienne de manière authentique

La suite ici : La France a produit de nombreux grands professeurs d'art dramatique...

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Eddy Creuzet

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Stage formation jeu caméra 5 jours du 15 au 19 avril

Thu, 22 Feb 2024 14:00:00 GMT

Stage formation jeu caméra 5 jours du 15 au 19 avril

Formation de 5 jours aux techniques spécifiques du jeu face caméra

* Formation jeu caméra avec possibilité de prise en charge avec vos droits à la formation ( Adfdas, Fifpl, Pole emploi) avec notre partenaire Mandyben

Quelle Heure ?

9h - 17h

pour qui ?

à partir de 18 ans avec déjà une expérience de jeu théâtre, Acting, court-métrage ou autre

Où?

à Marseille

Au Programme :

Nous aborderons la construction du personnage en travaillant sur des séquence de film de cinéma, ou de série TV : Construction et Évolution seront au coeur de ces ateliers, + ENTRAINEMENT AU CASTING avec les contraintes de la technique de la caméra.

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série

Visionnage et analyse des essais filmés

FORMATION PRIS EN CHARGE PAR VOS DROITS À LA FORMATION (Fifpl, Pôle emploi ou Afdass ) : CONTACTEZ NOUS !

à bientôt

Eddy Creuzet

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Comment progresser en tant qu'acteur : pourquoi il est important de faire du théâtre ?

Thu, 15 Feb 2024 14:00:00 GMT

Comment progresser en tant qu'acteur : pourquoi il est important de faire du théâtre ?

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

En tant que coach de caméra, je ne devrais peut-être pas vous dire ça, mais je pense que c'est important : vous ne pouvez pas progresser si vous ne faites que du cinéma. Il vous faut affronter les sensations de la scène de théâtre.

Au cinéma, on travaille par tronçon, souvent de manière mélangée. Au théâtre, on a cette urgence, cette envoûtement du long tunnel du temps de la pièce. Quoi qu'il arrive, ni personne ni rien ne peut vous arrêter.

Le stress, l'angoisse, la traque sont démultipliés au théâtre qu'au cinéma. Devant la caméra, on donne beaucoup, mais on ne se reçoit pas. L'œuvre est en train de se construire et le public ne la verra que plus tard, une fois le montage terminé. C'est plus mécanique, plus distant, plus froid.

Au théâtre, l'œuvre se fabrique en même temps que le public la découvre. On reçoit beaucoup du public et du direct, qui nourrit le comédien et lui permet de progresser.

Le théâtre vous demande de travailler votre voix et votre corps différemment que la caméra. Le théâtre va vous expérimenter, pousser et améliorer vos capacités physiques et vocales. Votre force d'expression au théâtre va enrichir votre intériorité de votre jeu face caméra.

Au théâtre, en énergie, vous avez besoin d'être comme un volcan en éruption. Au cinéma, cette énergie vous allez la retenir, mais le feu est en vous, un feu, une lave que vous avez créé ou continué à nourrir au théâtre.

Voici quelques raisons spécifiques pour lesquelles le théâtre est important pour les acteurs de cinéma :

L e théâtre développe les compétences techniques

Le théâtre exige que les acteurs soient capables de contrôler leur voix, leur corps et leurs émotions. Ces compétences sont essentielles pour les acteurs de cinéma, car elles leur permettent de créer des performances convaincantes.

Le théâtre développe la présence sur scène

La présence sur scène est la capacité d'un acteur à captiver l'attention du public. C'est une compétence essentielle pour les acteurs de cinéma, car elle leur permet de se connecter avec le public et de créer une expérience immersive.

Le théâtre développe la résilience

Le théâtre est un art difficile et exigeant. Les acteurs de théâtre doivent être capables de gérer le stress, l'anxiété et les critiques. Ces compétences sont essentielles pour les acteurs de cinéma, car elles leur permettent de faire face aux défis de l'industrie.

Le théâtre offre une expérience unique

Le théâtre est une occasion pour les acteurs de se connecter avec le public de manière authentique et intime.

Si vous êtes un acteur qui souhaite progresser dans votre carrière, je vous encourage vivement à faire du théâtre. C'est une expérience enrichissante qui vous aidera à développer vos compétences et votre talent.

Dans les commentaires, partagez votre technique pour aider à progresser en tant acteur actrice.

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Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 7

Thu, 08 Feb 2024 13:45:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 7

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

La méthode d'acting : une approche révolutionnaire du jeu d'acteur ?

La méthode d'acting est une approche révolutionnaire du jeu d'acteur qui a été développée au début du XXe siècle par le dramaturge et metteur en scène russe Constantin Stanislavski.

Cette méthode met l'accent sur l'authenticité et la vérité émotionnelle dans la performance.

Les techniques de la méthode d'acting sont nombreuses et variées, mais elles se concentrent toutes sur la compréhension du personnage et de l'histoire que l'acteur doit jouer. L'acteur est encouragé à développer une compréhension profonde du personnage, de ses motivations et de ses objectifs. Il est également encouragé à utiliser sa propre expérience personnelle pour créer une connexion émotionnelle avec le personnage.

La méthode d'acting a eu un impact profond sur le jeu d'acteur, tant au théâtre qu'au cinéma. Elle a été adoptée par de nombreux acteurs célèbres, notamment Marlon Brando, James Dean et Marilyn Monroe.

Les origines de la méthode d'acting

Stanislavski a commencé à développer ses techniques de jeu d'acteur à la fin du XIXe siècle. Il était insatisfait des méthodes d'enseignement traditionnelles, qui se concentraient sur la technique et l'apparence extérieure. Il croyait qu'un acteur devait créer une connexion émotionnelle avec le personnage qu'il jouait pour créer une performance authentique.

Stanislavski a expérimenté de nombreuses techniques différentes au cours des années. Il a finalement développé une méthode qui se concentrait sur quatre éléments principaux :

L'intention : L'acteur doit avoir une intention claire pour chaque acting qu'il effectue.

Le centre : L'acteur doit trouver son centre émotionnel, qui est la source de son énergie et de sa motivation.

Le ressenti : L'acteur doit utiliser ses sens pour créer un sentiment de réalité dans la performance.

La concentration : L'acteur doit être pleinement concentré sur l'acting et le personnage qu'il joue.

La méthode d'acting au cinéma

La méthode d'acting a été rapidement adoptée par les acteurs de cinéma. Elle était particulièrement adaptée au cinéma, qui permet de capturer les nuances de la performance humaine.

Marlon Brando a été l'un des premiers acteurs à utiliser la méthode d'acting au cinéma. Son interprétation de Stanley Kowalski dans "Un tramway nommé Désir" (1951) a été révolutionnaire pour son réalisme et sa puissance émotionnelle.

D'autres acteurs célèbres ont également utilisé la méthode d'acting, notamment James Dean, Marilyn Monroe, Al Pacino et Robert De Niro.

La méthode d'acting aujourd'hui

La méthode d'acting est toujours utilisée par de nombreux acteurs aujourd'hui. Elle est considérée comme l'une des approches les plus efficaces pour créer des performances authentiques et mémorables.

La controverse entre Strasberg et Adler

Lee Strasberg et Stella Adler étaient deux des principaux enseignants de la méthode d'acting. Ils avaient des approches différentes de la méthode, ce qui a conduit à une controverse entre eux.

Strasberg a mis l'accent sur la mémoire émotionnelle , qui consiste à utiliser des souvenirs personnels pour créer des émotions authentiques dans la performance.

Adler a mis l'accent sur l'imagination créatrice, qui consiste à utiliser son imagination pour créer des émotions réalistes.

La controverse entre Strasberg et Adler a divisé la communauté théâtrale. Certains partisans de la méthode d'acting ont soutenu Strasberg, tandis que d'autres ont soutenu Adler.

L'héritage de la méthode d'acting

La méthode d'acting est un héritage important du théâtre et du cinéma. Elle a influencé des générations d'acteurs et a contribué à créer des performances mémorables.

A suivre : et en France ? Y 'a il une méthode ou des méthodes ?

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Comment créer l'émotion sincère de l'étonnement ?

Mon, 29 Jan 2024 13:33:56 GMT

Comment créer l'émotion sincère de l'étonnement ?

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Comment reprogrammer son cerveau pour ressentir l'étonnement ?

Les neurologues affirment que le cerveau ne fait pas la différence entre une émotion fabriquée et une émotion vraie vécue.

Cela signifie qu'il est possible de reprogrammer son cerveau pour ressentir une émotion donnée, même si on ne la ressent pas naturellement.

En tant que débutant, il est important de ne pas forcer les expressions faciales . Si vous haussez les sourcils jusqu'au plafond, cela aura l'air artificiel et peu crédible. Laissez votre visage bouger naturellement, en fonction de vos pensées et de vos émotions.

Pour programmer son cerveau pour ressentir l'étonnement, il est important de connaître les signes physiologiques de cette émotion. Lorsque l'on est étonné, le corps se met en éveil. Le visage pâlit, s'étire, les yeux s'écarquillent, les sourcils se lèvent légèrement, la bouche s'entrouvre, et la voix se bloque ou devient hésitante.

Ces signes sont des généralités, mais ils sont suffisamment précis pour que vous puissiez les appliquer lors de la préparation d'un rôle ou de répétitions. En vous mettant dans cet état physique, vous envoyez un message à votre cerveau qui va reconnaître les signes de l'émotion et vous aider à démarrer.

Pour vous aider à ressentir l'étonnement, vous pouvez également utiliser des techniques de visualisation. Imaginez une situation qui vous surprendrait ou vous choquerait. Concentrez-vous sur les sensations physiques que vous ressentez. Comment votre corps réagit-il ? Quelles expressions faciales faites-vous ?

Voici quelques exemples de techniques de visualisation que vous pouvez utiliser :

Imaginez que vous voyez un animal sauvage apparaître devant vous.
Imaginez que vous apprenez une nouvelle inattendue, comme gagner à la loterie.
Imaginez que vous vivez un moment de danger, comme un accident de voiture.

Avec un peu d'entraînement, vous serez en mesure de reprogrammer votre cerveau pour ressentir l'étonnement, même si vous ne le ressentez pas naturellement.

Votre technique pour aider à ressentir l'étonnement

Dans les commentaires, partagez votre technique pour aider à ressentir l'étonnement. Avez-vous des techniques de visualisation préférées ? Ou avez-vous trouvé d'autres méthodes efficaces ?

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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Stage formation jeu caméra 5 jours du 4 au 8 mars

Wed, 17 Jan 2024 10:38:43 GMT

Stage formation jeu caméra 5 jours du 4 au 8 novembre

Formation de 5 jours aux techniques spécifiques du jeu face caméra

* Formation jeu caméra avec possibilité de prise en charge avec vos droits à la formation ( Adfdas, Fifpl, Pole emploi)

Quelle Heure ?

10h - 17h

pour qui ?

à partir de 18 ans avec déjà une expérience de jeu théâtre, Acting, court-métrage ou autre

Où?

à Aix-en-Provence (Eguilles à 10m d'aix)

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série

Visionnage et analyse des essais filmés

FORMATION PRIS EN CHARGE PAR VOS DROITS À LA FORMATION (Fifpl, Pôle emploi ou Afdass ) : CONTACTEZ NOUS !

à bientôt

Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 6

Wed, 03 Jan 2024 14:45:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 6

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

C'est l'une des nombreuses idées que Stanislavski a développées au sein de son système. Avant même d'avoir pleinement formulé ses concepts, le Théâtre d'Art de Moscou, avec son style naturel d'acteur, avait déjà connu un immense succès et avait commencé à rayonner à travers le monde.

Le 2 janvier 1923, le Théâtre d'Art de Moscou entame sa première tournée aux États-Unis, débutant à New York au Jolson Theatre avec la pièce "Tsar Fiodor Ioannovitch", une représentation qui s'étendit sur 5 mois. Ces performances marquèrent le début d'une nouvelle interprétation américaine des idées de Stanislavski, qui finirait par être regroupée sous le terme "Method Acting".

À la suite de la tournée aux États-Unis du Théâtre d'Art de Moscou dirigée par Stanislavski, deux membres décidèrent de rester et fondèrent une école de théâtre appelée "The American Laboratory Theatre" à New York en 1923. Parmi les premiers étudiants figuraient des figures marquantes telles que Lee Strasberg, Harold Clurman et Stella Adler, cette dernière créant ensuite son propre théâtre avec Cheryl Crawford, baptisé "The Group Theatre", en 1931. Ce collectif d'acteurs, de metteurs en scène et de dramaturges évitait le modèle du théâtre axé sur les étoiles, mettant plutôt l'accent sur le groupe et se consacrant au naturalisme tout en s'appuyant fortement sur le système de Stanislavski, cherchant à repousser ses limites.

Lee Strasberg, membre fondateur, se concentre intensément sur le développement de la mémoire émotionnelle, un aspect clé du système de Stanislavski. Cependant, cette approche ne convenait pas à Stella Adler , fondatrice du groupe. Le différend atteignit son paroxysme lorsque Strasberg dirigea Adler dans la pièce "Gentlewoman" en 1934, l'obligeant à revisiter constamment un douloureux souvenir du passé, suscitant la folie chez Adler. Face à cette divergence, Adler décide de prendre du recul et de partir à Paris avec son mari de l'époque et membre du Group Theatre, Harold Clurman.

À Paris, Adler découvre par hasard que Stanislavski était en tournée théâtrale. Intriguée, elle organise une réunion avec l'acteur légendaire et lui demanda : "Pourquoi as-tu ruiné ma vie ?" La réponse de Stanislavski la surprise. Il avait abandonné la mémoire émotionnelle comme technique principale des années plus tôt , se tournant plutôt vers l'imagination guidée par la mémoire émotionnelle. Au lieu de revivre un douloureux souvenir du passé, l'acteur devrait puiser dans toute son expérience de vie pour imaginer les émotions nécessaires à une scène particulière, posant la question magique du "et si".

Pendant cinq semaines, chaque après-midi, Adler et Stanislavski collaborent à l'atelier pour travailler sur les scènes de "Gentlewoman". À son retour aux États-Unis, Adler apporte une nouvelle interprétation du système de Stanislavski qui divergeait de la méthode de mémoire émotionnelle de Strasberg.

Strasberg se retire du Group Theatre après le retour d'Adler, et les approches théâtrales aux États-Unis commencent à se scinder et à évoluer en deux camps parallèles : la méthode Strasberg, se concentre fortement sur la recherche intérieure pour trouver l'émotion, et la technique Adler, plus conforme à la pensée actuelle de Stanislavski sur l'action physique et les objectifs, renforcés par l'imagination.

A suivre : Ces acteurs formés à la Method Acting dans l'épisode 7...

merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Comment accepter ou non les critiques sur votre jeu d'acteur ou d'actrice ??

Wed, 27 Dec 2023 10:30:00 GMT

Comment accepter ou non les critiques sur votre jeu d'actrice-d'acteur ? #coachacteur

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Salut tout le monde,

Aujourd'hui, abordons le sujet des critiques, car dans un métier qui vous expose, il est inévitable de recevoir des retours potentiellement négatifs, et cela peut vous affecter.

Définissons d'abord ce qu'est une critique : "Qui a le don, le pouvoir de juger un être, une chose à sa juste valeur, de discerner ses mérites et défauts." Mais aussi "qui entraîne des changements importants".

La personne qui peut vous critiquer est celle qui possède le don, le pouvoir et la capacité de discerner.

Alors, qui peut vous critiquer ?

Pour moi, ce sont le réalisateur, le metteur en scène, un coach, ou un professeur d'art dramatique. Point final. Et même pas vous. Car, vous l'avez compris, critiquer nécessite des compétences techniques.

Maintenant que nous savons qui peut vous critiquer, abordons la manière dont la critique est formulée:

Le "comment" déterminera votre réception de la critique. Même avec de l'expérience, nous sommes plus ou moins touchés par une critique négative, et c'est normal, c'est humain, car nous sommes des êtres émotionnels.

Malheureusement, il existe toujours des réalisateurs ou des professeurs tyranniques qui abusent de leur pouvoir sur des aspirants acteurs rêvant de faire ce métier, pour assouvir leur méchanceté. Si cela se produit, quittez le cours. Si vous êtes sur un tournage professionnel avec un contrat, défendez-vous, refusez catégoriquement de vous laisser maltraiter au nom de l'art. Il est essentiel de distinguer la fermeté du manque de respect.

Si vous êtes traité avec fermeté, bienveillance et respect, mais que cela déclenche des réactions émotionnelles excessives en vous, des pleurs, de la colère, posez-vous des questions sur vous-même. Si cela vous touche autant, c'est peut-être le signe d'un problème intime à régler en tant qu'acteur ou actrice, d'ordre psychologique, lié à des complexes personnels.

Partagez dans les commentaires si vous avez vécu des expériences de critiques difficiles.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 5

Wed, 20 Dec 2023 14:30:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 5

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

Stanislavski était un pseudonyme adopté pour dissimuler ses activités d'acteur à ses parents. Cependant, il ne s'intéresse pas aux poses ou aux gestes grandioses. Au lieu de cela, il aspirait à « vivre le rôle » en se déguisant en clochard ou en gitan, se mêlant aux espaces publics et tentant de demeurer dans son personnage.

Le 22 juin 1897, Stanislavski, déjà bien établi en tant qu'acteur dans les cercles du théâtre russe, rencontra le dramaturge et metteur en scène en Vladimir Nemirovich-Danchenko pour un déjeuner qui allait marquer l'histoire du théâtre. Après une extraordinaire réunion de 18 heures qui se prolongea jusqu'au petit déjeuner dans la demeure de Stanislavski le lendemain matin, les deux hommes détaillèrent les pratiques qui allaient donner naissance au Théâtre d'Art de Moscou.

Le Théâtre d'Art de Moscou se concentre sur l'introduction du naturalisme au théâtre populaire , abandonnant le jeu pompeux au profit de performances réalistes. Pendant les répétitions, Stanislavski passait des heures à questionner le scénario et les acteurs, cherchant ce qu'il appelait la "vérité empirique" . Au fil du temps, un système a commencé à émerger.

En 1909, il élabora la première ébauche de son système. Bien que la science de la psychologie soit encore à ses débuts, le système de Stanislavski adoptait une approche psychologique du jeu d'acteur, visant à immerger les acteurs dans le moment présent. Pour y parvenir, un acteur devait préparer son corps, sa voix et son esprit sur scène. Ensuite, le rôle lui- était étudié pour découvrir même les motivations et une compréhension approfondie de son intégration dans l'ensemble de la pièce. La vérité émergerait lorsque l'acteur ressentirait réellement les événements de la pièce.

Pour créer du réalisme, Stanislavski expérimenta la mémoire émotionnelle ou sensorielle , consistant à évoquer une expérience passée correspondante au sentiment nécessaire dans la scène. Parfois, ces expériences étaient traumatisantes, créant ainsi la réalité émotionnelle de scènes sombres. Cependant, il abandonna cette technique après avoir perturbé ses collègues acteurs . Pour Stanislavski, l’émotion pouvait également découler de l’action.

Imaginons un acteur dans une petite pièce sans fenêtre avec une seule porte. Avec une motivation claire - une bombe prête à exploser dans une minute - l'acteur, croyant profondément à cet objectif, ressentirait naturellement la panique si la porte était verrouillée, créant ainsi une émotion authentique sans utiliser à des souvenirs personnels traumatiques.

A suivre : La tournée du théâtre de Moscou aux Etats-Unis ...

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Eddy Creuzet

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Pourquoi la deuxième prise est-elle souvent ratée ?

Wed, 13 Dec 2023 10:30:00 GMT

Pourquoi la deuxième prise est-elle souvent ratée ? #coachacteur

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

C'est Le syndrome du temps d'infusion des consignes: Ce phénomène a attiré mon attention depuis que je réalise des fictions avec des acteurs débutants ou peu expérimentés. La première prise capture la spontanéité, parfois la chance, et bien que tout le monde soit satisfait, elle est rarement conservée.

Naturellement, en tant que réalisateur, nous prodiguons des conseils et des consignes à l'acteur ou à l'actrice pour la seconde prise. Cependant, ce qui se produit souvent, c'est que la seconde prise est décevante.

Pourquoi ? Parce qu'à ce moment-là, l'acteur moins expérimenté retombe dans ses propres pensées personnelles. Il cesse de penser comme le personnage et se concentre plutôt sur l'application scolaire des directives du réalisateur, du coach ou du professeur.

Cette prise devient réfléchie, alors que le travail demandé à l'acteur est de ne pas penser en tant que technicien de la méthode, mais de penser comme son personnage.

N'ayez crainte si votre deuxième prise est moins réussi. En général, le réalisateur ou le professeur doit en être conscient et vous constaterez souvent que la troisième prise est meilleure.

Avec le temps et l'expérience acquise par des cours et des tournages, la deuxième prise deviendra déjà bonne. Vous pourrez alors intégrer rapidement de nouvelles consignes pour des prises ultérieures.

En conclusion, le but pour l'acteur professionnel est d'assimiler rapidement les consignes du réalisateur.

Partagez dans les commentaires si cette expérience vous parle, ou si, au contraire, votre deuxième prix est toujours excellent.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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La Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 4

Wed, 06 Dec 2023 14:00:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 4

Salut à tous,

Au sein de cette série d'articles, je souhaite partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

Le troisième épisode est disponible ici.

À la fin du 19e siècle, bien que le théâtre ne fût peut-être pas considéré comme l'activité la plus noble, il représentait une tradition généralement acceptée, enracinée dans l'Antiquité grecque, influencée par la Renaissance italienne, et soutenue littérairement par des écrivains éminents tels que William Shakespeare.

Cependant, la pratique théâtrale à travers l'Europe et les États-Unis était encore centrée sur un style grandiloquent. À une époque où les micros de scène n'existaient pas, cela semblait nécessaire. Ce style n'était pas simplement dicté par la nécessité, mais c'était aussi la théorie dominante selon laquelle le théâtre devait être exagéré avant d'être perçu comme réel.

Le célèbre acteur et théoricien du théâtre, Benoit-Constant Coquelin, salué comme le plus grand acteur vivant par ses contemporains, affirmait : "À mon avis, rien ne peut être parfait, rien ne peut être grand sans la nature. Cependant, je dois répéter encore une fois que le Théâtre - l'art et, par conséquent, la nature - ne peut s'y reproduire qu'avec une certaine idéalisation ou contrainte, sans laquelle il n'y a pas d'art. : la nature austère ne produit au théâtre qu'une très faible impression."

Coquelin s'opposait fermement au naturalisme dans l'expression théâtrale. Pour lui, jouer sur scène signifiait simuler les émotions.

Un musicien et pédagogue français, François Delsarte, ira même jusqu'à publier un livre détaillé des poses et des gestes du principal correspondant à chaque émotion. Bien que son intention fût de connecter l'émotion intérieure de l'acteur avec un ensemble systématique de gestes et de mouvements, cela a été enseigné comme une méthode abrégée d'agir : lorsque le scénario appelle à cette émotion, adoptez cette pose.

Cependant, ce type de jeu ne convenait pas à un jeune acteur du nom de Constantin Stanislavski, né en 1863 au sein de l'une des familles les plus riches de Russie...

À suivre : la genèse de la méthode Stanislavski dans l'épisode 5...

Merci de prendre le temps de nous lire.

Eddy Creuzet

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MES 4 PILLIERS DE MA MÉTHODE ACTING ?

Wed, 29 Nov 2023 10:15:00 GMT

MES 4 PILIERS DE MA METHODE ACTING #coachacteur

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Salut à tous,

aujourd'hui, je vais partager avec vous les quatre fondements essentiels de ma propre méthode d’acting devant la caméra.

Ma démarche artistique s'inscrit dans une inspiration tirée de toutes les méthodes existantes, car je n'invente rien. C'est le fruit de multiples expérimentations, tant sur moi-même que sur d'autres acteurs, qui m'ont permis d'identifier mes quatre piliers.

Le Corps, le Regard, la Respiration et la Pensée du personnage.

Le Corps : Il incarne le non-verbal devant la réplique. Posez-vous la question des sensations à chaque instant, de la position de votre corps dans l'espace. Évitez l'erreur courante des débutants qui oublient leur corps , laissant une immobilité qui se traduit à l'écran par une tête et une bouche en mouvement. L'objectif est que le spectateur anticipe votre réplique à travers votre langage corporel.

Le Regard : La direction de la caméra implique un placement minutieux. Les yeux, tout comme les gestes, peuvent parasiter le jeu. Un regard stable et franc, entraînant les papillonnements inutiles, renforce l'autorité du personnage. Assurez-vous de regarder dans la direction de votre partenaire , car le public s'accroche inconsciemment à votre regard pour s'immerger dans l'intrigue.

La Respiration : Consciente et en harmonie avec l'émotion, elle est impliquément liée au corps. Si votre corps est inertie alors que le personnage vit une émotion, votre respiration personnelle prend le dessus. Comme très souvent un personnage de fiction vie des émotions et des conflits donc votre respiration n’est jamais calme.

La Pensée du personnage : Vivre la situation avec le sous-texte des répliques. Libérez-vous de vos propres pensées en tant qu'acteur pour adopter celles du personnage. Assimilez le texte dans votre corps, apprenez-le en mouvement dès le début du processus créatif. Étudiez le personnage pour anticiper ses réactions, pensez comme lui entre les répliques, immergé dans la situation, réagissant à ce qu'on lui raconte.

En résumé, ces quatre piliers, la Pensée du personnage, la Respiration, le Regard, le Corps, sont interconnectés, soutenant la plateforme de ma méthode d'agir devant la caméra. Si l'un de ces piliers manque, la plateforme s'effondre.

Partagez dans les commentaires vos propres piliers et s'il en existe d'autres pour jouer devant la caméra.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 3

Wed, 22 Nov 2023 14:00:00 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 3

Salut tout le monde,

Au cours de cette série d'articles, j'ai le plaisir de partager avec vous l'évolution du jeu, de l'Actorat, de l'Acting, depuis ses origines jusqu'à nos jours.

Le deuxième épisode se trouve ici.

Étant donné que la Commedia dell'Arte s'est largement appuyée sur l'improvisation, cette forme théâtrale s'est concentrée sur quelques personnages et situations clés.

Les rôles d'acteur au sein d'une troupe de la Commedia dell'Arte étaient répartis en trois grandes catégories : les serviteurs (zanni), les maîtres ou anciens (généralement des vieillards, d'où leur nom italien, les vecchi) et les amants (innamorati, également connus sous le nom d'amorosi).

Parmi ces personnages, le plus familier au public moderne est peut-être Arlequin , un zanni légèrement supérieur, un personnage de serviteur amoral, espiègle, joueur et narcissique.

La tradition des masques a perduré dans la Commedia dell'Arte, portés à la fois par les personnages de la classe inférieure et supérieure. Cependant, certains personnages, en particulier les amoureux, se sont produits sans masque.

La Commedia a évolué sous différentes formes au fur et à mesure de sa diffusion à travers l'Europe pour s'adapter aux coutumes locales. Les Français ont particulièrement apprécié le personnage d'Arlequin et l'ont développé davantage. En Angleterre, l'influence de nombreuses Commedia peut être enregistrée dans le Songe d'une nuit d'été de William Shakespeare.

Bien que la Commedia ait exercé une influence considérable, elle a rencontré des adversaires moraux similaires à ceux de ses homologues romains il y a un millénaire. L'église considérait le travail comme vulgaire et hérétique, peut-être en raison de la concurrence pour ses propres jeux de moralité. Les acteurs avaient également des ennemis politiques, Napoléon Bonaparte interdisant la Commedia en 1797 lors de l'occupation de l'Italie, car des dissidents politiques se cachaient derrière des masques pour lancer des insultes moqueuses envers leur nouvel empereur.

Cependant, l'influence de la Commedia dell'arte a persisté au fil des ans, laissant une empreinte indélébile dans la tradition scénique. Elle s'est même transformée en art cinématographique à partir du muet burlesque de Charlie Chaplin et Buster Keaton , et a perduré à l'ère du son, apportant des influences du vaudeville, comme on peut le voir dans le clip de la soupe au canard des Marx Brothers.

À suivre : le 19e siècle et le théâtre dans l'épisode 4...

Merci de prendre le temps de me lire.

Eddy Creuzet

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comment ressentir une émotion sincère sans faire appel à ses propres souvenirs ?

Wed, 15 Nov 2023 13:30:00 GMT

comment ressentir une émotion sincère sans faire appel à ses propres souvenirs ? #coachacteur

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Salut tout le monde,

Il y a très longtemps, aux origines de l'apprentissage de la méthode d'acteur, Stanislavski, dramaturge d'origine russe, propose une technique pour sortir du jeu signifiant et grandiloquent de l'époque, permettant aux comédiens d'être plus authentiques dans leurs ressentis.

Apres avoir expérimenter sur ses acteurs, la technique de « La mémoire émotionnelle, » il s’en éloigné pour se concentrer sur l’action , la vérité de l’action et du personnage

Bien que cette technique « La mémoire émotionnelle, » ait évolué et soit désormais utilisée comme un des nombreux ingrédients d'une bonne recette, il est essentiel de comprendre pourquoi elle peut être considérée comme limitante.

Prenons un exemple simple : demander à un enfant de 10 ans de vivre une émotion forte comme le deuil de ses parents, une situation qu'il n'a jamais vécue. Il utilisera son imagination, ce qu'il a pu observer en tant que témoin, ou s'inspirera de ce qu'il a lu ou vu au cinéma. Il n'aura pas de souvenirs personnels à utiliser.

De même, faire appel à ses souvenirs personnels peut être limitant, car cela pourrait raviver des émotions intimes, empêchant la pleine immersion dans le rôle.

Un exemple ludique pour illustrer cela est lorsque l'acteur doit jouer un rôle qui meurt à la fin de la scène. Quel souvenir pourrait-il utiliser, puisqu'il n'a jamais vécu cette situation ?

Alors, comment vivre la douleur d'un deuil que l'on n'a pas vécu ?

Par l'imaginaire. En se persuadant que l'on est le personnage de l'histoire, on peut ressentir la tristesse et l'émotion du deuil, une expérience universelle. Cependant, même si vous avez été touché par le deuil dans votre vie personnelle, vous êtes protégé , car ce n'est pas votre deuil, mais celui du personnage que vous incarnez.

À retenir : Un travail de dissociation du cerveau est nécessaire. Comme partitionner un disque dur, votre cerveau doit se dissocier au moment où il est utilisé pour jouer. Il est mis à disposition du personnage, englobant le cerveau, le corps, la voix, les yeux, la respiration, tout au service du rôle.

Partagez dans les commentaires vos expériences et la manière dont vous créez des émotions pour votre rôle.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 2

183:916751707 — Tue, 07 Nov 2023 13:36:19 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 2

Salut à tous,

Au fil de cette série d'articles, j'ai le désir de partager avec vous l'évolution de l'histoire du jeu, de l'Actorat, de l'Acting , depuis ses origines jusqu'à nos jours.

Le premier épisode se trouve ici.

À l'époque où Rome a conquis le monde, elle s'est également tournée vers le théâtre grec, le transformant selon ses préférences en y augmentant davantage de spectacle et de variété. Le drame romain a adapté les œuvres grecques, s upprimant le chœur grec au profit du dialogue, et a même commencé à agrémenter ses spectacles de musique.

Le théâtre était le divertissement populaire de cette époque, parfois même obscène et offensant. Les acteurs remettaient en question la morale, critiquant la décadence de la société romaine, ce qui a conduit à des révisions contre les autorités romaines. Malgré cela, d'immenses théâtres ont été implantés dans tout l'empire romain.

Cependant, avec la chute de Rome, l e théâtre a pratiquement disparu pendant l'âge des ténèbres, ne subsistant que sous la forme de productions amateurs de pièces à caractère moral religieux mises en scène par l'église.

Il faudra des millénaires avant que la comédie ne retrouve sa place en tant qu'art professionnel.

Ce n'est qu'à la Renaissance italienne que nous assistons à l'émergence d'une nouvelle forme de théâtre professionnel : la Commedia dell'arte au XVIe siècle à Venise. À mi-chemin entre le monde de la cour royale et la tradition des artistes de rue, la Commedia dell'arte était une forme populiste de théâtre, représentant toutes les couches de la société, des aristocraties aux simples paysans.

La première troupe d'acteurs remarquable était I Gelosi, actif de 1569 à 1604. Soutenue par la noblesse, la troupe a parcouru l'Europe, voyageant de l'Italie à la France, la Pologne, l'Espagne, l'Allemagne et l'Angleterre.

Axée sur l'improvisation , l'acteur de la Commedia était également l'auteur et l'éditeur de son propre matériel. Pour la première fois, les femmes ont la scène partagée avec les hommes.

À suivre : l'évolution de la Commedia dans l'épisode 3...

Merci de m'avoir lu.

Eddy Creuzet

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la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 1

183:916751707 — Wed, 18 Oct 2023 15:32:46 GMT

la Méthode Acting : L'histoire du jeu - Episode 1

Bonjour tout le monde

Dans cette série d'articles, j'ai envie de partager avec vous l'histoire du jeu, l'histoire de l'Actorat, de l'Acting, de son origine à aujourd'hui

Commençons par jeter un coup d'œil abrégé sur l'histoire du théâtre occidental nous menant finalement à ce qu'on appelle maintenant Method Acting.

Nous pourrions commencer notre histoire beaucoup plus près de chez nous, mais je pense que cela vaut la peine de revenir loin en arrière dans l'histoire jusqu'au tout début du jeu d'acteur jusqu'à la Grèce antique.

La culture grecque antique et sa riche mythologie des dieux n'étaient pas basées sur un texte sacré. Leur mythologie a été racontée par le bouche à oreille. Comme un long jeu de téléphone, chacune des générations de Grecs raconterait les mythes avec une interprétation différente reflétant les enjeux contemporains de leur temps - ce processus de transmission d'histoires est devenu théâtre - du grec original "theáomai " qui signifie "voir"

Le théâtre était au cœur des Grecs de l'Antiquité - Le partage communautaire des histoires était centré sur les célébrations annuelles du dieu Dionysos - le dieu des vendanges, de la vinification, du vin, Folie Rituelle, Extase Religieuse, Fertilité et éventuellement Théâtre.

Les premières célébrations participants impliqués de la communauté - hommes et femmes - réunis au pied d'une colline chantant ce qu'on appelait Dithyrambe en l'honneur de Dionysos.

Au 6ème siècle avant JC, ces célébrations sont devenues plus formelles. Le théâtre est devenu réservé aux hommes d'affaire. Un autre changement est venu avec le poète grec Arion qui a commencé à écrire le dithyrambe, introduction de l'écrit à la tradition orale. Vers la même époque, un chanteur nommé Thespis deviendrait la première vedette du théâtre en créant un numéro où il accompagnait en tant qu'acteur solo par le chœur grec interpréterait le dithyrambe en utilisant différents masques avec des traits faciaux exagérés caractéristiques et expressions pour interpréter différents caractères.

Le théâtre grec a continué à progresser au 5ème siècle avec l'introduction du skene : un bâtiment d'arrière-plan auquel la scène de la plate-forme était reliée et qui pouvait être peint pour représenter les lieux et agir comme une zone changeante pour les acteurs à mesure que de plus en plus de personnes en font partie de la production théâtrale.

En termes de format, le théâtre s'est développé en trois catégories : pièces satyres, comédies et tragédies.

Les comédies étaient des pamphlets d'actualité légers sur les gens et les événements de l'époque - en fait que nous obtenons le mot Lampoon de Lampon - un homme d'État grec moqué par l'Athénien interprète Aristophane.

Les tragédies étaient des œuvres plus sérieuses qui présentaient un mythe imparfait héros et chœur grec qui a servi de boussole morale à la pièce. A la fin de chaque tragédie le héros parvient à se retrouver dans une catastrophe causée généralement par son propre orgueil.

Maintenant, parce que ces théâtres étaient des événements en plein air souvent devant des milliers de personnes, l e jeu était beaucoup plus déclamatoire - c'est-à-dire qu'il mettait l'accent sur la projection vocale et la grande gestes corporels pour que chacun puisse voir ce qui se passait....

à suivre avec l'évolution apporté par les Romains dans l'épisode 2 ...

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Je suis formateur et coach de comédiens depuis 2015 en ateliers, stages jeu-caméra à Aix-en-Provence ou sur plateau de tournage:

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Stage formation jeu caméra 5 jours du 20 AU 24 NOVEMBRE

Wed, 18 Oct 2023 14:51:03 GMT

Stage formation jeu caméra 5 jours du 20 au 24 novembre

Formation de 5 jours aux techniques spécifiques du jeu face caméra

* Formation jeu caméra avec possibilité de prise en charge avec vos droits à la formation ( Adfdas, Fifpl, Pole emploi)

Quelle Heure ?

10h - 17h

pour qui ?

à partir de 18 ans avec déjà une expérience de jeu théâtre ou autre

Où?

à Aix-en-Provence

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série

Visionnage et analyse des essais filmés

FORMATION PRIS EN CHARGE PAR VOS DROITS À LA FORMATION (Fifpl, Pôle emploi ou Afdass ) : CONTACTEZ NOUS !

à bientôt

Eddy Creuzet

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Ateliers Acting Cours du Soir jeu caméra à l'année

183:916751707 — Tue, 18 Jul 2023 13:07:17 GMT

Atelier Acting cours du soir Jeu Caméra saison 2023 2024

Formation de l'Acteur, jeu caméra dans le sud à Aix-en-Provence de septembre à juin

Quels jours :

à partir du 04 septembre

Lundi, Mardi et Mercredi sur plusieurs niveaux

jusqu'à juin

Quelle Heure ?

18h30-21h

10h pour mois

Pour qui ?

à partir de 18 ans de débutant à amateurs ou professionnels du théâtre pour apprendre les technique jeu caméra

Où?

à Aix-en-Provence (Aix-les milles) parking gratuit

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film, de série ou séquences personnalisés

Visionnage et analyse des essais filmés

LE ++ : Tournage d'un court-métrage inédit en juin

Admission sur bande démo ou selftape

à bientôt

Eddy Creuzet

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT CREER VOTRE SOUS TEXTE ?

Mon, 10 Apr 2023 16:15:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT CREER VOTRE SOUS TEXTE ?

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Dans un scénario, vous retrouver les numéros et noms des séquences,des indications de jeux, appeler aussi des didascalies et enfin les répliques.

Sous une réplique, il ya un texte mental qui porte vraiment le sens et l'intention

Notamment dans une réplique valise comme par exemple :

“Passe-moi le sel” : quel est le vrai sens de cette phrase? à qui vous vous adressez ? Quelle est votre intention ?

Le sous texte est indispensable et surtout lorsque vous avez un langage soutenu par exemple avec un rôle historique.

Votre sous-texte sera la traduction dans votre propre langage actuel qui vous facilitera pour appuyer votre intention

Votre sous-texte doit t oujours amplifier l'émotion

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT FAIRE POUR NE PAS VOUS JUGER EN TRAIN DE JOUER ?

Mon, 27 Mar 2023 16:00:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT FAIRE POUR NE PAS VOUS JUGER EN TRAIN DE JOUER ?

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Seul le Réalisateur ou la réalisatrice, coach, professeur, directeur de casting peut vous juger en train de jouer

Si vous vous juger en train de jouer , c'est que vous travaillez avec les rétroviseurs : vous vous regarder jouer.

Et c'est donc antinomique avec la règle de “penser comme votre personnage”. !

Donnez-vous pour règle : vous n'avez pas le droit de le faire !

Et même après avoir fini la scène ne vous jugez pas !

Je vous conseille donner les clés à celle où celui qui est en charge de l'acting ; le ou la Réalisatrice, le ou la coach le ou la directeur de casting

Faites confiance : c'est notre boulot de juger votre travail , le vôtre c'est de vivre le rôle, point !

En plus ça vous permet de retirer cette charge mentale

Évidemment ça se travaille, au départ on se force un peu et ça devient naturel jusqu'au point où vous ne savez plus ce que vous rendez à la caméra: Il vous reste plus que vos propres sensations du corps

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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LE LACHEZ PRISE DE L'ACTEUR : 5 TECHNIQUES

Sun, 19 Mar 2023 15:40:39 GMT

Le lâcher-prise pour l’acteur :

5 techniques pour y arriver

Lâcher prise pour le comédien : 5 techniques pour le réaliser.

Dans cet article d'Acting, nous allons voir comment vous pouvez tenter d'accéder au lâcher-prise !

Parce qu'aujourd'hui, cette quête est devenue le Graal du comédien.

Nous tenterons donc dans cet article de démystifier ce fameux terme employé à profusion dans toutes les vidéos de développement personnel.

Qu’est-ce que le lâcher-prise pour l’acteur ?

Ce serait comme une formule magique qui vous permettrait d'être le meilleur des meilleurs dans tous les cas.

Les acteurs avec qui je travaille ont témoigné que c'était le meilleur moyen pour eux de jouer n'importe quel personnage, même pour ceux qui sont loin de bien performer.

Comme si lâcher prise était le dernier obstacle au métier d'acteur accompli.

Il faut comprendre par là, que le lâcher-prise est propre à chacun et dépend de toutes vos retenues, de votre pudeur et des croyances annihilantes accumulées depuis votre enfance, bref de votre propre personnalité.

1- les techniques de respiration:

Respirer est la base du relâchement du corps humain.

Or la détente de l'acteur est la base. Par exemple, dans la fameuse méthode de l’Actors Studio originaire des États-Unis, la moitié des cours est dédiée à la détente de l'acteur via différentes techniques de respiration et de yoga.

Vous n'avez pas besoin de prendre des leçons de yoga!

Mais en ligne, il y a beaucoup de vidéos qui vous donnent des techniques.

Par exemple: celle de la cohérence cardiaque qui synchronise notre respiration sur nos battements de cœur; ou encore la respiration carrée, où l'on bloque puis on inspire sur 4 secondes et on bloque poumons pleins durant 4 secondes, puis on expire sur 4 secondes et on bloque poumons vides durant 4 secondes et ceci sur plusieurs séries.

Je conseille d'utiliser ces techniques de lâcher-prise instantané juste avant un casting ou d’attaquer une séquence, cela va calmer votre trac et vous détendre laissant donc toute la place à votre personnage.

2 - méditation de pleine conscience:

Cette pratique prônée par les sagesses orientales intéresse depuis longtemps les neuroscientifiques et psychologues, et je pense que vous, les acteurs n'avez pas encore pris toute la mesure de la puissance de cet outil.

Cela permet d'acquérir la paix intérieure, de réduire le stress.

Aujourd'hui, nous disposons d'un nombre relativement important d'études scientifiquement valides prouvant une réelle efficacité pour guérir de nombreux troubles nerveux.

Personnellement, il a ouvert "les antennes aux sensations": J'ai l'impression d'écouter quelqu'un de plus sans avoir besoin de parler.

Cette pratique nous permet de nous mettre de côté pour voir les situations et les événements avec plus de sérénité: on tourne intentionnellement son esprit vers le moment présent: perceptions du rythme respiratoire, des sensations corporelles, de ce que l’on voit et entend, de l’état émotionnel, des pensées qui vont et viennent...

En bref, il vous permet d'évacuer plus rapidement ce qui est source de confusion dans votre cerveau.

La méditation vous permettra de vous familiariser avec vos propres émotions de sorte que vous puissiez les prêter à vos personnages.

3 - le coaching régulier pour se tester et expérimenter

Travailler avec un coach de façon régulière en tant que sportif qui s'entraîne avec son coach avant chaque compétition.

Il est essentiel d'avoir un endroit où expérimenter, essayer d'avoir tort, parce que c'est avec l'erreur qu'on apprend vraiment.

D'atelier en atelier, vous allez bien évidemment vous détendre sur l'exercice de l'acteur, c'est ça aussi le lâcher-prise! c'est de relâcher la pression que vous avez sur les épaules: de ne plus écouter la petite voix de l’ego qui vous dit “je dois être bon comédien, je dois être à la hauteur de ce qu’on me demande”.

Écoutez plutôt vos sensations, celles qui vous disent :

“je m'éclate! je vis le personnage et une situation qui me procure beaucoup de plaisir.”

A force de travailler avec un coach vous ne réfléchissez plus ! Jouer devient naturel, familier, agréable, pour vous permettre de lâcher prise.

4 - l’hypnose:

L’hypnose nécessite moins d'efforts que la méditation, qui elle, demande au minimum 10-15 minutes de séance par jour mais tout en étant gratuite.

Mais, avec un peu d'argent, vous pouvez trouver un bon thérapeute et suivre plusieurs séances dans le temps en fonction de ce que vous souhaitez travailler sur.Cependant, vous devez être réceptif à l'hypnose et non tout le monde est! et en général, les gens me disent que c'est seulement lorsqu'on a quelque chose à corriger, comme arrêter de fumer, le classique...

Mais avec un thérapeute, on travaille sur les émotions, on va les comprendre, les corriger, ce qui est difficile à faire seul dans sa vie pris dans le tourbillon du quotidien.

Pour exemple, lorsqu’un acteur avec qui je travaille me dit qu’il a du mal avec la colère, ceci résulte souvent d’un blocage lié à ses souvenirs, un malaise refoulé, et donc ce comédien aura vraiment plus de mal à jouer des personnages en colère, or il est très intéressant d’être capable de jouer sur les nuances entre la colère sourde et la colère sanguine.

5 - voir un psychologue pour soigner ses blessures:

Ici, évidemment, c'est très efficace, mais cela prend beaucoup de temps et d'argent.Mais honnêtement, je pense qu'aujourd'hui, vous ne pouvez pas vous passer d'un psychologue si vous êtes une personne avec des blocages vraiment significatifs qui sclérosent votre jeu.

Ce sera le dernier recours si les quatre autres ne l'ont pas fait auparavant.

conclusion

Ces 5 techniques ne sont pas les seules évidemment.

Donc n’hésitez pas à décrire la vôtre dans les commentaires pour partager avec d’autres comédiens/comédiennes.

Mais ces techniques peuvent être cumulables entres elles;

elles dépendent véritablement de la nature de vos blocages, à vous de voir si pour atteindre votre lâcher-prise, vous ressentez le besoin voir un psychologue, ou si simplement vous avez besoin de séances de respiration, certaines techniques étant plus efficaces sur le long terme que d’autres, à vous de les explorer!

Donc pour conclure, si vous apprenez à bien vous connaître, vous n’aurez plus peur de vos fragilités, comprenez-les et acceptez-les, et les bienfaits viendront d’eux-mêmes.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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LE PERSONNAGE : 5 TECHNIQUES POUR TRAVAILLER SON PERSO

Sun, 19 Mar 2023 14:02:08 GMT

LE PERSONNAGE : 5 TECHNIQUES POUR TRAVAILLER SON PERSONNAGE

J'ai une question pour vous : votre personnage au cinéma, est-ce un rôle de composition ou est-ce vous ?

On vous l’assène dès le début que vous vous intéressez au métier de comédien : “bosse ton perso !”

alors dans cet article je vous donne mes 5 techniques pour travailler son personnage au cinéma !

1er technique : Faites connaissance avec votre perso :

les questions de 20 à 50

Afin de faire connaissance, il est important de pouvoir dialoguer avec lui. Pour cela, mettez-vous devant un miroir avec une feuille blanche sur le visage et dites à votre personnage ce que vous pensez de lui mais en le défendant comme un ami.

2e technique : Soyez votre propre auteur :

Il est primordial de déterminer l’objectif global, de découvrir le secret de votre personnage.

Posez-vous les questions suivantes:

Quel est l’objectif narratif? Quel est l’objectif de la séquence? Y a-t-il des obstacles à atteindre ces objectifs?

3e technique : Cherchez-le dans votre corps:

Dans votre comportement physique: en analysant et comparant vos démarches et postures assises, debout...

Dans votre comportement émotionnel: comment vous sentez-vous dans tel ou tel lieu? quand il fait froid, chaud? en présence d’odeurs... à l'aise ou agressé? par lesquelles? et l’environnement? Comment influe-t-il sur vos sensations? ...

Dans votre présentation physique: votre coiffure, vos accessoires, votre style?

4e technique : Quelle est votre état d'âme de départ (émotion tampon):

Votre passif immédiat ne doit pas influencer votre personnage: Soyez attentif à votre situation juste avant un tournage ou un casting, soyez conscient de cette réalité qui sera toujours là, mais vous avez appris à le gérer avec mes articles précédents.

5e technique : Cherchez l'interaction avec les autres personnages

Qu’est-ce qu'il vous renvoie? du positif ou quelque chose de désagréable?

Jusqu’où se situe votre interdépendance?

Qui est l'émetteur, le récepteur?

Observez et découvrez ce que vous donne l’autre, car c’est ce qui va déterminer vos réactions, cela est un point très important.

conclusion :

Votre perso doit devenir votre meilleur(e) ami(e) même s’il s’agit d’un rôle de méchant(e).

Votre relation intime avec lui va déterminer votre jeu et donc la sincérité de vos émotions, il faut qu’il soit le plus proche de vous, sans toutefois être vous!

Nommez-le, parlez-lui et demandez-lui de venir à vous avant d’aller sur un tournage ou un casting, et dites “Je” quand vous répétez avec un real ou un coach.

Il y a un équilibre à trouver entre la distanciation psychologique et le rapprochement émotionnel du personnage et de vous-même.

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Eddy Creuzet

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT EVITER LE SUR JEU ? COMPRENDRE LA SEQUENCE ( LE SCÉNARIO)

Mon, 13 Mar 2023 17:00:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT EVITER LE SUR JEU ? COMPRENDRE LA SEQUENCE ( LE SCÉNARIO)

Vous ne pouvez pas interpréter sincèrement un rôle si vous n'avez pas compris parfaitement le texte . L’histoire que l’auteur raconte !

La technique: c'est vous transformer en inspecteur de police ou bien en journaliste d'investigation :

Posez toutes les questions dont vous avez besoin pour jouer votre rôle

Vous pouvez écrire une interview question-réponse

Vous devez connaître :

Quelle est la situation ?

Qui sont les personnages et leur but ?

Quel est la légende de mon personnage : âge, métier, enfance, formation professionnelle etc

Quelles sont ses émotions ?

Quels sont les enjeux ?

Si vous n'avez pas ces informations : vous devez les inventer !

Ce travail se fait bien avant d'apprendre le texte

Ce travail va vous aider à bien incarner ce personnage

Cela vous servira énormément si on vous demande d'improviser lors des castings

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT JOUER DES CONFLITS ? CAR C'EST LA FAUTE DE L'AUTRE

Mon, 27 Feb 2023 17:00:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT JOUER DES CONFLITS ? CAR C'EST LA FAUTE DE L'AUTRE

Dans la vie de tous les jours, on nous apprend par la psychologie positive , le développement personnel ,coaching du bonheur qu'il est temps d'arrêter de remettre toujours la responsabilité sur l'autre et qu'il faut se remettre en question…

Mais dans la fiction au contraire on va toujours chercher le conflit.

Les scénaristes vont écrire des obstacles au but des personnages

Ces obstacles en tant qu'acteur sont soit interne soit externe soit les deux et pour vous aider à amplifier cette tension dramatique dans votre rôle dites-vous une chose simple :

“Tout ce qui arrive de négatif à votre personnage est la conséquence et la faute de l'autre personnage” !!!

Même si ce n'est pas explicite dans le scénario même si ce n'est pas écrit noir sur blanc, c'est simplement une pensée puissante qu'il faut avoir. Évidemment il faudra faire appel à votre imaginaire

Avec cette technique, vous allez enrichir l'intériorité de votre rôle

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT VIVRE LES EMOTIONS GRACE À LA TECHNIQUE DES POINTILLÉS

Mon, 13 Feb 2023 17:00:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT VIVRE LES EMOTIONS GRACE À LA TECHNIQUE DES POINTILLÉS ?

C'est quoi la technique des pointillés ?

Vous voyez sur la route le marquage au sol de la circulation ? c'est la place laissée ou non à l'émotion

Les lignes blanches représentent les répliques de votre rôle

Si la ligne blanche est continue, l'émotion n’a pas la place de passer entre vos répliques, il faut donc imaginer des lignes discontinues.

Et qu'à chaque fois qu'il y a l'espace entre deux lignes blanches, l'émotion peut s'exprimer :

Via le mouvement du corps

Via la respiration

Via les micros expressions du visage

En clair, lorsque vous ne parlez pas, le non-verbal prend le relais et au cinéma la caméra va capter ce non verbal comme une loupe.

Alors entre deux lignes blanches donc deux répliques, entre deux groupements de phrases d’une même intention, vous devez repérer ces espaces entre ces lignes et laissez-vous porter par les sensations de ce que vous êtes en train de vivre. De ce que vous venez de dire. Et de ce que vous êtes en train d'écouter, un partenaire par exemple qui vous répond.

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Conseils Acting Jeu Caméra : COMMENT CREER BONNE RUPTURE DE JEU SINCÈRE?

Mon, 30 Jan 2023 16:45:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

COMMENT CREER BONNE RUPTURE DE JEU SINCÈRE?

Une rupture, c'est un changement brusque d'intentio n, de jeu, d'émotion, de réplique, de rythme, de volume de voix ou d'actions

Pour faire éclater une émotion : Prenez par exemple l'image de l'eau d'un barrage qui pousse sur la parois et qui sort à grands jets puissants l'autre côté par les vannes

La pression de l'eau est votre émotion e t les vannes de l'autre côté du barrage c’est votre corps, vos yeux , vos micros expressions, la respiration….

Ou encore une autre image : la casserole l'eau qui bout et qui va déborder

Vous devez d'abord intérioriser votre émotion, la faire monter en amplitude, la faire bouillir : à ce moment-là on va la voir sortir par vos yeux, par vos corps par votre respiration et à un moment prévu vous pourrez laisser éclater, exploser votre émotions pour créer une rupture sincère.

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Acting infos : CINÉMA ET SÉRIES TV : + de TOURNAGES EN RÉGION SUD

Thu, 26 Jan 2023 13:45:00 GMT

CINÉMA ET SÉRIES TV : EN 2022 LE NOMBRE DE TOURNAGE A AUGMENTER EN RÉGION SUD

#conseils #Acting #coachdacteur #atelieracting #stageacteur #bandedémocomedien #démoactrice #entrainementacteur #jeucamera #acting #techniqueacteur #comedienne #comédien

Parmi tous les recaps 2022, La Région Sud nous annonce une bonne nouvelle avec la forte augmentation des tournages produits dans notre région. Une bonne nouvelle pour l'économie et les professions de l'audiovisuel et bien sur pour le tourisme.

Voici le lien pour lire l'article sur le site de la région sud: ici

Eddy Creuzet

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Acting : Des Idées Lire :Incarner une série:

Sun, 22 Jan 2023 11:00:00 GMT

Incarner une série: Témoignages croisés et confidences des interprètes de séries françaises et internationales

de Pierre Langlais

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Les actrices et acteurs de séries vivent toutes et tous un long travail d’identification, de distanciation et de lâcher-prise , pour se glisser dans la peau de celles et ceux qui deviendront nos amis, nos ennemis, notre famille, nos miroirs.

À quoi ressemble leur rencontre avec leurs doubles de fiction ? Quel rôle jouent-ils dans la définition de leur apparence et de leur psychologie ? Comment s’entendent-ils avec les scénaristes et les réalisateurs qui guident leur chemin ? Leur rapport au rire ou aux larmes évolue-t- il sur la durée ? Leurs émotions sont-elles différentes de celles qu’ils ressentent au théâtre ou au cinéma ? Comment parviennent-ils, au terme de leurs séries, à se défaire d’une âme si longtemps portée et à enchaîner avec un autre rôle ?

Après avoir donné la parole aux créatrices et créateurs de séries dans Créer une série , Pierre Langlais réalise un contrechamp en s’intéressant à leurs interprètes. Incarner une série est un spin-off . C’est un partage d’expériences, à partir des témoignages de treize comédiennes et comédiens aux origines diverses, connus pour leurs rôles dans des séries majeures, de genres et de formats différents. Une série en vingt-cinq épisodes.

Avec la participation de
Alice Belaïdi ( Hippocrate )
Michael Boatman ( The Good Fight )
Amy Brenneman ( The Leftovers )
John Doman ( The Wire )
Audrey Fleurot ( Un village français )
Sara Giraudeau ( Le Bureau des légendes )
Bill Hader ( Barry )
Jared Harris ( The Terror )
Laurent Kerosuré ( Plus belle la vie )
Chris Meloni ( Law & Order )
Harold Perrineau ( Lost )
Abigail Spencer ( Rectify )
Russell Tovey ( Years and Years )

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Conseils Acting Jeu Caméra : Pour créer une émotion de la peur

Mon, 16 Jan 2023 16:30:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

TECHNIQUES POUR CRÉER UNE EMOTION DE LA PEUR

Pour faire suite à l'article précédent, la technique du jour est basée sur la respiration pour créer une tension dans votre personnage il faut créer une tension dans votre corps.

Pour cela , il faut identifier les expressions corporelles de l'émotion que vous jouez:

Pour la peur :

Corps tendu: bloquer votre corps , bandez vos muscles, ne bougez plus rien, vous êtes figé.

Votre respiration est saccadée, bloquer votre respiration avant d'expirer par saccade sur vos répliques.

La voix : elle est directement liée à votre respiration, elle est rauque, criarde, étranglée, elle reste dans la la gorge et vos mots sont hachés

Le visage : tendue, grimaçant et déformé

Cette technique d’expression donne un message à votre cerveau que quelque chose ne va pas dans votre corps

A force d'entraînement, vous allez ensuite ressentir les effets physiologiques : frisson, le sang qui se glace, des tremblements.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Conseils Acting en vidéo

Thu, 12 Jan 2023 11:16:30 GMT

Conseils Acting en vidéo sur Instagram, Short et Tiktok

Bonjour j'ai décidé de me reprendre ma série de vidéos conseils et technique je caméra pour Acteur et Actrice mais cette fois pour les réseaux sociaux spécifiquement pour "short de YouTube" "Instagram" et "Tiktok"

Chaque semaine je vais en une minute vous donner mes tips, mes conseils et des techniques autour toujours du jeu caméra.

Alors je vous donne rendez-vous sur mes différents réseaux sociaux, n'hésitez pas à commenter, à vous abonner et je vous dis à bientôt!

Youtube : https://www.youtube.com/@ActingStageSudJeuActeurCamera/shorts

Instagram : https://www.instagram.com/eddy_coachacteur/

Tiktok : https://www.tiktok.com/@eddyacting

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Stage formation jeu caméra 5 jours du 6 au 10 mars

Mon, 09 Jan 2023 08:30:00 GMT

Stage formation jeu caméra 5 jours du 6 au 10 mars

Formation de 5 jours aux techniques spécifiques du jeu face caméra

* Formation jeu caméra avec possibilité de prise en charge avec vos droits à la formation ( Adfdas, Fifpl, Pole emploi)

Quelle Heure ?

10h - 17h

pour qui ?

à partir de 18 ans avec déjà une expérience de jeu théâtre ou autre

Où?

à Aix-en-Provence

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série

Visionnage et analyse des essais filmés

FORMATION PRIS EN CHARGE PAR VOS DROITS À LA FORMATION (Fifpl, Pôle emploi ou Afdass ) : CONTACTEZ NOUS !

à bientôt

Eddy Creuzet

Je suis coach d'acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site vidéo corporate : https://www.actfilm.fr

Site film fiction : www.eddycreuzet-realisateur.fr

Facebook : https://www.facebook.com/actfilm/

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Stage mensuel jeu caméra : Samedi 21 janvier

Fri, 06 Jan 2023 09:46:02 GMT

Stage mensuel Jeu caméra

21 janvier

Stage acting + entraînement de l'Acteur formation aux techniques spécifiques du jeu face caméra

"L'Entraînement et techniques jeu Cinéma de l'Acteur" dans le Sud :

échauffement émotionnel, impro guidée, techniques cinéma et coaching tournage d'une séquence de film ou de série et Entraînement Casting

10h-17h à Aix en Provence LE SAMEDI chaque mois !

Entraînement au jeu face caméra sur 1 samedi par mois.

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Lieu : Centre Ressource - Pôle d’activités d’Aix-en-Provence de 10h -17h00

Places limitées à 8 participants

"Rien ne remplace une véritable expérience de "Plateau de Tournage" ( long métrage, court-métrage , série TV ou série Web. Je ne donne pas de "Cours" Jeu Caméra mais je propose un "Entrainement", une formation aux techniques du jeu cinéma, un atelier d'expérimentation, pour prendre confiance, se découvrir en tant qu'acteur(trice) et faire pont avec le "Jeu Théâtre "

Pour qui ?

Pour l es comédiens de théâtre qui souhaitent faire la passerelle entre le jeu scénique et le jeu caméra.

Pour les acteurs pros qui souhaitent s’entraîner, garder ou acquérir une efficacité de jeu dans l’instant.

Pour les apprentis comédiens qui souhaitent découvrir le jeu d’acteur.

Avec un minimum d’expérience requise (quelques cours de théâtre ou autres expériences)

Age : de 18 à ...

Nombre de places limité à 8 participants

à bientôt

Eddy Creuzet

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Stage jeu caméra 9-13ans : Samedi 04 février

Thu, 05 Jan 2023 11:45:00 GMT

Stage Jeu caméra 9-13ans

samedi 4 février

Découverte de l'acting pour les enfants et pré-ado aux techniques spécifiques du jeu face caméra

Quelle Heure ?

10h - 17h

pour qui ?

9-13 ans qui ont déjà une expérience de jeu théâtre ou autre

Où?

à Aix-en-Provence

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Exercice d'échauffement
travail sur séquence de film ou de série

Visionnage et analyse des essais filmés

à bientôt

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Conseils Acting Jeu Caméra : APPRENEZ À RESPIRER

Mon, 02 Jan 2023 16:15:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

TECHNIQUES POUR APPRENEZ À RESPIRER

La respiration est la technique numéro un de l'acteur

Il vous faut savoir gérer et maîtriser votre respiration pour jouer la comédie

Si ce n'est pas le cas mes conseils : faire du yoga, du sport, du chant où toutes les techniques de cohérence cardiaque.

Comme le chanteur , votre respiration doit être abdominale.

Elle permet de porter la voix ou non, elle permet d’en maîtriser le flux, son rythme en fonction de vos répliques et de vos émotions

Quand l'émotion monte, le cœur s'accélère, vous ne pouvez plus respirer par le nez.

Donc voici une astuce pour faire monter l'émotion : respirer avec la bouche , profondément

Vous allez alors donner l’information à votre cerveau que quelque chose se passe dans votre corps.

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Coach d’acteurs depuis 2015 chez Acting Sud

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Conseils Acting Jeu Caméra : TECHNIQUE POUR CESSER DE PENSER PAR VOUS-MÊME

Fri, 23 Dec 2022 16:00:00 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

TECHNIQUE POUR CESSER DE PENSER PAR VOUS-MÊME

En tant qu'acteur, actrice, pour que vous puissiez jouer juste : il suffit souvent de ne pas “jouer” mais d'être le personnage. Une des techniques parmi tant d'autres : c'est de penser comme le personnage.

Alors voici mes 3 conseils pour penser comme le personnage:

1- Connaître parfaitement le personnage. Il faut qu'il devienne un intime. Si vous n'avez pas assez d'informations autour du rôle ou dans la dans le scénario: inventer sa vie

2- Identifier le but de votre personnage dans chaque séquence et ne le lâchez jamais !

3 - Pour penser comme le personnage, il faut vous débarrasser de vos propres pensées : ne pas penser au texte, ne pas penser à ce que vous faites et ne pas anticiper l'action du scénario, vivez l'instant présent (oublier le déroulé de l'histoire de la séquence).

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Conseils Acting Jeu Caméra Comment Savoir que vous avez appris votre texte par cœur

Thu, 15 Dec 2022 15:49:10 GMT

Conseils Acting Jeu Caméra

Comment Savoir que vous avez appris votre texte par cœur

En tant qu'acteur actrice, apprendre un texte, c'est du quotidien, ça fait partie du métier.

Chacun a sa technique pour apprendre par cœur je ferai un autre article avec deux trois techniques qui peuvent vous aider à apprendre par cœur.

Mais comment être certain que votre texte soit appris par cœur avant d'aller à un casting sur un tournage ou bien sur un stage ?

Voici mes 4 conseils pour vous aider à savoir si vous votre texte et bien infuser en vous :

1- réciter à voix haute et à plat sans expression le texte tranquillement sans buter et sans hésitation plusieurs fois d'affilée

2- dire le texte dans une action automatique du corps ( conduite, faire la vaisselle, le ménage…)

3- dire le texte avec différentes voix, tons, en criant, en chuchotant en faisant des voix grave des voix aiguë

4- réviser son texte chaque jour avant le tournage

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Stage cinéma pour Ado 14-17 ans : Samedi 7 janvier

Fri, 04 Nov 2022 16:26:42 GMT

Stage Ado Jeu caméra 14-17ans

7 janvier 2023

Découverte de l'acting pour les Adolescents aux techniques spécifiques du jeu face caméra

à bientôt

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Stage mensuel jeu caméra : Samedi 17 décembre

Fri, 04 Nov 2022 16:24:29 GMT

Stage mensuel Jeu caméra

17 décembre 2022

Découverte de l'acting + entraînement de l'Acteur formation aux techniques spécifiques du jeu face caméra

"L'Entraînement et techniques jeu Cinéma de l'Acteur" dans le Sud :

échauffement émotionnel, impro guidée, techniques cinéma et coaching tournage d'une séquence de film ou de série et Entraînement Casting

10h-17h à Aix en Provence LE SAMEDI

Entraînement au jeu face caméra sur 1 samedi par mois.

Au Programme :

Chaque exercice sera suivi d’une analyse par retour vidéo : c’est la caméra qui juge !

Lieu : Centre Ressource - Pôle d’activités d’Aix-en-Provence de 10h -17h00

Places limitées à 8 participants

Pour qui ?

Pour l es comédiens de théâtre qui souhaitent faire la passerelle entre le jeu scénique et le jeu caméra.

Pour les acteurs pros qui souhaitent s’entraîner, garder ou acquérir une efficacité de jeu dans l’instant.

Pour les apprentis comédiens qui souhaitent découvrir le jeu d’acteur.

Avec un minimum d’expérience requise (quelques cours de théâtre ou autres expériences)

Age : de 18 à ...

Nombre de places limité à 8 participants

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LE SOUS TEXTE DE L’ACTEUR-TRICE : 5 TECHNIQUES POUR CRÉER SON DIALOGUE INTERNE

Tue, 01 Nov 2022 16:45:00 GMT

LE SOUS TEXTE DE L’ACTEUR-TRICE :

5 TECHNIQUES POUR CRÉER SON DIALOGUE INTERNE

intro :

J'ai une question pour vous : à quoi vous pensez quand vous jouez ?

Nous en parler de sous texte du comédien du dialogue interne de l'acteur le sous texte on

l'appelle ça aussi le dialogue interne c'est la pensée du personnage c'est tout sauf la vôtre en tant qu acteur actrice c'est vraiment celle du personnage ceux qui pensent à l'instant t

au moment où il est en train de vivre la situation comme le cerveau n'aime pas

le vide et puis je pense c'est impossible d'avoir un cerveau vide on doit

forcément le remplacer par quelque chose donc si on enlève sa propre pensée on la remplace ben logiquement par celle du personnage dans cette vidéo

Je vais vous proposer cinq techniques pour créer votre propre dialogue interne et on commence tout de suite par la première technique forcément le pas commencer par la cinquième ce serait un peu bizarre

première technique

donc c'est de se répéter un mantra continuellement un mantra c'est une un mot ou quelques mots très très court qui va être répétée que vous aller répéter sans cesse dans votre cerveau comme par exemple je suis en colère chez en colère j'en connait enfin monter une émotion où je l'aï djendjen ou cham ou rush amoureux chameraud des phrases sur une émotion sur une intention sur une action genre le tout jeune étudiant et le tuer au contraire je l'embrassé l'embrasser je l'embrassé vous prenez ce mot ce bout de phrase et vous répéter comme ça en boucle

deuxième technique

pour créer votre sous texte et autres dialogue interne c'est de répéter tout simplement la réplique carrière en tout cas le petit bout de répliques qui arrive ça dépend du temps que vous avez pendant votre silence où il ya toujours des signes ans partout dans le jeu normalement on doit vous apprendre à

jouer les silences quand vous êtes acteur actrice vous êtes toujours des silences pour

pouvoir me faire monter l'émotion des silences pour amener une action bref les

sciences font partie intégrante du jeu l'acte donc pendant ses silences et bien pour

faire monter ses intentions ses émotions le sous texte est indispensable

notamment avec pourquoi pas une réplique qui arrive la réplique qui arrive surtout au début quand on connait pas trop le texte on peut s'aider vraiment de commencer à attire la réplique c'est par exemple météo hier soir donc qu'on peut la répéter tu étais où hier soir tu

étais où hier soir en fait on reprend l'idée du mantra mais cette fois en prenant carrément mais vraiment la réplique mot pour mot deux avantages c'est que du coup ben vous allez sortir la vraie bonne réplique parfaitement si vous avez un réalisateur qui est vraiment très précis en termes de dialogue et puis deuxième effet c'est que du coup vous allez monter en puissance vous charger sur cette réplique pour faire sortir l'émotion juste

troisième technique

pour vous créez votre dialogue interne c'est d'amplifier à penser quand je dis amplifié c'est à dire que quand vous pensez comme si je reprends l'exemple du mantra de dire je laime et puis on lui dire je t'aime on va l'amplifier c'est je t'aime à mourir si tu le refus je meurs à un instant t maître de l'enjeu l'enjeu vital dans votre pensée vraiment s'est amplifiée si l inverse ou le détester c'est pas je te déteste ces juteux et je vais te tuer j'ai envie de t'étrangler j'ai envie de te que tu meurs oui des choses qui sont violents peut être quand on parle de caen c'est négatif mais aussi peut-être qu'il hante aussi quand on est positif quand on est amoureux du teil manche amoureux de toi que je peux me tailler

les veines si tu me dis l'envoyer c'est bien sûr toujours la pensée les

personnages à l'instant t donc vous amplifié constamment votre pensée quatrième maintenant non

quatrième technique

oui comme ça pour créer votre dialogue interne c'est 2 d'expliquer de comprendre quel est le sous-texte vraiment du dialogue qu'elle est qu'est-ce qui se cache sous ce dialogue que vous allez dire en tant qu acteur actrice qu'est ce qui se cache derrière vraiment quelle est la signification de ce dialogue c'est un travail à faire en amont évidemment de l'action au moment donc du silence qui précède ou la respiration qui précède ce dialogue vous allez être dans ce sous texte exemple si le personnage dit j'aimerais bien que la prochaine fois tu prennes avant si vous analysez sous texte et vous vous dites au contraire il en train de raconter quoi que la prochaine fois que tu fais une connerie pareille je te vire vous expliquer vraiment calé l'attention de ceux sous texte vous allez encore être plus fort lorsque vous allez donner et dire c'est de se dire rock

cinquième technique

pour créer un dialogue interne force et d'injurier ben ouais tu est grossier bah ouais d'être vulgaire bah oui c'est dans votre tête de toute façon donc personne n'en sera rien vous pouvez insulter votre partenaire personnage vous êtes libre de penser ce que vous voulez personne ni dans vous pensez encore je crois pas qu'on ait inventé ça peut-être google plus tard un google things je sais pas franchement c'était pas cool ça c'est votre réplique qui est de répliques d'un personnage qui justement est un peu timide cause pas trop dire les choses si vous pensez plus fort en disant tu es une vraie cause ou d'un vrai quand t'es qu'un fils qu'il nous entende et debbie parce que je veux pas dire ces gros mots là youtube va me donc si vous êtes si vous insultez réellement en pensant et en disant cette réplique ensuite tu es vraiment pas cool mais que tu penses tu es vraiment cacao forcément dans l'intention dans le phrasé dans les yeux dans le corps ça va être encore plus sincère donc pensez-y accusé injurié soyez grossier vulgaire pour être encore plus fort dans votre sincérité

conclusion

le mental est en soutien avec le corps comme le corps ait pu être en

soutien avec le mental tout ça c'est lié ça fait que des va et vient donc votre propre pensée d'acteurs d'actrice est à proscrire ça tombe sous le sens si vous pensez en tant qu'individu en tant qu'actrice acteurs au moment où vous jouez vous n'êtes pas dedans je vous renvoie sur une vidéo qui est là où je parle de la création d'un personnage la création d'un personnage passe aussi par la pensée si vous aussi vous avez technique pour booster votre dialogue interne n'hésitez pas à les partager dans les commentaires en dessous ce

serait super sympa de votre part pour tout le monde

voilà on est dans un échange comme ça et on donne c'est cool

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Stage jeu caméra 9-13ans : Samedi 12 novembre

Mon, 17 Oct 2022 15:42:38 GMT

Stage Jeu caméra 9-13ans

12 novembre 2022

Découverte de l'acting pour les enfants et pré-ado aux techniques spécifiques du jeu face caméra

à bientôt

Eddy Creuzet

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Stage mensuel jeu caméra : Samedi 26 novembre

Mon, 17 Oct 2022 15:39:19 GMT

Stage mensuel Jeu caméra

26 novembre 2022

Découverte de l'acting + entraînement de l'Acteur formation aux techniques spécifiques du jeu face caméra

à bientôt

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Les 3 choses importantes pour être un bon acteur : 1- l’émotion, 2- l’émotion et 3- l’émotion

Sat, 30 Jul 2022 15:28:23 GMT

Les 3 choses importantes pour être un bon acteur : 1- l’émotion, 2- l’émotion et 3- l’émotion

On oublie assez souvent de se demander quel est le rôle d'un acteur. C’est la question que je pose aux acteurs(trices) lors de mes stages jeu caméra, lors de mes tournages ou d'entraînements Acting. Évidemment chacun a sa réponse, chacun a sa vérité et tant mieux car il n'y a pas qu’une seule définition! Il y a celle que vous sentez profondément en tant qu'acteur et qui vous motive, qui vous transcende à vouloir faire ce métier. En tant que réalisateur/directeur d’acteurs, je me dois de donner une définition du rôle de l'acteur, ce qui permet, je pense, d’avoir un but à atteindre, un cap à ne jamais perdre de vue : susciter de l'émotion chez le spectateur !

Comment l'acteur(trice) peut "générer" de l'émotion sincère ?

Vous avez réussi à déclencher de l'émotion chez le spectateur, bravo vous pouvez en être fier. C’est la phase finale de votre boulot car ce travail de transmission commence en amont. En premier lieu, l’acteur doit ressentir cette émotion ! Une émotion soit fabriquée de toutes pièces soit ressortie d’un souvenir personnel ( cet éternel débat fera partie d’un autre article). Cette émotion devient celle du personnage. Pour que le public croit en son personnage, à l'émotion qu’il ressent, l'acteur doit y croire dur comme fer !

J'entends parfois de la bouche d’acteur cette phrase : « comment veux-tu que je fasse cette scène ? » Ou « comment je fais pour jouer ce plan ? ». C'est souvent l'écueil de l’acteur inexpérimenté, c'est devoir « faire », « faire bien » « être un bon acteur ». Je pense plutôt qu'il faut dans « l’être », abandonner le verbe « faire » et « s’en foutre » (sorry pour mon langage) de bien jouer ou pas ! Demandez-vous plutôt si vous avez ressenti quelque chose ! L’acteur(trice) de cinéma doit penser à être « ici et maintenant », être dans la situation de la séquence, être dans le personnage et ses états d’âme et enfin, être dans l’émotion.

C'est vrai que certaines productions de séries télés quotidiennes exigent un rythme soutenu aux acteurs. Ce rythme ne permet pas de créer une atmosphère propice à la création d’émotions propres à la scène. Alors l'acteur a tendance à « plaquer » l’émotion, c’est-à-dire à ne pas vraiment ressentir celle-ci. D’autres paramètres, autres que le manque de temps peuvent empêcher l’acteur de bien travailler : le manque de direction d’acteur (souvent dans les courts-métrages d’école de cinéma, les apprentis réalisateurs ont peur de l’acteur : cela fera l’objet d’un article prochain). Et donc cela déclenche un manque de confiance en soi qui perturbe l’esprit de l’acteur, il se sclérose dans ce sentiment et perturbe l'essence même de son travail: créer l'émotion chez le spectateur.

La technique au service de l’émotion ?

Alors heureusement, la fiction c’est aussi de la technique au service de l’artistique, on arrive ainsi à l’aide d’effets de caméra, de la mise en scène et beaucoup du montage avec la musique a heureusement susciter l'émotion chez le spectateur (même si l'acteur n'était pas pleinement dans l’émotion au moment du tournage). Bien sûr pour moi « un mauvais acteur » est celui qui pense justement que la technique va se substituer à son travail de création d’émotion !

À l’inverse « le bon acteur » pour moi est celui qui sait que la technique cinéma va enrichir, appuyer, sublimer l’émotion mais que lui en amont doit l’avoir ressenti.

S'entraîner ? sans déconner ?

Deux exercices d’entraînement d’acteur pour conclure :

1- Profitez lors de répétitions de tournage, de stage acting jeu caméra ou bien encore lors de votre travail personnel à la maison, sur une séquence de fiction, de systématiquement attendre de ressentir l’émotion avant d’ouvrir la bouche, avant de dire votre réplique. Donnez vraiment ce temps à l’émotion, entraînez-vous souvent et vous verrez que ce temps diminuera bien sûr, cela deviendra un automatisme et votre cerveau deviendra plus rapide! Et vous serez prêts à tourner dans les productions « speed » des séries TV quotidiennes (entre autres !)

2-Prenez votre smartphone, imaginez-vous en train de recevoir un appel d’une personne que vous connaissez : lors de la sonnerie vous êtes content de décrocher et ensuite cette personne va partir dans un monologue et vous apporter des mauvaises nouvelles. N’imaginez pas une situation trop dramatique mais suffisamment problématique pour susciter de l’émotion chez vous. Ensuite prenez au moins 1 à 2 minutes pour écouter et faire monter les émotions (par paliers) et réagissez uniquement avec le corps, la respiration, de l’action ( marcher, allumer une cigarette, boire un verre d’eau etc. Ne mimez pas ! Vous faites du cinéma !). L’exercice s’arrête au moment de votre 1ère réplique qui sera vraisemblablement chargée d’émotion !

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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Penser comme le personnage, 3 techniques pour oublier de penser par vous même

Sat, 30 Jul 2022 14:51:14 GMT

Penser comme le personnage, 3 techniques pour oublier de penser par vous même

J'ai une question pour vous :

Quand vous jouez, à quoi vous pensez ?

Intro :

dans la vie de tous les jours c'est votre mental qui vous manipule; votre égo aussi bcp ! Égo très utile pour nous sortir de situations compliquées mais totalement néfastes pour nous laisser réfléchir paisiblement et surtout pour jouer la comédie !

"il faut que je sois bon; il faut que je fasse comme m'a dit le réalisateur; il faut que je n'oublie pas mon texte et cetera et cetera"

L'acteur lui va apprendre à manipuler son cerveau : c'est vous qui décidez

Première chose à faire: ne plus penser par vous-même

Après vous êtes mis dans la peau du personnage il va falloir penser comme lui de "action" jusqu'à "coupé"!

Alors voici mes 3 techniques pour penser comme le personnage

1ere technique

Débarrassez-vous de votre texte

Le cerveau ne peut penser qu'à une chose à la fois : concentrez-vous uniquement sur ce que vous avez à faire personnage

Noter toutes les pensées de votre personnage entre ses répliques

Répondre à chaque ligne du texte : Il pense à quoi ?

Improviser la séquence en disant les pensées à haute voix sans dire les répliques écrites

Conclusion

Si vous prêtez votre corps, age, voix votre visage à votre personnage pourquoi pas votre mental ?

Faites ce travail systématiquement au début de façon scolaire après ça va vite devenir un automatisme et vous aurez manipuler votre cerveau ! Bravo

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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le coaching d'acteur c'est quoi ? ça sert à quoi? les 5 avantages d’un bon coaching de comédien.

Sat, 30 Jul 2022 14:49:17 GMT

Le coaching d'acteur c'est quoi ? ça sert à quoi?

les 5 avantages d’un bon coaching de comédien.

Nous allons voir dans dans cet article les 5 avantages que vous retirerez en tant qu'acteur ou actrice d’un bon coaching comédien.

Ma définition du coaching d’acteur:

Il faut faire tout d'abord la différence avec la direction d'acteur qui, elle, concerne le tournage en lui-même car cela prend en compte de façon essentielle le casting, le choix de vos acteurs et actrices pour vos personnages. On s'accorde à dire dans le métier, que le casting c'est 50 % au minimum du travail de direction d'acteurs.

Ensuite c'est la relation entre vous et le réalisateur qui va être déterminante sur un plateau de tournage.

Comment vous allez vous laisser guider plus ou moins, comment vous allez être à l'écoute du réalisateur, comment vous allez réussir à retranscrire dans votre jeu toutes ces informations.

Ceci étant dit, vous allez voir que le coaching n'a rien à voir, sauf sur quelques points importants de méthode de travail d'acteur.

Je parle ici de la relation toujours entre vous comédien-comédienne et de votre coach:

qu’attendez-vous de lui d'elle?

Etes-vous prêts à lui faire totalement confiance? où avez-vous encore des retenues? un peu de pudeur ou de la gêne? bref tout cela ( le relationnel, le feeling avec cette personne) va être déterminant pour un travail efficace.

Ne travaillez pas avec un coach que vous ne supportez pas. Ceci est valable dans l'autre sens également: un coach ne travaillera pas avec un acteur-actrice avec qui ça ne passera pas bien.

Mon conseil pour travailler avec un coach, que ce soit en séance individuelle ou en groupe lors d'atelier ou de stage : vous devez être totalement investi avec votre corps et votre esprit comme si vous étiez sur un véritable tournage : votre engagement doit être le même.

Cela va vraiment déterminer le bénéfice du travail effectué.

les bienfaits pour vous! voici 5 avantages-conséquences si vous suivez un coaching comédien régulièrement.

1- la confiance en soi

Quand on a dit ça, on a tout dit! C'est la phrase générique du développement personnel que l’on entend partout depuis quelques années sur internet, mais je suis obligé d'en parler car c'est réellement la base, un fondamental pour être comédien.

Le coach va vous amener vers un travail totalement propre à vous, le coach est un guide, votre guide, et donc il va se baser sur ce que vous avez déjà en vous, ce qui est à corriger ou améliorer, et comme cela vient de vous, forcément vous allez vous dire “ah mais en fait je ne suis pas si nul que ça”, donc en conclusion vous vous estimerez bien mieux.

Il est indispensable d’avoir confiance en vous : il faut être comédien dans votre tête! même si vous êtes apprenti, débutant, ou si vous débutez à peine votre carrière.

N'attendez pas d'avoir un CV grand comme ça ou une bande démo de malade pour vous considérer mentalement comme un comédien.

2- sortir de l’isolement et travailler avec pleins d’acteurs-actrices nouveaux et des coaches différents:

Se confronter à l'autre, à votre partenaire, c’est la même chose qu'un tennisman qui joue avec un adversaire et non contre un mur : ce n'est pas du tout le même travail.

Votre métier de comédien est basé sur l'humain: les personnages que vous incarnez sont tous en interaction avec d'autres personnages, sans l'autre nous n'existons pas, donc il est essentiel d'échanger avec d'autres acteurs et actrices qui vont aussi vous apporter de nouvelles choses.

Les apports bénéfiques viennent de vous, du coach, et également de vos partenaires. Je le dis souvent dans mes ateliers quand les acteurs attendent leur tour pour travailler, je leur dis: “N'attendez pas, mais apprenez en regardant.”

Et puis évidemment, essayez de travailler avec différents coaches si vous le pouvez dans différentes matières, car les coaches sont tous différents.

En revanche, petit bémol sur le zapping: n’allez pas picorer à droite à gauche sans vous investir, je le répète lorsque vous vous lancez dans un travail avec un coach, c'est un travail de longue haleine, c'est travailler dans le temps avec la même personne. J’ai pu observer que le One Shot n’est pas efficace.

3- restez réactif, et garder la forme:

Avec un travail de coaching acteur régulier, vous êtes dans les starting-block, pour répondre à des castings pour demain, accepter des tournages sans vous mettre la pression.

Le coaching permet de ne pas avoir de rupture dans votre quotidien d'acteur ou d'actrice.

Rien n’est pire que d'attendre le casting et le tournage sans rien faire.

Imaginez-vous un sportif de haut niveau qui attend sa compétition sans s'entraîner sur le terrain ? Jamais de la vie! c'est incongru ! Vous êtes aussi des sportifs de haut niveau, donc le coaching c'est votre entraînement !

Vous gardez la forme, le rythme et vous apprenez de nouvelles choses, vous enrichissez vos compétences.

4- identifiez vos faiblesses et vos forces

Grâce à ce travail régulier, et bien justement vous allez mettre le doigt sur des choses sur lesquelles vous devez travailler un peu plus dur.

Travailler des émotions particulières, des personnages hors du commun ou au contraire très ordinaires et grâce à ça vous allez pouvoir déterminer vos faiblesses et ainsi travailler dur dessus.

Et c'est hyper important lorsque vous voulez par exemple monter votre bande démo.

5- Créer votre propre méthode

Lorsqu'on veut devenir acteur, et qu'on commence à se renseigner, on découvre qu'il existe pas mal de méthodes de travail.

Des écoles sont spécialisées dans telle ou telle méthode; je trouve cela assez dommage car je pense que toutes les méthodes sont bonnes; en tous cas, dans chaque méthode il y a des choses bonnes pour vous et c'est cela qui est important, c'est que vous puissiez piocher dans cette boîte à outils que des grands penseurs ou des grands acteurs ou des grands metteurs en scène ont constituée pour vous.

Vous allez donc pouvoir tester et mettre en pratique ces différentes méthodes lors de vos séances de coaching: une fois vous appréhendez un personnage avec la méthode Strasberg, une autre fois vous allez attaquer une nouvelle émotion avec la méthode de Stanislavski, la prochaine séance je travaillerai l'Actor Studio et aujourd'hui je travaille avec la méthode de Meisner.

Au final vous aurez le choix parmi toutes les méthodes d’opter pour celle qui vous ira le mieux afin d’anticiper chaque particularité de diverses œuvres filmiques.

Pour chaque nouveau rôle, vous devrez sans cesse vous réadapter, donc il est primordial de créer votre propre boîte à outils évolutive.

conclusion / résumé

Il est important pour moi de préciser que votre travail d’acteur, d'entraînement de renforcement de vos acquis, d'apprentissage de méthodes, de techniques de jeu doit se faire avec une tierce personne !

On l’appelle coach mais vous pouvez l’appeler directeur d'acteur, vous pouvez l'appeler répétiteur, ou “ma pote comédienne qui me donne un coup de main” qu'importe,

ce qui est essentiel c'est de travailler avec quelqu'un, pourquoi ?

car sur un tournage, votre premier public, donc celui ou celle qui va recevoir votre jeu, c’est bien sûr le réalisateur!

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

Je coache des acteurs-trices en ateliers et stages jeu-caméra à Aix-en-Provence :

https://www.acting-stage-sud.com

Pour me suivre :

Site film fiction : www.eddycreuzet.fr

Instagram : https://www.instagram.com/eddycreuzet/

COMMENT CRÉER UNE EMOTION SINCÈRE : 3 TECHNIQUES POUR ACTEUR

Sat, 30 Jul 2022 14:46:13 GMT

COMMENT CRÉER UNE EMOTION SINCÈRE

3 TECHNIQUES POUR ACTEUR

Trois techniques pour créer une émotion sincère

J'ai une question pour vous : c'est l'acteur qui doit ressentir une émotion ou le personnage ?

Dans cette vidéo acting techniques et conseils jeu caméra géant voir mes trois techniques pour créer une émotion sincère

Intro

j'ai entendu un acteur connu dire que ce n'est pas à lui de ressentir une émotion mais au spectateur qui regarde le film

On pourrait jouer sur le mot ressentir et créer une émotion

Je vous laisse à votre propre réflexion

Toujours est-il que si le but à atteindre est de d'émouvoir le spectateur il faut bien que ça parte quelque part

Le cinéma est un art collectif où l'on sait que l'émotion peut-être créé par un ensemble de choses : la situation le jeu d'acteur le dialogue le jeu du montage et la musique ect

Donc l'acteur à sa part

Voici donc mes trois techniques pour créé une émotion sincère

1ere

Être croyant

Croire en votre personnage à fond

Être le plus proche de lui

Le comprendre même si c'est une un personnage néfaste

Voir l'admirer

N'ayez aucune distance avec votre personnage même si c'est un tout petit rôle dans un petit court-métrage

Car ça n'existe pas il y a que des petits acteurs

Croire en la situation

Même si vous devez user de votre imaginaire: la situation de votre personnage doit être totalement crédible à vos yeux et à votre cœur

C'est un enfant qui dans sa chambre se projette sur un bateau au fin fond de l'océan en pleine tempête et qui est ramené dans la réalité par la voix de ses parents qui lui crie de venir à table

Vous devez faire la même chose et revenir à la réalité quand on vous entendez "couper"

Certains appellent ça aussi le lâcher prise

L'abandon de l'acteur

Arrêter de contrôler plonger la tête la première dans cette piscine

Ne craignez rien l'eau est chaude et vous avez pied

Observer et Reproduire les expression physiologique des émotions

Ça demande d'une étude de soi et des autres comme par exemple d'observer comment un acteur dans un film se comporte physiquement lorsqu'il a peur lorsqu'il pleure lorsqu'il se met en colère exetera

Vous observer également lorsque vous ressentez les émotions dans votre propre vie comment votre corps s'exprime :

Avez-vous des frissons ici des rougeurs la des tremblements la bouche pâteuse le corps qui se recroqueviller au contraire qui se tend comme un arc

Cette grande étude de l'intime vous servira ensuite à reproduire devant la caméra l'expression corporelle de telle ou telle émotion ressenti par votre personnage

Programmation de votre cerveau

Dans la vie nos pensées se confondent avec la réalité ce qui va nous créer des émotions plus ou moins agréable

La méditation par exemple permet de se détacher de ses pensées de temps en temps pour nous faire comprendre que nous ne sommes pas nos pensées

Nos pensées sont totalement créée par notre mental elle ne correspondent pas à une réalité immédiate

Souvent on ressasse le passé ou alors on craint le futur

Alors c'est exactement ce concept qui nous intéresse en tant qu'acteur

De créer les pensées du personnage comme une réalité

Si vous pensez sont fortes et correspondent parfaitement à ce que ressent votre personnage, votre cerveau va croire que c'est la réalité donc va donc par exemple accéléré le rythme cardiaque et provoquer tout un tas de réaction chimique du à cette pensée et l'émotion va se fabriquer sous vos yeux et devant la caméra

C'est 3 technique ne sont pas magiques

Il ne faut pas attendre comme je dis souvent le tournage

Il faut bien entendu s'exercer, s'entraîner, et tester lors de vos travaux à la maison ou de stage ou de coaching d'acting

Voilà avec ça vous êtes fin prêts pour faire vos gammes d'acteur actrice dès maintenant lâcher votre écran et bosser sur une séquence

Merci de m'avoir lu

Eddy Creuzet

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INT JOUR STUDIO ACTING

J'ANALYSE LE JEU CAMÉRA D'UNE SCENE DU FILM - CE QUI NOUS LIE de Cédric Klapisch

Pourquoi analyser des scènes professionnelles avant de travailler les tiennes ?

Comment distinguer ce qui est objectif dans la scène de ce qui est interprétation ?

Comment situer la scène dans l’histoire du film pour mieux la comprendre ?

Pourquoi observer l’entrée d’un personnage avant même sa première réplique ?

Comment lire les corps pour repérer la distance émotionnelle ?

Comment travailler un sous-texte simple sans le surjouer ?

Comment identifier la première rupture émotionnelle dans la scène ?

Comment utiliser l’ironie comme stratégie pour contenir une colère ?

Quel est le rôle de la sœur dans la dynamique du trio ?

Comment lire la montée progressive du conflit ?

Comment jouer une vérité difficile quand le personnage n’a plus d’argument ?

Comment utiliser la notion de “charge” émotionnelle dans tout le parcours du personnage ?

Pourquoi une scène forte peut se conclure sur une respiration légère ?

VOIR L'ANALYSE JEU CAMERA EN VIDEO CI DESSOUS :

Devenir acteur, c’est difficile ou pas ?

Devenir acteur, c’est difficile ou pas ?

Quel rôle joue la sensibilité dans le métier d’acteur ?

Pourquoi les blocages émotionnels compliquent-ils le travail ?

En quoi l’identité singulière est-elle indispensable ?

Combien de temps faut-il pour devenir acteur ?

La figuration aide-t-elle vraiment à décrocher des rôles ?

Pourquoi le métier annexe n’est-il pas un problème ?

Quel impact ont le syndrome de l’imposteur et le regard des autres ?

En quoi la pression financière influence-t-elle la carrière ?

Existe-t-il un équilibre entre difficulté et facilité à devenir acteur ?

Quels réflexes facilitent concrètement l’entrée dans le métier ?

Quelle conclusion retenir ?

Les Dialogues, Ce N’est Pas Juste Parler — C’est Tout Un Jeu

Les Dialogues, Ce N’est Pas Juste Parler — C’est Tout Un Jeu

Pourquoi je fais ce format court ?

C’est quoi les actions dans une scène ?

Et les didascalies, c’est quoi la différence ?

Comment repérer le personnage moteur d’une scène ?

Pourquoi je parle des dialogues en dernier ?

Comment les scénaristes écrivent un dialogue ?

À quoi sert vraiment un dialogue ?

Pourquoi un dialogue doit sonner naturel… mais pas réel ?

Quel lien entre le langage et le personnage ?

Acting Sud School : L'école de jeu caméra qui transforme en acteur PAT*