le lâcher-prise pour l’acteur : 5 techniques pour y arriver

Dans cet article d’Acting, nous allons voir comment vous pouvez tenter d’accéder au lâcher-prise !

Car aujourd’hui, cette quête est devenue le Graal pour l’acteur. 

Donc nous allons essayer dans cette vidéo de démystifier ce fameux terme utilisé à gogo dans toutes les vidéos de développement personnel.

Qu’est-ce que le lâcher-prise pour l’acteur ? 

Ce serait comme une formule magique qui vous permettrait d’être le meilleur des meilleurs en toute circonstance. 

Les acteurs avec lesquels je travaille, ont témoigné que c’était pour eux la façon ultime d’incarner n’importe quel personnage, même pour ceux qui sont loin de faire de belles prestations.

Comme si le lâcher-prise était le dernier obstacle à franchir pour être un comédien accompli.

Il faut comprendre par là, que le lâcher-prise est propre à chacun et dépend de toutes vos retenues, de votre pudeur et des croyances annihilantes accumulées depuis votre enfance, bref de votre propre personnalité.

1-  les techniques de respiration:

La respiration est la base de détente du corps humain. 

Or la détente de l’acteur est la base. Par exemple, dans la fameuse méthode de l’Actors Studio originaire des États-Unis, la moitié des cours est dédiée à la détente de l’acteur via différentes techniques de respiration et de yoga.

Vous n’êtes pas obligé de prendre non plus des cours de yoga!

Mais sur internet, il y a pléthore de vidéos qui vous donnent des techniques. 

Par exemple: celle de la cohérence cardiaque qui synchronise notre respiration sur nos battements de cœur; ou encore la respiration carrée, où l’on bloque puis on inspire sur 4 secondes et on bloque poumons pleins durant 4 secondes, puis on expire sur 4 secondes et on bloque poumons vides durant 4 secondes et ceci sur plusieurs séries.

Je conseille d’utiliser ces techniques de lâcher-prise instantané juste avant un casting ou d’attaquer une séquence, cela va calmer votre trac et vous détendre laissant donc toute la place à votre personnage.

2 – méditation de pleine conscience:

Cette pratique prônée par les sagesses orientales intéresse depuis longtemps les neuroscientifiques et psychologues, et je pense que vous, les acteurs n’avez pas encore pris toute la mesure de la puissance de cet outil. 

Il permet de gagner en paix intérieure, en réduisant le stress.

Aujourd’hui, on dispose d’un nombre relativement important d’études scientifiquement valides prouvant une réelle efficacité pour guérir de nombreux troubles nerveux.

Personnellement cela m’a ouvert “les antennes à sensations”:  j’ai l’impression d’être plus à l’écoute de quelqu’un sans avoir besoin de parler. 

Cette pratique nous permet de nous mettre de côté pour voir les situations et les événements avec plus de sérénité: on tourne intentionnellement son esprit vers le moment présent: perceptions du rythme respiratoire, des sensations corporelles, de ce que l’on voit et entend, de l’état émotionnel, des pensées qui vont et viennent…

En gros, cela permet d’évacuer plus rapidement ce qui vous brouille le cerveau.  

La méditation va vous permettre de faire connaissance avec vos émotions propres afin de vous permettre de les prêter à vos personnages. 

3  le coaching régulier pour se tester et expérimenter

Travaillez avec un coach régulièrement comme un sportif qui s’entraîne avec son coach avant chaque compétition.

Il est essentiel d’avoir un lieu pour expérimenter, essayer et se tromper, car c’est avec l’erreur que l’on apprend véritablement.  

D’atelier en atelier, vous allez bien évidemment vous détendre sur l’exercice de l’acteur, c’est ça aussi le lâcher-prise! c’est de relâcher la pression que vous avez sur les épaules: de ne plus écouter la petite voix de l’ego qui vous dit “je dois être bon comédien, je dois être à la hauteur de ce qu’on me demande”.

Écoutez plutôt vos sensations, celles qui vous disent : 

“je m’éclate! je vis le personnage et une situation qui me procure beaucoup de plaisir.” 

A force de travailler avec un coach vous ne réfléchissez plus! jouer devient naturel, familier, agréable, ainsi vous pouvez atteindre le lâcher-prise. 

4  – l’hypnose:

L’hypnose nécessite moins d’efforts que la méditation, qui elle, demande au minimum 10-15 minutes de séance par jour mais tout en étant gratuite.

Mais, avec un peu d’argent, vous pouvez trouver un bon thérapeute et suivre plusieurs séances dans le temps selon ce que vous voulez travailler. Cependant il faut être réceptif à l’hypnose or tout le monde ne l’est pas! et en général les gens me disent que c’est uniquement lorsqu’on a quelque chose à corriger comme l’arrêt du tabac, le grand classique…

Mais avec un thérapeute, on travaille sur les émotions, on va les comprendre, les corriger, ce qui est difficile à faire seul dans sa vie pris dans le tourbillon du quotidien.

Pour exemple, lorsqu’un acteur avec qui je travaille me dit qu’il a du mal avec la colère, ceci résulte souvent d’un blocage lié à ses souvenirs, un malaise refoulé, et donc ce comédien aura vraiment plus de mal à jouer des personnages en colère, or il est très intéressant d’être capable de jouer sur les nuances entre la colère sourde et la colère sanguine.

5 – voir un psychologue pour soigner ses blessures:

Là évidemment, ceci est très très efficace mais demande un gros investissement de temps et d’argent. Mais honnêtement, je pense qu’aujourd’hui, vous ne pouvez pas vous passer d’un thérapeute en psychologie si vous êtes une personne avec des blocages réellement importants qui sclérosent votre jeu.  

Ce sera l’ultime moyen si les quatre autres n’ont pas fonctionné avant.

conclusion

Ces 5 techniques ne sont pas les seules évidemment.

Donc n’hésitez pas à décrire la vôtre dans les commentaires pour partager avec d’autres comédiens/comédiennes.

Mais ces techniques peuvent être cumulables entres elles;

elles dépendent véritablement de la nature de vos blocages, à vous de voir si pour atteindre votre lâcher-prise, vous ressentez le besoin voir un psychologue, ou si simplement vous avez besoin de séances de respiration, certaines techniques étant plus efficaces sur le long terme que d’autres, à vous de les explorer! 

Donc pour conclure, si vous apprenez à bien vous connaître, vous n’aurez plus peur de vos fragilités, comprenez-les et acceptez-les, et les bienfaits viendront d’eux-mêmes.

En commentaire, donnez-moi votre propre réflexion , cela m’intéresserait vraiment !

merci d’avoir lu à bientôt

Eddy Creuzet Réalisateur/ Formateur Vidéo et Entraineur d’Acteur

Mon Site de Fiction : Court-métrages et Séries digitales : www.eddycreuzet-realisation.fr

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le coaching d’acteur c’est quoi ? ça sert à quoi ? 5 avantages d’avoir un coach d’acteur

Nous allons voir dans dans cet article  les 5 avantages que vous retirerez en tant qu’acteur ou actrice d’un bon coaching comédien.

  • Ma définition du coaching d’acteur:

Il faut faire tout d’abord la différence avec la direction d’acteur qui elle, concerne le tournage en lui-même car cela prend en compte de façon essentielle le casting, le choix de vos acteurs et actrices pour vos personnages. On s’accorde à dire dans le métier, que le casting c’est 50 % au minimum du travail de direction d’acteurs.

Ensuite c’est la relation entre vous et le réalisateur qui va être déterminante sur un plateau de tournage. 

Comment vous allez vous laisser guider plus ou moins, comment vous allez être à l’écoute du Réalisateur, comment vous allez réussir à retranscrire dans votre jeu toutes ces informations.

Ceci étant dit, vous allez voir que le coaching n’a rien à voir, sauf sur quelques points importants de méthode de travail d’acteur.

Je parle ici de la relation toujours entre vous comédien-comédienne et de votre coach:

qu’attendez-vous de lui d’elle?

Etes-vous prêts à lui faire totalement confiance? où avez-vous encore des retenues? un peu de pudeur ou de la gêne? bref tout cela ( le relationnel, le feeling avec cette personne) va être déterminant pour un travail efficace.

Ne travaillez pas avec un coach que vous ne supportez pas. Ceci est valable dans l’autre sens également: un coach ne  travaillera pas avec un acteur-actrice avec qui ça ne passera pas bien.

Mon conseil pour travailler avec un coach, que ce soit en séance individuelle ou en groupe lors d’atelier ou de stage :  vous devez être totalement investi avec votre corps et votre esprit comme si vous étiez sur un véritable tournage : votre engagement doit être le même.

Cela va vraiment déterminer le bénéfice du travail effectué.

  •  voici 5 avantages-conséquences si vous suivez un coaching comédien régulièrement. 

1- la confiance en soi 

Quand on a dit ça, on a tout dit! C’est la phrase générique du développement personnel que l’on entend partout depuis quelques années sur internet, mais je suis obligé d’en parler car c’est réellement la base, un fondamental pour être comédien. 

Le coach va vous amener vers un travail totalement propre à vous, le coach est un guide, votre guide, et donc il va se baser sur ce que vous avez déjà en vous, ce qui est à corriger ou améliorer, et comme cela vient de vous, forcément vous allez vous dire “ah mais en fait je ne suis pas si nul que ça”, donc en conclusion vous vous estimerez bien mieux. 

Il est indispensable d’avoir confiance en vous : il faut être comédien dans votre tête! même si vous êtes apprenti, débutant, ou si vous débutez à peine votre carrière. 

N’attendez pas d’avoir un CV grand comme ça ou une bande démo de malade pour vous considérer mentalement comme un comédien.

2- sortir de l’isolement et travaillez avec pleins d’acteurs-actrices nouveaux et des coachs différents:

Se confronter à l’autre, à votre partenaire, c’est la même chose qu’un tennisman qui joue avec un adversaire et non contre un mur :  ce n’est pas du tout le même travail.

Votre métier de comédien est basé sur l’humain:  les personnages que vous incarnez sont tous en interaction avec d’autres personnages, sans l’autre nous n’existons pas, donc il est essentiel d’échanger avec d’autres acteurs et actrices qui vont aussi vous apporter de nouvelles choses. 

Les apports bénéfiques viennent de vous, du coach, et également de vos partenaires. Je le dis souvent dans mes ateliers quand les acteurs attendent leur tour pour travailler, je leur dis: “N’attendez pas, mais apprenez en regardant.”

Et puis évidemment, essayez de travailler avec différents coaches si vous le pouvez dans différents matières, car les coaches sont tous différents.

En revanche petit bémol sur le zapping:  n’allez pas picorer à droite à gauche sans vous investir, je le répète lorsque vous vous lancez dans un travail avec un coach, c’est un travail  de longue haleine, c’est travailler dans le temps avec la même personne. J’ai pu observer que le One Shot n’est pas efficace.

3- restez réactif, et garder la forme:

Avec un travail de coaching acteur régulier, vous êtes dans les starting-block, pour répondre à des castings pour demain, accepter des tournages sans vous mettre la pression. 

Le coaching permet de ne pas avoir de rupture dans votre quotidien d’acteur ou d’actrice.

Rien n’est pire que d’attendre le casting et le tournage sans rien faire. 

Imaginez-vous un sportif de haut niveau qui attend sa compétition sans aller s’entraîner sur le terrain ? Jamais de la vie! c’est incongru!  vous êtes aussi des sportifs de haut niveau, donc le coaching c’est votre entraînement ! 

Vous gardez la forme, le rythme et vous apprenez de nouvelles chose, vous enrichissez vos compétences. 

4- identifiez vos faiblesses et vos forces

Grâce à ce travail régulier, et bien justement vous allez mettre le doigt sur des choses sur lesquelles vous devez travailler un peu plus dur.

Travailler des émotions particulières, des personnages hors du commun ou au contraire très ordinaires et grâce à ça vous allez pouvoir déterminer vos faiblesses et ainsi travailler dur dessus.

Et c’est hyper important lorsque vous voulez par exemple monter votre bande démo. 

5- Créer votre propre méthode

Lorsqu’on veut devenir acteur, et qu’on commence à se renseigner, on découvre qu’il existe pas mal de méthodes de travail.

Des écoles sont spécialisées dans telle ou telle méthode; je trouve cela assez dommage car je pense que toutes les méthodes sont bonnes; en tous cas, dans chaque méthode il y a des choses bonnes pour vous et c’est cela qui est important, c’est que vous puissiez piocher dans cette boîte à outils que des grands penseurs ou des grands acteurs ou des grands metteurs en scène ont constituée pour vous. 

Vous allez donc pouvoir tester et mettre en pratique ces différentes méthodes lors de vos séances de coaching:  une fois vous appréhenderez un personnage avec la méthode Strasberg, une autre fois vous allez attaquer une nouvelle émotion avec la méthode de Stanislavski, la prochaine séance je travaillerai l’Actor Studio et aujourd’hui je travaille avec la méthode de Meisner.

Au final vous aurez le choix parmi toutes les méthodes d’opter pour celle qui vous ira le mieux afin d’anticiper chaque particularité de diverses œuvres filmiques.

Pour chaque nouveau rôle, vous devrez sans cesse vous réadapter, donc il est primordial de créer votre propre boîte à outils évolutive. 

  • conclusion / résumé

Il est important pour moi de préciser que votre travail d’acteur, d’entraînement de renforcement de vos acquis, d’apprentissage de méthodes, de techniques de jeu doit se faire avec une tierce personne ! 

On l’appelle coach mais vous pouvez l’appeler directeur d’acteur, vous pouvez l’appeler répétiteur,  ou “ma pote comédienne qui me donne un coup de main” qu’importe,

ce qui est essentiel c’est de travailler avec quelqu’un, pourquoi ? 

car sur un tournage, votre premier public, donc celui ou celle qui va recevoir votre jeu, c’est bien sûr le réalisateur!

En commentaire, donnez-moi votre propre réflexion , cela m’intéresserait vraiment !

merci d’avoir lu à bientôt

Eddy Creuzet Réalisateur/ Formateur Vidéo et Entraineur d’Acteur

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C’est quoi un acteur(trice) ? c’est quoi un comédien(ne) ? Quelles différences ?

Le débat est ouvert et restera ouvert sur ces questions. Un certain consensus s’est imposé quand même au fil des années. Il existe un réflexe: celui d’opposer acteur et comédien comme on confronte cinéma et théâtre. Certains l’expliquent ainsi : l’acteur pour le cinéma et le comédien pour le théâtre ?

Évitons cependant de  tout opposer systématiquement,  je préfère différencier et associer si c’est possible. 

L’art de jouer la comédie peut tour à tour utiliser le concept de L’acteur et celui du comédien. 

Alors qu’elle est cette différence entre Acteur et Comédien  ? 

De mon point de vue ( toujours dans ce blog CQFD) , 

Être Acteur, c’est l’idée selon laquelle on invoque son MOI intérieur, l’on travaille un rôle avec son propre matériel :  son corps, sa voix et l’on pourra y greffer quelques couches de “caractérisation” du personnage. 

Être Comédien; c’est l’idée selon laquelle l’incarnation est optimale dans le personnage au point de s’oublier : on peut ne pas vous reconnaître physiquement, vous changez votre voix, votre démarche, vos yeux (avec des lentilles) …

Quels exemples de différences entre Acteur et Comédien  ?

Voici des exemples pour illustrer mes propos: Vincent Lindon est un acteur, il va interpréter le personnage avec ce qu’il est !  Il peut y ajouter un changement d’allure, de gestes (autour de la profession du personnage par exemple) mais globalement on va reconnaître le jeu de Vincent de Lindon (avec ou sans “moustache”) dans toute sa filmographie (à part quelques exceptions)

A contrario, Joaquin Phoenix, a incarné le Joker dernièrement :  il a perdu 11 kilos, créé le rire du Joker, le costume, ses cheveux…

Ça c’est pour l’extérieur du rôle. En matière de Jeu, c’est la même chose. L’acteur ne va s’investir autant que le comédien dans un rôle et sera moins impacté psychologiquement après le tournage que certains artistes. C’est en théorie et n’est pas systématique évidemment ! Prenez l’exemple des films de comédie, l’artiste interprète est acteur pour jouer “le beau-frère rigolo” et le même artiste sera  comédien pour jouer dans un drame, un soldat de la guerre de 14/18…

Le travail de préparation ne sera pas le même ! 

Être Acteur et/ou Comédien comment choisir ?

À  priori vous n’avez pas à faire ce choix puisque cela dépendra du rôle proposé dans un projet. Si vous décrochez un rôle dans une série TV quotidienne, vous allez être acteur, faire vivre le personnage dans son quotidien avec les autres personnages dans une  production de tournage rapide où la préparation du personnage sera succincte. 

Si vous décrochez un rôle dans un film de genre, par exemple (thriller, fantastique, horreur)  vous êtes comédien pour incarner un personnage mi-bête, mi humaine.

Pour terminer, voici mon conseil : travailler en dehors des tournages sur des personnages qui s’éloignent de vous, cherchez à l’Intérieur de vous  et à l’extérieur de vous des comportements, des situations hors normes. Travaillez les avec vos camarades comédiens ou dans des ateliers actings. Cela participe également à un travail d’introspection. Vous allez découvrir des choses en vous que vous n’aurez pas soupçonné.  Cela vous donnera plus de confiance pour les prochains tournages en tant qu’Acteur. ( et les castings aussi of course) 

En commentaire, donnez-moi votre propre réflexion autour du plan vidéo cinéma, cela m’intéresserait vraiment !

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Comment un plan caméra raconte une histoire : Chronique d’un Réalisateur

J’aimerais partager avec vous une réflexion de réalisateur à propos de la mise en scène de fiction notamment une réflexion autour du sujet du cadre de la caméra et plus précisément du plan cinéma.

 Je parle de réflexion pour faire la différence avec une information ou une formation théorique, ce n’est pas le sujet de cet article car la fabrication d’un plan cinéma est propre à chaque réalisateur avec, je pense, certains points communs.  Quand je pose la question comment un plan vidéo (un plan cinéma) raconte une histoire, ce n’est pas moins une question qu’une affirmation à mon sens. Je continue à attirer votre attention (pour éviter de recevoir des injures) que ceci est un article subjectif qui n’engage que moi. C’est aussi un article qui s’adresse aux acteurs qui souhaitent prendre conscience de la manière dont ils sont filmés et pourquoi.

Un Plan c’est quoi  ?

C’est le cadre de la caméra qui filme un champ de vision en 3 dimensions (avec l’axe de la hauteur, de la largeur et de la profondeur) dans lequel se trouvent par exemple un décor, les accessoires et les acteurs.  Un plan c’est comment la caméra est positionnée, ce qu’elle filme et comment. Un plan est au service du scénario. Pour fabriquer un plan on doit se poser des questions techniques, esthétiques et narratives.

 

Pour la partie technique, on peut suivre simplement les règles du découpage et on peut aussi “casser ses règles” car cela va raconter une autre histoire. Voici un exemple :  lorsqu’on cadre un personnage en plan rapproché, on doit lui laisser de l’espace devant son regard pour respecter la règle des tiers, sans rentrer dans les détails c’est un équilibre de l’image entre le personnage, son décor et un autre personnage. Mais si on veut raconter que ce personnage a un problème existentiel lié à la situation, on peut le mettre “au bord du cadre”, c’est-à-dire lui retirer tout espace devant le visage et on va créer une sensation d’étouffement, d’enfermement. Ce plan va accentuer la problématique psychologique de notre personnage. 

 

La Lumière est la source de votre image. Sur un tournage, il y a un chef opérateur ( directeur de la photo) qui s’occupe  de régler les lumières, pour que la caméra en reçoive une quantité suffisante. Il gère également sa qualité esthétique ou la plupart des cas, narrative ! Une lumière dans un plan va souligner, amplifier, et/ou va accompagner l’histoire. On peut reproduire la lumière d’un décor créé ou d’un décor naturel dans lequel on tourne. Par exemple,si la lumière rentre par une fenêtre alors on placera un spot devant celle-ci. Ou pour reproduire la lumière artificielle du plafonnier, on fixera des spots au plafond. Une fois le réalisateur demandera une lumière puissante presque aveuglante parce que la situation est tendue, une autre fois il voudra une lumière douce, feutrée et enveloppante pour une scène d’émotion ou encore une lumière directive sur un personnage pour un interrogatoire de police où les ombres d’un côté du visage seront bien marquées.

 

Le mouvement de la caméra également raconte l’histoire du plan. Prenons l’exemple du fameux plan séquence : c’est-à-dire que toute la scène est filmée sans couper la caméra. Le plan séquence raconte une histoire  avec une sensation “de direct” pour, par exemple, présenter des personnages, un lieu, une course poursuite ou une scène de bagarre ou encore pour immerger totalement le spectateur dans cette action. Autre exemple le travelling : le déplacement de la caméra vers un point donné. Un long traveling avant commence en large et s’approche doucement, très doucement pour finir sur le visage d’un comédien. Ce mouvement va susciter peut-être un suspense dans l’esprit du spectateur.

Il y a bien sûr bien d’autres critères  pour faire “parler un plan comme par exemple la couleur choisie… Autant qu’il y a d’interprètes de l’image.

Le plan cinéma est un langage

C’est passionnant de savoir que le plan fait partie intégrante du langage cinéma. Il permet d’émouvoir le spectateur, le faire réagir et l’immerger dans le film. C’est un langage sensoriel dans lequel  le plan est à l’instar du mot dans une phrase, d’une expression dans un texte. Le plan peut être aussi un chapitre entier pour un roman. Il est à la fois “micro”, infiniment petit, comme “macro”, infiniment grand, dans l’importance symbolique qu’on lui donne. Il est à l’image du morceau de puzzle. S’il manque un plan, attention à la faute de raccord !

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Les 3 choses importantes pour être un bon acteur : 1- l’émotion, 2- l’émotion et 3- l’émotion

 

On oublie assez souvent de se demander quel est le rôle d’un acteur. C’est  la question que je pose aux acteurs(trices) lors de mes stages jeu caméra, lors de mes tournages ou d’entraînements Acting. Évidemment chacun a sa réponse, chacun a sa vérité et tant mieux car il n’y a pas qu’une seule définition! Il y a celle que vous sentez profondément en tant qu’acteur et qui vous motive, qui vous transcende à vouloir faire ce métier. En tant que réalisateur/directeur d’acteurs, je me dois de donner une définition du rôle de l’acteur, ce qui permet, je pense, d’avoir un but à atteindre, un cap à ne jamais perdre de vue : susciter de l’émotion chez le spectateur !

une définition du rôle de l’acteur : susciter de l’émotion chez le spectateur

 

 

 

 

 

 

 

Comment l’acteur(trice) peut « générer » de l’émotion sincère ?

Vous avez réussi à déclencher de l’émotion chez le spectateur, bravo vous pouvez en être fier. C’est la phase finale de votre boulot car ce travail de transmission commence en amont. En premier lieu, l’acteur doit ressentir cette émotion ! Une émotion soit fabriquée de toutes pièces ou soit ressortie  d’un souvenir personnel ( cet éternel débat fera partie d’un autre article). Cette émotion devient celle du personnage. Pour que le public croit en son personnage, à l’émotion qu’il ressent, l’acteur doit y croire dur comme fer ! 

J’entends parfois de la bouche d’acteur cette phrase : « comment veux-tu que je fasse cette scène ? » Ou « comment je fais pour jouer ce plan ? ». C’est souvent l’écueil de l’acteur inexpérimenté, c’est devoir « faire »,  « faire bien » « être un bon acteur ». Je pense plutôt qu’il faut dans « l’être », abandonner le verbe « faire » et « s’en foutre » (sorry pour mon langage) de bien jouer ou pas ! Demandez-vous plutôt si vous avez ressenti quelque chose ! L’acteur(trice) de cinéma doit penser à être « ici et maintenant », être dans la situation de la séquence, être dans le personnage et ses états d’âme et enfin, être dans l’émotion. 

C’est vrai que certaines productions de séries télés quotidiennes exigent un rythme soutenu aux acteurs. Ce rythme ne permet pas de créer une atmosphère propice à la création d’émotions propres à la scéquence.  Alors l’acteur a tendance à « plaquer » l’émotion, c’est-à-dire à ne pas vraiment ressentir celle-ci. D’autres paramètres, autres que le manque de temps peuvent empêcher l’acteur de bien travailler : le manque de direction d’acteur (souvent dans les courts-métrages d’école de cinéma, les apprentis réalisateurs ont peur de l’acteur : cela fera l’objet d’un article prochain).  Et donc cela déclenche un manque de confiance en soi qui perturbe l’esprit de l’acteur, il se sclérose dans ce sentiment et perturbe l’essence même de son travail: créer l’émotion chez le spectateur.

La technique au service de l’émotion ?

Alors heureusement, la fiction c’est aussi de la technique au service de l’artistique, on arrive ainsi à l’aide d’effets de caméra, de la mise en scène et beaucoup du montage avec la musique a heureusement susciter l’émotion chez le spectateur (même si l’acteur n’était pas pleinement dans l’émotion au moment du tournage). Bien sûr pour moi « un mauvais acteur » est  celui qui pense justement que la technique va se substituer à son travail de création d’émotion ! À l’inverse « le bon acteur » pour moi est celui qui sait que la technique cinéma va enrichir, appuyer, sublimer l’émotion mais que lui en amont  doit l’avoir ressenti.

S’entraîner ? sans déconner ?

Deux exercices d’entraînement d’acteur pour conclure :

1- Profitez lors de répétitions de tournage, de stage acting jeu caméra ou bien encore lors de votre travail personnel à la maison, sur une séquence de fiction, de systématiquement attendre de ressentir l’émotion avant d’ouvrir la bouche, avant de dire votre réplique. Donnez vraiment ce temps à l’émotion, entraînez-vous souvent et vous verrez que ce temps diminuera bien sûr, cela deviendra un automatisme et votre cerveau deviendra plus rapide! Et vous serez prêts à tourner dans les productions « speed » des séries  TV quotidiennes (entre autres !)

2-Prenez votre smartphone, imaginez-vous en train de recevoir un appel d’une personne que vous connaissez : lors de la sonnerie vous êtes content de décrocher et ensuite cette personne va partir dans un monologue et vous apporter des mauvaises nouvelles. N’imaginez pas une situation trop dramatique mais suffisamment  problématique pour susciter de l’émotion chez vous. Ensuite prenez au moins 1 à 2 minutes pour écouter et faire monter les émotions (par paliers) et réagissez uniquement avec le corps, la respiration, de l’action ( marcher, allumer une cigarette, boire un verre d’eau etc. Ne mimez pas ! Vous faites du cinéma !). L’exercice s’arrête au moment de votre 1ère réplique qui sera vraisemblablement chargée d’émotion !

Merci de m’avoir lu,  à très vite.

Eddy Creuzet Réalisateur/ Formateur Vidéo et Entraineur d’Acteur

 

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Stage Cinéma : 2 jours pour apprendre à réaliser un Court-métrage

Si vous avez toujours souhaité tourner votre court-métrage, que vous soyez étudiant en vidéo, amateur passionné ou totalement néophyte, profitez du stage de Réalisation de court métrage en 2 jours ! Relevez le défi !

En petit groupe (maxi 4 participants) et accompagnés d’un réalisateur professionnel sur un Script proposé, vous aurez chacun une Séquence à réaliser, apprendre à faire un découpage, préparer le tournage (lieu, décors, casting…), la pratique de la camera et enfin le Tournage un décor naturel extérieur et intérieur.
Chacun des participants fera la technique des autres. C’est un travail collegial qui est proposé.

Un Cast d’acteurs vous sera proposé pour les personnages.

Le stage se fera en 2 parties :
Jour 1 : Le travail de découpage du scénario + début tournage
Jour 2 : suite du Tournage

Tarif : 220€/personne (le film monté et livré par wetransfert)

Lieu : Auriol (13)

+ infos et inscription ici : www.acting-stage-sud.com ou actingstagesud@gmail.com avec votre nom, prénom et numéro de téléphone

*PS : le film pourra être proposé aux festivals de CM

Si vous avez la moindre question, je suis à votre écoute au 06 80 31 01 01
Eddy Creuzet
Notre Page FB :https://www.facebook.com/actingstagesud/

Voir des docs en Ligne : Festival documentaires Greenpeace

Voir des docs en Ligne : Festival de documentaires Greenpeace 

Une fois n’est pas coutume, je m’éloigne aujourd’hui un peu de la fiction et des acteurs pour parler des acteurs de la vraie vie dans les documentaires. Ces derniers empruntent depuis longtemps les codes de la narration de fiction pour raconter des histoires.

Je viens de découvrir un Festival du Documentaire en ligne organisé par Greenpeace. 

Le thème tourne autour des valeurs de l’association : la nature, les animaux, l’écologie…

On peut visionner les documentaires sélectionnés et voter pour notre préféré pour le prix du public ! Une belle occasion de découvrir de jolis docs en avant-première !

 

Allez sur le Festival : Cliquez ici

STAGE TRAINING JEU CAMERA AIX MARSEILLE

Rien ne remplace une véritable expérience de « Plateau de Tournage »

( long métrage, court-métrage, série TV ou série Web.)

Je ne donne pas de « Cours » Jeu Caméra mais je propose un « Entrainement », un atelier d’expérimentation, pour prendre confiance, se découvrir en tant qu’acteur(trice) et faire le pont avec le « Jeu Théâtre » et surtout muscler vos muscles émotionnels !

PROCHAIN STAGE : Samedi 26 janvier 2019  à Aix-en-Provence de 10h -17h00 – Aix-les Milles – Places limitées à  6 participants*

INSCRIPTION :

Inscription stage Jeu Caméra comédien

Vidéo Conseils pour acteur de cinéma

5 conseils en Vidéo pour Améliorer votre Jeu d’acteur face à la Caméra !

Mon expérience de Réalisateur/Directeur d’acteurs sur des Courts-métrages, Séries digitales, Clips et Pubs depuis 16 ans, m’a donné des clés pour coacher et guider les acteurs (pro ou débutants) à jouer face et avec caméra. Même si chaque tournage de fiction est différent car le Metteur en scène a ses spécificités, je propose des pistes, des repères pour que l’Acteur(trice) soit toujours  Disponible et Soit dans la situation donnée.

Eddy

Au sommaire de ma vidéo Conseil :

1 -Jouer Intime
2- Regarder les yeux du partenaire
3- Jouer naturel
4 – Jouer avec fraicheur : votre personnage ne connais pas le texte
5- Le Sous-texte de l’acteur